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Lo que pasa nos sitúa en un espacio. Ahí estamos, más allá de fantasías. Ese espacio es hoy de banalidad, degradación, deleznable. Ha desparecido, o no se manifiesta, el pensamiento. A cualquiera cosa se llama poesía, pintura, reflexión, pensamiento. El nivel es tan bajo que, desde el suelo, no hay perspectiva. Pensar es el proceso mental que realizamos para descubrir la claridad. No la verdad, pues la publicidad la ha roto hasta dejarla irreconocible. Para Heidegger pensar es un aprendizaje, buscamos lo que no sabíamos: aprendemos a ver, diferenciamos el resplandor de la entidad de la luz. ¡Blanca Varela, “porque alguien tiene que pensar la vida”!

Vivimos un mundo y unas relaciones socio-culturales artificiales. Si el hombre deja de pensar, ¡y está pasando!, se acaba todo. Todo lo relacionado con nuestra dignidad, nuestra libertad, nuestro compromiso vital. Sin pensamiento activo no hay libertad y sin libertad sólo hay esclavitud. Respecto a ideologías vivimos una insufrible polarización, pero, en torno a la vida emocional, estamos en época de absoluta renuncia. El hombre ha dimitido, para ser manejado, tal un pelele, por oligarquías desnaturalizadas, por bandas de truhanes zafios y rufianes.

La política que hacen los políticos actuales es un reflejo de nuestra sociedad, no un calco exacto. Hay circunstancias y sucesos que no son equivalentes. La política está henchida de mafias irredentas, que, bajo aspectos distintos, coinciden en su objetivo: vivir de los que trabajan, amordazar a los que piensan y dirigir voluntades a través del poder y su propaganda. La sociedad es plural y posee mecanismos, que pueden adormecerse, pero que despiertan de tiempo en vez. ¡Y en despertar estamos!

Conocí a Blanca Varela en 1997, en la “Resi”. Tenía una hermana que vivía en Madrid y sus estancias en la capital no fueron escasas. El 4 de octubre de 2002, apareció, en El Punto de las Artes, una entrevista que le hice en la que identificaba la poesía como “una silenciosa algarabía del corazón, un ejercicio de libertad”. Más existencialista que surrealista; estaba, está su obra determinada por el dolor y la ternura.

Una señora elegante, con porte, sin adustez; entre jazmín y aliaga; sedosa, pero, dura. Una claridad seclusa y rescatada por la actitud, hablaba como si hiciere una confidencia. Ángel inca de la luz y torrente de intimidad con alas. Tímida y rilkeana, nefelibata atenta a lo concreto. Había sufrió golpes fuertes en su vida y supo procesar el dolor en un hortus conclusus en el que cultivaba flores de sangre, que teñían su existencia. Nada le podía sorprender ya, salvo los efectos del día a día. Arrastraba una tristeza que sólo borraba la alegría de una sonrisa, el sabor de la dignidad a través de la palabra.

Limeña de cuna, estudió en San Marcos y, aunque escribió desde niña, allí fue donde se inició en la poesía, a la sombra de Sebastián Salazar Bondy, formando parte de la generación de los 50 de Perú: Javier Sologuren, Jorge Eduardo Eielson, Carlos Germán Belli, Washington Delgado, Alejandro Romualdo…Participó en la tertulia de la Peña Pancho Fierro, comandada por Alicia y Celia Bustamnate, asistiendo José Mª Arguedas, que influyó de forma notable en la obra vareliana; César Moro, Westphalen, Sérvulo Gutiérraz, Leonor Vinatea o Fernando de Szyszlo, con quien matrimonia en 1949.

Vino a la vida en un hogar en el que se escribía, se cantaba, se soñaba. Su madre, Esmeralda Gonzales Castro, escritora, cantautora, periodista, construyó valses criollos y melodías bajo el pseudónimo de Serafina Quinteras. Es mucho lo que le quedó de ella, porque andando el tiempo, 1997, confesaría en una entrevista a Víctor Rodríguez Núñez:”…mi inspiración mayor es poder escribir una poesía que se pueda cantar”.

Antes comienza a colaborar en Las Moradas, la revista de Westphalen y de Szyszlo. Y tras la boda, a París, donde por Jacques Lanzman conoce a Sartre y S. de Beauvoir, con quien intimará. Octavio Paz los introduce en el mundillo artístico de los Michaux, Giacametti, Léger, Tamayo, Breton, Carlos Martínez Rivas, José Bergamín: en la capital del Sena vive dos años sola, por las espantadas desleales de Szyszlo.

En el 57 se trasladan a Florencia, coincidiendo con Gerado Chávez, Tilsa Tsuchilya y otros compatriotas. Duran poco, se van a Washington, donde estarán hasta 1960, viven de traducciones y trabajos periodísticos. Deambulando por aquí y por allá, hasta el regreso definitivo (?) a Lima en 1962: “el tiempo es un árbol que no cesa de crecer”.

El matrimonio anduvo a trancas y barrancas, Szyszlo era muy enamorador. Se separaron en los ochenta, divorciándose en 1989. En sus memorias, La vida sin dueño, Alfaguara, 2017, Szyszlo no se siente orgulloso de su comportamiento con la poeta. Hay que añadir que, en 1996, su hijo Lorenzo fallece en un accidente aéreo, Vuelo 25 de Faucett Perú, en Arequipa. Acumulando dolores, cosechando heridas, se hizo resistente. Pero al final la vida cede y en 2006 tuvo un accidente vascular que la privó del habla. En silencio, sabiendo, murió en marzo de 2009 a los 82 años. Sus cenizas fueron sembradas en las aguas de la bahía de Paracas: “Amor, / paisaje que el tiempo corrige sin tregua”.

Su libro inicial, fue revisado, titulado y prologado por Octavio Paz, Ese puerto existe, 1959. En ese prólogo, asegura Octavio Paz: “Blanca Varela es una poeta que no se complace en sus hallazgos ni se embriaga en su canto. Con el instinto del verdadero poeta, sabe callarse a tiempo. Su poesía no explica ni razona. Tampoco es una confidencia. Es un signo, un conjuro frente, contra y hacia el mundo, una piedra negra tatuada por el fuego y la sal, el amor, el tiempo y la soledad. Y, también, una exploración de la propia conciencia”.

Fernando de Szyszlo es el pintor más internacional de Perú del s. XX, junto con Gerardo Chávez, siendo tan distintos. Era un personaje encantador, cuando expuso en Madrid, estuve con él y con Vargas Llosa, su amigo. Le hice una entrevista, en El Punto de las Artes, 18 de marzo de 2005. Quería hacerme un obsequio y yo le pedí el Libro de barro de Blanca Varela. Se emocionó y me dijo que me lo enviaría si lo encontraba. Cuando viajé a Lima a presentar el gran catálogo de la obra de Gerardo Chávez, ya tenía una cita para verme con él, pero el día anterior a mi llegada, se produjo la infausta noticia de su muerte, junto a la de su segunda esposa, Lila Yabar, 9 de octubre de 2017.

De su obra, ocho libros, toda la poesía de Blanca Varela está en edición de Galaxia Gitenberg/Círculo de Lectores, Donde todo termina abre las alas, 2001, con prólogo de Adolfo Castañón y epílogo de Antonio Gamoneda ¡Qué manía de mezclar agua y aceite!

Dentro de su enigmático cosmos, el libro más esplendoroso es El libro de barro, Ediciones del Tapir, Madrid, 1993.  También Canto Villano es muy representativo y Ejercicios materiales. Perfumada de surrealismo, introduce en la poesía del continente americano un sabor existencialista y una elegancia ungarettiana. Transita la intimidad, la desnudez, el desencuentro, para resistir una realidad hiriente, “y de pronto la vida”.

José Miguel Oviedo, el crítico más creativo, cree su poesía “pura y misteriosa”, ejerciendo “una insurrección cotidiana”. Para Abelardo Oquendo, “…esta poesía se alimenta de pérdidas, es una chispa que brota del choque de dos manos por coger una chispa”. Para mi amigo, el maestro Julio Ortega, es una poesía “que no rinde sus encuentros, que no accede al diálogo y que, indefectiblemente, aparece y huye”.

Es una de las poetas más finas, exquisitas y poderosas del siglo XX, en Hispanoamérica. Tiene más que ver con los poetas peruanos de los 40 que con los de su generación. Es una isla, un cúmulo impreciso de sensibilidad, arañado por la rudeza de los que no saben medir su fuerza. Hablaba en tono de susurro, como viniente del dolor, hecha a pasar de puntillas, a estar tras el visillo, pero con la lucidez de un volcán silente a punto de inaugurar su canto irreductible del fuego.

Su obra, va más allá de la lírica, hizo crítica de cine, con el pseudónimo de Cosme; de arte, columnas de pensamiento para diarios. Para Albert Camus, pensar es “querer crear un mundo”. Pero su potencia, enmascarada, rehuyendo plantar cara, ajena al narcisismo, está en la poesía. No existen poetas elitistas, sino menospreciados por la ignorancia, que es letal. Ha sido traducida al francés, inglés, portugués, alemán, ruso, italiano. No es fácil el acceso a su poética, pero, muchas puertas se abren solas cuando se decide entrar.

Es coautora de la antología Las Ínsulas Extrañas, con Sánchez Robayna, Eduardo Milán y José Ángel Valente, Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores, 2002. Una publicación que levantó gran polvareda crítica, siendo muy atacado Valente.

Blanca Leonor Varela Gonzales, Blanca Varela, nació el 10 de agosto de 1926 en Lima. Siempre quiso ser peruana, siempre escribió en español. El próximo diez de agosto se cumple el centenario de su nacimiento. No es una obra en peligro, nunca lo va a estar, pero al aire de esta efeméride, veo oportuno recordar su entidad y alentar su presencia, que nunca ha estado a la altura de su dimensión. ¡Una poesía mollar, límpida, que no se deja mezclar, genuina de un ángel cobijado en las estancias más hondas del prodigio!

Fue agasajada a destiempo y de modo burdo. ¿No pudo nadie remediar la astracanada? Obtuvo el Premio Octavio Paz de Poesía y Ensayo, en 2001. ¡Muy tarde! Pero es que, cuando ya no podía hablar y su comprensión estaba dañada le otorgaron el Premio I de Poesía Ciudad de Granada, 2006, con torpes declaraciones del portavoz del jurado, y al siguiente año, el XVI Premio Reina Sofia de Poesía Iberoamericana. ¡Qué falta de tacto de los organizadores de esos galardones!

El arte conlleva un desarrollo de la inteligencia visual que comprende todos los sentidos. Esa naturaleza trasversal del arte es de tal complejidad y riqueza que el acto de creación artística se transforma en una experiencia transensorial. El arte clásico es el perfecto equilibrio entre materia y espíritu. Sin embargo, en el arte contemporáneo se produce una ruptura de ese equilibrio en favor del segundo y desde la segunda mitad del siglo XX la búsqueda de la verdad está por encima de la estética.

La evolución del arte del siglo XX se caracteriza por la iconoclastia, la continua ruptura en un proceso progresivo hacia la desmaterialización del arte objeto. En un afán de síntesis, de simplificación, se van reduciendo los medios de expresión hacia una esencialización, sometida a la economía fundamental de la obra, hasta quedarse solo con la idea. Los artistas contemporáneos aceptaron el desafío de presentar sus acciones artísticas como concepto y, por ello, la comprensión de lo que es el arte de hoy representa una tarea para el pensamiento y la obra de arte contemporánea es prioritariamente un motivo para hacernos reaccionar, al establecer una reacción emocional con la obra y comunicar socialmente. 

En las últimas décadas del siglo pasado, la superación de la modernidad es el llamado arte posmoderno. Una corriente sociológica y estética de los años setenta y ochenta que surge como reacción al arte de la postguerra y marca el fin de la Edad Contemporánea de los “ismos” cerrados de las vanguardias. Frente a la creencia de progreso continuo, se potencia el eclecticismo, la ironía, con un rechazo a las grandes narrativas y las verdades absolutas. En lugar de buscar la verdad, ahora se abraza la pluralidad, la subjetividad, se cuestiona la autoridad a través de la apropiación, la deconstrucción y la provocación. En 1977, el filósofo alemán Hans-Georg Gadamer publicó La actualidad de lo bello, donde habla del arte después de la muerte del arte, de cómo el arte posmoderno examina críticamente la cultura del consumo y expone los sistemas de poder y mercantilización que conforman la vida moderna. 

Para los artistas de la posmodernidad el arte había perdido credibilidad porque se había vuelto más lejano de cualquier clase de experiencia social compartida. El arte se convertirá entonces en un espejo que refleja las complejidades, contradicciones y diversidad de la sociedad. Los artistas posmodernos rebaten las estructuras y jerarquías del mundo del arte. Combinan estilos y géneros, se fusionan incluso con la cultura popular y utilizan muy diferentes técnicas. Su objetivo es provocar al espectador, poner en duda la originalidad, dar una diversidad de perspectivas. Es un artista libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado. Sus obras suelen ser figurativas, sin rechazar lo abstracto, con referencias iconográficas y simbólicas. 

El teórico del posmodernismo en Estados Unidos, Ihab Hassan, considera lo posmoderno como un movimiento de deconstrucción, descentramiento, desaparición, diseminación, desmitificación, discontinuidad, diferencia, dispersión. Términos que implican un rechazo a las tiranías de las totalidades. Hay una obsesión por los fragmentos o las fracturas y aparece una nueva estética de lo “incierto”. Proponen complejidad y contradicción contra simplificación. La ambigüedad y la polivalencia frente a las estructuras universales “mínimas”. Recuperan la memoria de la historia y un regreso a la naturaleza. En este escenario comienza a pintar Nela Prieto.

La historiadora del arte Montserrat Acebes en su libro Nela Prieto. El color de la rebeldía analiza profundamente la trayectoria humana y artística de la pintora con un exhaustivo estudio de su obra, donde detalla la original personalidad de esta artista. Para Nela Prieto pintar es una forma de vivir. Siempre con la verdad por delante, da forma a sus anhelos, contradicciones, emociones, pensamientos. Es el suyo un proceso de introspección hacia la búsqueda de la propia identidad, no exento de incertidumbre y dolorosa ansiedad, que lo experimenta y lo expone en la superficie de sus cuadros. 

A mediados de los años setenta y primeros de los ochenta, en su etapa de formación, Nela Prieto se nutre de toda la historia del arte para aislarse a continuación de los focos del arte y trabajar con total libertad expresiva. Le fascina lo imperfecto, lo inacabado, lo deliberadamente mal hecho. Su recorrido es una acción vital en continuo cambio. Picasso es tomado como un referente porque salta sin rigor evolutivo de lo clásico al cubismo o a la inversa.

La necesidad de alcanzar una dimensión extrasensorial, la trasporta al encuentro con verdades superiores espirituales. El Nelismo de los años noventa es el de mayor riqueza interpretativa. A partir de un viaje a Estados Unidos, Nela se dedica a pintar figuras fantásticas, en una evasión de la mente lógica hacia la imaginación que la sumerge en un mundo mágico, onírico, lúdico y libre para alcanzar un estado de felicidad. Recurre para plasmarlo al surrealismo mágico, a partir del recuerdo de los cuentos infantiles, un recurso muy femenino. La evasión por el simbolismo se deja ver en una metamorfosis de seres híbridos, o en personajes que flotan como los de Marc Chagall. En esta etapa, combina la figuración con una manera extremadamente gestual que la acercan al expresionismo rúnico del grupo nórdico Cobra, o al expresionismo sarcástico de la Nueva Objetividad alemana. Su nelismo se manifiesta con una mezcla de surrealismo y expresionismo que permite aflorar duendes, magos, brujas, dragones, seres mitológicos del ideario colectivo. La explosión de color que utiliza tanto en su paleta para pintar como en su propia indumentaria será la bandera de su inconformismo.

Siempre está presente su posicionamiento como mujer y ella es la gran protagonista de sus series más importantes como Mamíferas o Tacones. 

De su personalidad también hay que destacar la humanidad y la solidaridad, su compromiso con los problemas sociopolíticos, como es la pobreza y el hambre que llevan a la emigración. Su necesidad de conectar con el “otro” lo ha exteriorizado desde la elección profesional por la enfermería hasta la gran labor didáctica que ejerció en su vida.

La especial sensibilidad de algunos artistas es capaz de percibir lo que flota en el ambiente, aun cuando la sociedad en general todavía no sea consciente de ello, y se adelanta a su tiempo. Nela Prieto capta otras formas y dimensiones de crear, impulsadas por sus inquietudes y por la forma estética de expresarlas en sus cuadros. Su obra podría ser la de una artista de la generación Z, compartiendo sus miedos y temores. Actúa con una libertad anti reglas, deliberadamente descuidada, le interesa la ecología y el medio ambiente, el tema de género. Deja fluir una simbología inconsciente con la técnica de automatismo surrealista, neo dadaísta y del neo expresionismo. Hace un apropiacionismo de lo que le permite la liberación expresiva total. La suya es una de esas “nuevas miradas en el siglo XXI”, interesada por el multiculturalismo desde una visión múltiple de la realidad, con la experimentación de los límites y la hibridación.

Si observamos en una amplia panorámica su recorrido artístico, con los elementos que conlleva, es el Neo expresionismo el que domina en Nela Prieto, heredera directa del expresionismo abstracto en el que confluyen  la abstracción geométrica, el surrealismo orgánico, el dadaísmo, y la afirmación espontánea del individuo. Lo que transmite en sus cuadros es el fluir de la vida con la capacidad expresiva que le proporcionan la fuerza del grafismo informalista, la distorsión y la ruptura con gestos rápidos e instintivos.