Categoría: Reseñas

La Asociación Española de Críticos de Arte/AICA Spain, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y el concurso de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, (AMCA), celebró los días 21, 22 y 23 de Junio de 2018 el Congreso Internacional, bajo el lema temático de “Crítica de Arte: Crisis y Renovación”.

Este libro recoge las ponencias, comunicados e intervenciones, que no las actas, del Congreso Internacional, así como referencias de los debates surgidos, todos ellos compilados y sistematizados por Tomás Paredes Romero, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte/Spain, (AECA/Spain) y director asimismo del congreso, en veintinueve ensayos, que colmatan las 312 páginas de texto, de las 320 que componen la totalidad del volumen.

El mismo Tomás Paredes en un enjundioso artículo, con título igual al del libro: “Crítica de Arte; Crisis y Renovación”, tras expresar su  agradecimiento a la brasileña doctora Lisbeth Gonçalves, presidenta de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, (AICA), no solo por su escrito de presentación a este libro, sino también y especialmente por “su implicación en el encuentro que lo propicia”, propone estas tres interrogantes-clave: ¿Crítica, crisis, renovación?, explicitando así la tesis sobre la que se diseñó el fin teleológico del congreso, y se extiende enunciando conceptos sobre los que han elucubrado y debatido los distintos ponentes, comunicantes e intervinientes en las mesas redondas de discusión y debate, hasta llegar a conclusiones que son partes de un todo holístico.

El congreso tuvo y el libro tiene un cierto acento brasileño-portugués, tanto por los intervinientes, como por el contenido de las intervenciones, la totalidad de las cuales tienen una riqueza argumental muy notable y unos enfoques epistemológicos muy variados, que van desde los planteamientos empíricos e inductivos, basados algunos en el “análisis del caso”, a desarrollos racionalistas y deductivos de alto nivel teórico.

“Criticar es formar juicio y opinión, -dice Paredes-, sobre una obra o un autor, sobre un hecho cierto”, así, ante un cuadro no basta con hacer la ecfrasis, es preciso “Dilucidar con fundamento. Examinar, analizar y concluir sin carientismo. Crítica de arte no es comparar, desechar o ensalzar sin más. Ni mencionar nuestro interés o desinterés sin su razonamiento consiguiente. Quien compara retrasa el juicio o acaso pretende zafarse de su cometido”, aserta mostrando conceptuaciones, que son síntesis de la dialéctica congresual.

Explicita una serie sucesiva de erotemas, que constituyen el corpus discursivo de este libro y del Congreso del que toma causa: “¿Está la crítica de arte en crisis? ¿Requiere renovación? ¿Qué fundamenta el juicio sobre una obra? ¿Cómo influye la crítica en el coleccionismo? ¿Tiene límites el museo? ¿Es arte todo lo que exhibe un museo? ¿Cómo afectan las nuevas tecnologías? ¿Es la crítica de arte un capricho de las élites intelectuales? ¿Cómo renovar las críticas de arte?”.

Todas estas cuestiones fueron abordadas por los distintos expertos, cuyos textos están recogidos en los 29 parágrafos, que componen el conjunto doctrinal del libro, en el que ponentes y comunicantes buscaron “cuestionar para esclarecer, dudar para distinguir, negar lo inerte y afirmar lo vivaz, huir de la retórica vana y someterse a la realidad de los hechos”, según el acurado juicio de Tomás Paredes.

Y es que, posiblemente, la crítica de arte, como el arte mismo se mueve en esta postmodernidad en un magma dubitativo, debido tanto a la lenta y aun no finiquitada digestión de las vanguardias y post-vanguardias del pasado siglo, como a la irrupción de las nuevas tecnologías, que tienen sumidas a ambas instituciones, Arte y Crítica, en una especie de paralización funcional y conceptual, que obstruyen la llegada del nuevo paradigma. A aportar su parte en la tarea de despejar el camino viene este libro, que para todo crítico de arte aspira a servir de manual del ejercitante.

Pues, en efecto, como remarca Paredes, “Cada sector de la sociedad, en todas sus vertientes, debe estar constantemente poniendo a prueba sus fundamentos y resultados.  Los críticos de arte no son una excepción. Nada ni nadie debe de escapar de la crítica y, en consecuencia, cooperar con la función crítica. La crítica debe asumir sus luces y sus sombras y exigirse imponer claridad sobre esas zonas oscuras y opacas, porque la crítica no puede ser un trabalenguas, ni un laberinto fantasmagórico, tiene que entenderse, debe realizarse para ser entendida sin ambages por el espectador”, y este libro viene a mostrar ciertas pautas de proceder profesional y a evidenciar la necesidad de un permanente movimiento de adaptación a los cambiantes parámetros que la dinámica social impone.

Estas ideas y conceptos que el libro recoge han sido abordados por expertos, especialistas, profesores, doctorandos y críticos de España, Colombia, Brasil Portugal, Japón, EE.UU.  y Reino Unido, como Juan Manuel Bonet, Pablo Jiménez Burillo, Javier B. Martín, José María Juarranz, María Joao Fernandes, Pilar Aumente, Mª Teresa Méndez Baiges, Blanca García Vega, Brane Kovic, Mª. Dolores Arroyo Fernández, Julia Sáez Angulo,  María Regina Pérez Castillo, Lourdes Royo Naranjo, Raul Niño Bernal, Satoru Yamada, Alfonso González-Calero, María F. Carrascal, M. Dolores Barreda Pérez, Itziar Zabalza Murillo, Jesús Pedro Lorente, Rut Martín Hernández, Jorge Varela, Héctor Tarancón Royo, Natalia Lavigne J.J. Charlesworth, Emilia de Dios Montoto, Leticia Izquierdo Díaz, Joana D’Oliva Monteiro e Ignacio Asenjo Fernández, y otros nombres prestigiosos en sus campos profesionales, que lucieron en el  congreso con luz propia “desde múltiples esquinas”, como bellamente dice el libro.

Terminemos remarcando una referencia que el libro hace a “una acción protagonizada por el cante hondo del flamenco en una auténtica performance”, que sirvió de apoteósico broche multicultural de cierre al congreso.

Y finalicemos trayendo las afinadas advertencias, con que termina Tomás Paredes su intervención en el libro: “Lo que no sirve desaparece…. La crítica se renovará evidenciando que lo que hace el crítico sirve… ¡El arte da opciones a la crítica para su existencia!… ¡Estemos contentos con lo que somos y hacemos!

El periodista José María del Rey Caballero es el autor del libro Nesga, Luz, publicado en Sevilla en 1928 y que ahora se ha reeditado en Mímesis, publicación de IAO Arte Editorial. El libro con once textos, entre artículos o microrrelatos, va ilustrado por una serie de pintores dibujantes como Aragoneses, Carlota Cuesta, Jesusa Quirós, Artés, M. Guerras y otros. El libro fue presentado por la escritora Carmen Pallarés en el transcurso de un acto cultural en la galería Ra del Rey.

José María del Rey Caballero (Sevilla, 1902 – Madrid, 1987), narrador, crítico taurino, y funcionario del Ayuntamiento como bibliotecario de los Reales Alcázares de Sevilla, perteneció al círculo de Mediodía. Fue colaborador en las publicaciones La Hoja del Lunes, Ya, ABC, La Gaceta Literaria y Revista del Ateneo. El autor firmaba Selipe, como crítico taurino. Su hija Ra del Rey creó unos premios taurinos de pintura con el nombre de su padre.

 Nesga, Luz es una de sus obras más emblemáticos junto a Cantar de la Inmaculada, Pregón de la Semana Santa, Cervantes y la Previsión o Toros en San Sebastián.  De contenido misceláneo, no exento de humor, los once textos de Rey Caballero llevan por título: Agencia de colocaciones de dioses; Momentos de cine; Dos novelas; Ángulo de estrella; Jardines de fuego; Fisonomías del reloj; Maniquíes; Mademoisselle Primavera, modista; La recta y el arco; Teatro irrepresentable, y Concierto.

Ciria. Palabras Nómadas es el título del libro antológico-crítico del pintor en la primera década del XXI, que ha sido presentado por Guillermo Solana en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Patrocinado por Telefónica, el libro contiene los textos que distintos críticos de arte han escrito sobre la obra y el pintor, actualmente residente en Madrid, después de haber vivido en Nueva York, Berlín y Londres, durante diez años.

En acto previo a los medios informativos, presentado por Jaime Pérez-Guerra, el pintor José Manuel Ciria (Manchester, 1960) manifestó que las ciudades en las ha residido e instalado su estudio han influido de modo notorio en su ánimo y en su obra. Su preferida es Nueva York y, la que menos, Madrid (buena para otras muchas cosas), donde reside en la actualidad por razones personales. “Los hermeneutas del arte tendrían que decir mucho en todo esto”, afirma el pintor.

Uno de los representantes máximos de la abstracción en la pintura, la obra de Ciria tuvo un paréntesis de Cabezas abocetadas a mediados de 2000, tras la muerte de su padre, con quien estaba muy unido y la visita a los tótems de la Isla de Pascua en América. La mayor parte de su producción se centra en la abstracción de la mancha, en tensión a veces con la geometría suprematista, a lo Malevich.

 “Indago continuamente en la abstracción y, cuando se investiga mucho en un campo, se acaban encontrando nuevas ideas”, dijo el pintor, satisfecho con humor por ser uno de los artistas que más catálogos y publicaciones, casi 90, tiene en el mercado. “Nada si lo comparamos con Picasso, del que yo he visto una sala entera de una librería con publicaciones sobre el pintor malagueño”, dice Ciria

 “Trabajo con la mancha extendida, azarosa y al mismo tiempo con composición y estructura en el cuadro. Lo gestual y lo geométrico se relacionan en mi obra, cuando surge la línea; a veces aparecen algunas retículas…”, explica. El pintor sabe que el arte es mente, sentimiento y estructura. “Hay que pintar con brío y pensamiento, cuando se tiene cosas, ideas que comunicar”.

  Pese a la abstracción, a Ciria le gusta titular sus cuadros y recurre para ello a lo que siente o vive en el momento. Los títulos de las series que los comprenden “están más pensados”. Por encima de todo se considera “un investigador de la abstracción”. Sabe que la pintura no muere ni podrá morir, es cuestión de buscar para encontrar nuevos planteamientos en ella. El artista ha de ser siempre libre y pintar en libertad para conseguir sus propios logros.

 Ciria se lamenta de la situación política, social y de mercado del arte en España. “Desde el paso de Miguel Ángel Cortés por Cultura, se ha hecho muy poco por la promoción del arte español fuera de nuestras fronteras y hay que hacerlo, porque existen pintores españoles actuales extraordinarios”. Considera que la feria de ARCO está bien, pero lejos del estándar internacional de las grandes ferias. Aboga por una buena Ley de Mecenazgo, aspiración que no hay manera de lograr, de la misma manera que los grandes grupos políticos no encuentran, no saben o no quieren encontrar, una Ley de Educación consensuada. La estabilidad política u educativa son importantes para el arte, la inversión, el mercado… y la vida.

  Pese a la crisis económica, Ciria asegura que se sostiene por varias galerías internacionales de América y Asia, junto a algunos coleccionistas españoles fijos de su obra. El pintor de Manchester ha expuesto en numerosos museos de todo el mundo, incluso con una muestra itinerante.

  Ciria es un artista listo, inteligente, inquieto, ambicioso, buen pintor y buen relaciones públicas de sí mismo y de su obra, lo que le ayuda mucho a difundir su pintura y encontrar los espacios adecuados para ella. No tiene galería en Madrid, porque no acaba de encontrar el sitio, pero todo llegará para su obra y planteamientos. A las galerías españolas, salvo excepciones, les falta proyección internacional, clave hoy en día para el arte.

“Arte Político” es el título del libro que recoge el Congreso de la Asociación Española de Críticos de Arte AICA Spain celebrado en el Museo Reina Sofía. Tomás Paredes, el presidente de AICA Spain abre el volumen con un amplio texto introductorio.

El libro acoge las cuatro conferencias sobre el tema de Arte Político, seguido de las mesas redondas y numerosas comunicaciones leídas o enviadas al Congreso por distintos miembros de la Asociación Española de Críticos de Arte AICA Spain o diferentes profesores de Universidades de distintos países.

El libro publicado por AICA Spain tiene 516 páginas y va ilustrado con fotos en blanco y negro. Al final del libro figuran las Conclusiones del Congreso. En la edición colaboran la Asociación Madrileña de Críticos de Arte (AMCA) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. ISBN 978-84-606-6283-9.

Las cuatro ponencias publicadas son: Todo Arte es Político, del pintor Rafael Canogar; La condición política del Arte: dimensión insoslayable. Voluntad dialéctica. Perversión estetizante, del profesor titular de la Complutense, Jaime Brihuega; Beetween art and ideology: somepoliticalaspets in contemporary art, de Brane Kovic; The meaning of “political” in Central-Eastern art after 1989, de Andrzej Szczerski. The becaming of art/The decommissioning of art. A case study, de Liam Kelly.

En las mesas redondas estuvieron como directores de las mismas: la catedrática Carmen Pena, que habló sobre La marca España, identidad, política y arte español; Wifredo Rincón, sobre Arte y Política. Arte y Artistas del siglo XIX; Blanca García Vega, sobre Arte y propaganda, o GenevièveBarbé-Coquelin De Lisle, sobre Severo Sarduy: la cubanidad y Paris, de la escritura a la pintura.

Son casi medio centenar el número de comunicaciones que se recibieron en el Congreso sobre Arte Político y por citar sólo alguna de ellas: Arte, política y espacio social, de Miguel Viribay; Arte y discurso político: acciones en el espacio urbano, de María Dolores Arroyo Fernández; El diseño urbano de Boulogne Billancourt en el período de la Colonia de Artistas (años 1920-1930): una expresión política en la Banlieue Oeste de París, de Pilar Aumente; Cine, arquitectura, ideología. Un episodio de la España autárquica, de Miguel Ángel Chaves Martín; El engaño en el engaño: una escena en el arte político, de Alfonso González-Calero; “Turba sin Dios”, del pintor Soria Aedo, Cuadro comprometido y “exiliado” por avatares políticos en la España de 1936, de Elisa Sáez-Angulo; Arte político y política sin Arte, de María Oropesa Toral; ¿Un arte político? Oposición al franquismo y compromiso en las Exposiciones Oficiales Internacionales (1958 -1963), de la historiadora Genoveva Tussell, o Artes político. Artistas españoles en la República Dominicana del dictador Leonidas L. Trujillo: Vela Zanetti, Manolo Pascual, Juan Alcalde, Ricardo Zamorano y Manuel Ortega, de Carmen Valero Espinosa.

El libro Pedro Monje. Poética del símbolo y la materia. Editado por la Excma. Diputación de Jaén, en colaboración con el Ayuntamiento de Lopera. Consta de 238 páginas en las que se analiza la trayectoria humana y artística de Pedro Monje Lara (Lopera, Jaén, 1945-Valladolid, 2012).

La autora, Montserrat Acebes de la Torre, doctora en Historia del Arte y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, ha estructurado la obra en tres apartados.

En el primero, plasma un detallado estudio biográfico; en el segundo analiza la temática y rasgos estilísticos que definen a Pedro Monje en los campos en los que se manifiesta su expresión plástica: pintura, grabado, cerámica y escultura; en el tercero reúne un catálogo con 367 obras documentadas con sus correspondientes fotografías que se suman a las 187 ilustraciones de los diferentes capítulos.

Su carrera artística se ha desarrollado prácticamente en la ciudad de Valladolid, donde ha quedado su impronta en la conocida Fuente de los Colosos, ubicada junto al Palacio de Correos. Además, el libro recoge una amplia bibliografía sobre el artista que pone en relieve el interés que ha despertado su obra.

Con fecha de publicación de 2012, Editorial Biblioteca Nueva, colección Ensayo, llega ahora a mis manos este volumen de la autoría de Carmen Pena, catedrática de Historia del Arte de la Universidad Complutense y miembro de AECA/AICA.

Desde mi óptica, se trata del texto de un espíritu liberal, con una mirada antropológica, que sin batahola, desmonta las rancias ínfulas de un arte nacional y todas sus colgaduras, como la veta brava, la raza, “el carácter español del arte español” y esa parafernalia iberocasticista que ha festoneado el arte español en los dos últimos siglos, incluido los años anteriores a la segunda República española, durante ésta y el franquismo.

El hilo conductor de la investigación ha sido su imperturbable idea de deshacer tópicos, cuestionando las ideas recibidas y proponiendo una lectura, sosegada y límpida, poniendo el foco y la claridad sobre nacionalismo e identidad, pintura de paisaje e ideología, centro y periferia, incidiendo en Benjamin Palencia y la Escuela de Vallecas, así como en la invención del arte español. Y todo ello realizado desde el análisis concreto, apoyándose en fuentes fidedignas, en imágenes y obras que refuerzan sus conclusiones.

Estudia las tensiones que generan el enfrentamiento entre renovadores y tradicionalistas y expone, con solvencia, como algunos estereotipos y tópicos se han ido transmitiendo bajo el manto de la progresía, como sucede con esa visión de un Greco españolizado, sublime, que ya defendieron los institucionistas o el costumbrismo de Casas.

Se agradece, sobre manera, que no se trate de un refrito de intervenciones heterogéneas, sino de un libro con unidad, con una estructura equilibrada desde la introducción al epílogo. Y escrito con una fluidez, que exalta su amenidad. Y esa aparente facilidad esconde pensamientos complejos y bien armados, que, en alguna ocasión, te hacen retroceder a lo que acabas de leer, para no tergiversar el sentido.

Un texto, no sólo para especialistas, que limpia, fija y da esplendor a la presencia en el arte y los pastiches y falsarios de la originalidad. Sus análisis de la Dama de Elche, icono de españolismo; su defensa de la modernidad de Goya, su crítica al regionalismo y sus disparates, a Sorolla y Zuloaga, Gustavo de Maeztu; las visiones republicana y católica del Cerro de los Ángeles; su debate sobre la España negra y la España en negro, su conocimiento del noventayocho y el veintisiete, hacen de este volumen, de 223 páginas, un caudal de oro, que infunde convicciones al lector.

El nacionalismo se cura siempre con formación e información, como la estulticia y la ignorancia. Este es un libro con tesis meridianas que ayudan a la orientación, una reflexión desde la razón y el pensamiento. No es un libro de entretenimiento, sino que fustiga y despierta; pregunta, contesta y orienta. Arriesgado y duro, con los que se aferran al inmovilismo; hermoso para los que se aventuran a vivir el arte sin requilorios.

A Marañón le gustaba que los libros exhibieran una imagen del autor con una síntesis de su trabajo, a mí también. A pesar de la magnífica contra del maestro Antonio Bonet, falta una pincelada existencial y bibliográfica de la autora, experta en este espinoso ámbito en el que se mezclan sentimiento e identidad con un territorio, simbolismos atrofiados y la ambigüedad. ¡Magnífico ensayo de una mente ordenada y decidida!

El collage. Historia de un desafío, con 183 páginas y editado, en junio de 2013, por Erasmus Ediciones de Barcelona, se desprende del cuerpo teórico de su Tesis Doctoral sobre el collage, que comprendía 1.800 páginas. Libro que con leer el índice es suficiente para comprender su exhaustiva mirada analítica sobre los precedentes del collage, ya desde y con la revolución industrial, y su trascendencia en el ámbito artístico hasta ser admitido como expresión creativa.

Precedentes con la incorporación de filósofos atentos al arte vía estética, por ejemplo Hegel, el psicoanálisis para reforzar la teoría y el minucioso análisis de historiadores y críticos de arte, desde principios del siglo XX, que abordaron la relevancia del collage, sin olvidar a poetas, artistas plásticos desde Picasso y Braque, los constructivistas rusos y los grandes pintores futuristas italianos. Un Hegel enlazado, por ejemplo, con Walter Benjamin y Marx, pues no olvidemos que muchos de los surrealistas, ya desde Andrè Breton, vivieron el comunismo como algo propio.

 Movimiento surrealista analizado con absoluta visión independiente por criterios propios, siempre demostrando con argumentos vía riguroso análisis. De referencia ineludible la «muerte del arte» y las apasionantes discusiones entre artistas sobre arte, muchas publicadas en revistas con reproducciones de obras para avalar el ámbito teórico.

Todo ampliándose con lo popular, el cartel y lo fabricado por la industria, desde luego partiendo del siglo XIX, como factores revolucionarios plásticos, junto con las imprescindibles citas de las exposiciones más relevantes en torno al tema que nos ocupa. Mucha atención porque para Sánchez Oms, con el que estamos de acuerdo, el collage ni de lejos se limita a cuatro papelitos de periódico pegados sobre un lienzo. Ahí están lo popular, la industria, los carteles, los cuadros, el objeto, las esculturas o las fotografías. Para el recuerdo la exposición de collages en la galería Goemans de París en 1930 o la celebrada en Nueva York, año 1961, bajo el título Art of Assemblage. Sanchez Oms, para concluir, también sugiere lo que interpretamos como la muerte del arte hacia otro arte. Veamos lo que afirma, al respecto, en su última página.

Hoy el collage forma parte de toda nuestra realidad y prosigue su camino hacia su constitución orgánica y alquímica, aunque ahora por cauces numéricos y genéticos. En realidad, siempre perteneció a este mundo exterior antes que a cualquier recinto cerrado, por ejemplo el arte embriagado con su propia sacralidad. Lejos de asistir a una derrota de la utopía, cabe la posibilidad de que a nuestras espaldas, del mismo modo que la materia se desenvuelve despreocupada de las inquietudes de nuestras conciencias, el arte se haya extinguido y la poética se haya liberado para dar paso imprevisto hacia un desarrollo completo de formas de conocimiento superior y hasta el momento insospechadas.

Todos creemos conocer a Carmen Pallarés, poeta, crítico de arte, escritora, pintora…, ¡qué sé yo lo que se esconde bajo ese ramo frágil de niebla dorada o de flores desecadas! Enteca, tímida, mínima, como si nada fuere siendo tanto. Camina ausentándose, escapando, ínsita en su cosmos, que suena como un gran coro silente, accesible a oídos querenciosos. Sonríe, se disculpa, se zafa como una sombra luminosa juanramoniana. Estuve presente, en Ra del Rey, con sala abarrotada, el día de la presentación de su poema largo, el 20 de diciembre. Pero, o no supe valorar lo que se dijo o no percibí el valor de lo que se anunciaba. El caso es que hoy, tras escuchar el Réquiem en Do menor, KV 626 de Mozart, en las versiones de Karajan y Karl Bohm con preferencia ésta, me he puesto a leer el libro y estoy maravillado, seducido, contagiado, agradecido, endeudado.

 ¡Cómo ha crecido en este libro Carmen Pallarés! Es un poema didascálico, explicativo, de cómo ella se adentra, como intérprete en el coro de voces del Réquiem; mas, cómo lo cuenta es fascinante. ¡Qué ritmo, qué brío, qué fuerza, que fluidez, qué música!

 ¿Qué es la poesía? Lo dijo Lezama Lima, “Un caracol nocturno en un rectángulo de agua”. Todonada, la presencia imprescindible que no sirve para nada, la indescifrable belleza de que hablaba Ungaretti. Esto que leemos en Partitura adelante es poesía, sobre todo, en algunas estrofas, que incendian el ascetismo de la autora: “Soñaba con que el beso del misterio/ modulara, tensara y mantuviera/ notas de sal, mercurio y alto azufre/ durante unos instantes: imploraba  que la gracia, el kairós, la maravilla,/ como el dulce tejido de la aseda/ le prestara sus alas, y entendiera/ la clave de la bóveda y lograra/ cantar con el color de los vitrales…

Anáforas, imágenes, metáforas y, sobre todo, movimiento, tropel de palabras que vuelan como bandada de papemores y bulbules. Asíndeton, aliteraciones, hipérbatos, hipálages, enálages, dan una tremenda brillantez a sus versos con un trepidante aliento rubeniano. 

Es la historia de una iniciación, cuando se integró en  la Orquesta y Coro de San Jerónimo el Real, para vivir el aprendizaje de la rotunda obra de Mozart. Un reto que le descubrió no sólo la obra mozartiana sino sus posibilidades y carencias. Conocerse cura y fortalece y postula y hermosea. 

…con una altanería de esmeralda…se alejó de mi paso el falso empaque,/ perdí el armiño y descendí desnuda….entre las sombras de mi atardecer…El mineral celeste de la obra/ amaba, concertaba, tutelaba, añoraba…distribuyendo el brío y la fatiga entre quemantes fauces de leones…Para cerrar el proceso con “En concierto”: “en que mi voz can -taba entre dos mundos,/ erguida, vigilante, alerta, viva/ y extrañamente adormecida a un tiempo/ entre los pliegues de su paraíso,/ sintiendo las dinastías etéreas/ y el tacto fraternal de los acordes….    Cuesta detener la cita, pararse, pues el vértigo sereno, inexcusable, te arrastra hacia el clamor del canto en medio de la emoción del Réquiem. 

Carmen Pallarésha sido distinguida con los Premios José Paz, Villafranca, Esquío y accésit Adonais. Tiene publicados once libros de poemas, desde 1979. Pero en esta Partitura adelante, IAO Arte Editorial, 2013, Madrid, ha sentido “la belleza del valor”, conduciéndola al valor de la belleza. Al ritmo virtuoso en el que las palabras, como en una cascada impresionante de agua, caen sobre nosotros y nos invaden, nos inundan, nos enriquecen con la magia de un caracol nocturno cantando en un rectángulo del mar.

Creatividad y Sociedad, Revista de la Asociación para la Creatividad (ASOCREA) ha sacado a la luz su número 20, correspondiente al mes de septiembre de 2013. Este monográfico dedicado a Creatividad y arte, dialógica de una lectura interpretativa del arte, ha sido coordinado por el profesorJuan Gabriel Morales Quesada de la UCMy en él se han publicado artículos de Miguel Ángel Chaves y María Dolores Arroyo, socios de AMCA, AECA, AICA. 

La creación del espacio expositivo moderno es el título de Miguel Ángel Chaves Martín (profesor de la UCM, departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad II), que comparte autoría con Ángeles Layuno Rosas (Escuela de Arquitectura. Universidad de Alcalá de Henares). El resumen de su artículo se expresa así: «La creación del espacio expositivo moderno fue una consecuencia de los avances técnicos y estéticos del arte y arquitectura de vanguardia unidos en un proyecto estético  colectivo influido por las ideas del pensamiento filosófico y científico de las primeras  décadas del siglo XX. Sobre estas premisas se analizan las aportaciones de algunos proyectos de Mies van der Rohe y Le Corbusier al debate sobre el contexto espacial del arte, quienes canonizaron diferentes soluciones que se convirtieron en paradigmas de la museografía moderna más allá de la revisión del Movimiento Moderno. Algunas de las fórmulas del museo funcional y sus derivaciones actuales ensayan una metodología en que la investigación estética aportada por los planteamientos de las artes plásticas trasciende a los objetivos de la mera funcionalidad».

El artículo, Arte, mass media y ámbito urbano: Correspondencias, interferencias y comunicación, firmado por María Dolores Arroyo Fernández (profesora de la UCM, departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad II), «… expone distintos argumentos y reflexiones sobre las relaciones, convergencias y diferencias, entre la creación artística y los mass media. La ciudad ha favorecido el crecimiento de los medios de comunicación a la vez que impulsado un aumento demográfico potencialmente receptor: el público de masas. Se plantea que a pesar de la democratización y la presencia masiva en los eventos culturales, no siempre se corresponde con una verdadera comprensión del nuevo arte. (…).  La obra de arte soporta la pérdida del aura por la equivalencia que ha ido adquiriendo con la misma realidad, o por su inevitable convergencia con el mundo mediático».

 Pueden consultar todos los artículos completos de este número en el enlace de la revista: http://creatividadysociedad.com/creatividad-y-arte

Manuel Pérez Lizano

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Una antología monumental de la trayectoria como crítico en el Heraldo de Aragón de Ángel Azpeitia, Exposiciones de arte actual en Zaragoza. Reseñas escogidas, 1962-2012.

Si nuestra publicación, Ángel Azpeitia: Historiador y Crítico de Arte. Intensidad racial: 1932-2012, abordaba la biografía del Dr. Ángel Azpeitia y se enriquecía con testimonios de muy variadas personas, junto con sus numerosas publicaciones excepto las críticas de arte y otros textos en Heraldo de Aragón, el presente libro se centra en una amplia selección de críticas y reseñas en 738 páginas incluyendo el imprescindible índice y la muy abarcadora introducción de Jesús Pedro Lorente que, al mismo tiempo, ha tenido a su cargo la edición y la selección. Dos publicaciones que completan la ingente tarea del Dr. Ángel Azpeitia como profesor, director de tesis de licenciatura y tesis doctorales y escritor sobre muy dispares disciplinas artísticas y épocas, de modo que estamos ante una figura excepcional que ha dejado un positivo rastro, muy vigente, en dispares ámbitos del Arte. Libro editado por Prensas de la Universidad de Zaragoza, con diseño de la cubierta de Inma García, y la siguiente colaboración para su publicación: Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, Instituto de Estudios Altoaragoneses, Institución “Fernando el Católico”, Asociación Española de Críticos de Arte, Observatorio Aragonés de Arte en la Esfera Pública y Heraldo de Aragón.

La imprescindible introducción de Jesús Pedro Lorente, que comprende diez muy analíticas páginas, enfatiza de forma más que abarcadora en diversas singularidades como crítico de arte y su evolución a lo largo de tanto tiempo, mucho más compleja de lo que podía captarse en la época, pues en su lectura pasaban los años y se perdían aquellos primeros puntos de referencia, sin ver con claridad su permanente evolución mediante la riqueza del lenguaje especializado, el ámbito de criterios intelectuales de muy alto nivel y el cambiante enfoque según fuera el artista. Introducción completada con un apartado de agradecimiento en las personas de Manuel Sánchez Oms, que escaneó los textos, y de María Luisa Grau Tello, en la revisión editorial, así como a Prensas de la Universidad de Zaragoza y las instituciones citadas.

En la selección de textos el lector interesado, ni digamos para futuros trabajos sobre Arte, tiene la garantía de un espléndido banquete por su variedad, más el gozo de captar la muy positiva evolución de un auténtico intelectual. La primera reseña se titula Luis Berdejo en la Sala del Palacio Provincial, 15 de mayo de 1962, y la última se titula La Prendería, B+B=3B: Nada menos que quince creadores, 7 de mayo de 2012. Entre medio se capta la presencia de múltiples artistas de Zaragoza, del resto de España y extranjeros, con la singularidad que desde 1962, hasta 1975, estamos en plena dictadura y pueden constatarse las muy cambiantes, numerosas y excelentes exposiciones de dispares artistas, para seguir en plena democracia con artistas que avalan su increíble número y variedad de planteamientos creativos. Todo, por supuesto, en Zaragoza como aval de una incesante actividad.

Publicación, en definitiva, de obligada referencia, de auténtico gozo, para los artistas vivos que están incorporados, ni digamos, tal como se indicaba, para los futuros historiadores de Arte o para los que están embarcados en la fascinante aventura de una próxima publicación.

Reseña publicada en AACA Digital (http://www.aacadigital.com/contenido.php?idarticulo=792)

Miguel Viribay Abad, ilustre pintor y académico, miembro de AECA, acaba de leer su discurso de recepción de Consejero de Número del Instituto de Estudios Giennenses, con el título que se indica ut supra, contestado por el Consejero Director del mencionado ateneo, Pedro Galera Andreu. 

Miguel Viribay Abad se ha construido una brillante personalidad en el mundo del arte, que se bifurca en la teoría y la práctica. Como teórico, aborda varios caminos, todos ellos surcados con esplendidez, como es la escritura de libros, el ejercicio de la crítica de arte en diarios y revistas y la docencia. La práctica la desarrolla en su labor de pintor, reconocido, expuesto y valorado, no sólo en el ámbito andaluz, sino más allá. Todo ello le ha proporcionado distintos galardones y puestos de relieve formando parte de institutos culturales como el de Estudios Giennenses, Real Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias de Granada y Asociación Española de Críticos de Arte.

Ha escrito miles de artículos de crítica, catálogos, libros sobre Zabaleta, Manuel Ángeles Ortiz, Cristóbal Ruiz, Fabián de Castro… Jurado de los premios más prestigiosos. Catedrático, polemista avezado, y un apasionado del arte en todos sus ostugos. Su pintura cuando une olivar, paisaje, tradición y máscara, resulta asombrosa, genuina y mágica.

Aunque es numerario desde hace cuatro lustros, sólo ahora ha leído el preceptivo discurso de recepción, sobre la obra y el tiempo de Cristóbal Ruiz, cono dice su rubro, el azoriniano pintor jaení, nacido en Villacarrillo.El discurso es una joya, más por su contenido, que por sus querencias tipográficas. El análisis exhaustivo de la vida del pintor, la descripción de las diversas escenas socioculturales en las que vivió y el análisis riguroso de la obra, lo convierten en una obra definitiva en torno a Cristóbal Ruiz.

Un libro es importante por los saberes que atesora y por cómo están expresados esos conocimientos. Ahí radica su dimensión: en enseñar deleitando, algo que adoro, que me esfuerzo en practicar e intento conseguir. Datos, sugerencias, conclusiones alcanzan una claridad meridiana y un exquisito grado de belleza. Cristóbal Ruiz (Villacarrillo 1881- México1962) pintaba con seda y sensibilidad, mojaba el pincel en la magia del misterio y su alma tendía hacia él, como quería el poeta al que retrató con reiteración: Antonio Machado. La esencialidad, la sencillez, la humildad franciscana laica, la hermosura de la bondad, son elementos que coinciden en el icono de este artista del exilio y la España peregrina, de estética del veintisiete y talante institucionista.

Valgan estas líneas para anunciar el acto y difundir este discurso-libro: «Cristóbal Ruiz: su obra y su tiempo (1881-1962)», IEG, Jaén 2012, que es un gozo y un descubrimiento del que los amantes del arte no se deberían privar. Libro denso, diáfano, decidido, subjetivo, esplendido, en el que el autor se orienta por su amor a la pintura. Viribay,en este lúcido ensayo, hace verídica aquella enseñanza de Maurice Maeterlink:«No hay vidas pequeñas: cuando las miramos de cerca, toda vida es grande». 

Nuestro compañero y amigo Antonio Leyva, no para, cuando lo creemos ausente es que escribe. Seguro que todos le conocéis, que habéis estado alguna vez en “Orfila”, que sabéis su parquedad de palabra, de su ajenamiento hasta hacerse distante. Pero, es más seguro que no sabéis que conjunta una gran bibliografía de su autoría. 

Ha publicado más de veinte monografías de artistas, que se convierten en libro de teoría y estética, no sólo referenciales y biográficos. Uno de sus mejores libros es “Corpus est Machina”. Además de artículos, entrevistas y conferencias, es autor de distintos libros de poemas: El hombre solo, Las arengas, Contraseñas, Signos y Contraseñas, Tratado de la inocencia, De las Tentaciones, Odiseo Laertíada, Como si mi voz fuera un cuerpo en el paisaje de tu piel desdibujado, con grabados de Mercedes Gómez-Pablos.

Pues bien, como digo que no para, acaba de publicar Transitions sobre la pintora polaca Alicia Czerniak. ¡Un tomazo monumental! Por su formato, por su peso, por su contenido, por su riqueza de diseño y colorido, por el papel; edición plurilingüe, español, francés, ruso y árabe. Solprint S.L., Madrid 2012. 

Alicia Czerniak nace en Bielsko-Biala, Polonia, estudia Bellas Artes en Wroclaw y continua en la Escuela Superior de Artes de Lodz. Tras licenciarse, amplia conocimientos prácticos bajo la tutela de Lech Kunka. Se traslada a París y luego comienza una vida trashumante que la lleva a diversos países, en los que va exponiendo y a España, donde ahora reside. Entre todas esas grandes exposiciones, destaca la realizada en 1982, en el Museo de la Ciudad de México. 

Pero además de la pintura, Czerniak da conferencias, teoriza y publica distinto volúmenes sobre metafísica, sobre todo desde el punto de vista emocional, más que filosófico. Entre los títulos publicados: Metaphysics and Emotional Health, Chasing Flows, El incalculable valor de las emociones…Y otros títulos y materias de su predilección.

Pero, lo que este libro nos revela, es, sobre todo, su pintura. Su exitosa trayectoria en distintas capitales del mundo, América del Norte, Asia y Europa.  Y en su pintura hay un inicio surrealizante, daliniano, con aportaciones personales, muy interesante. Juega con las formas y las deconstruye para crear otra realidad fascinante, entre el pop y el surrealismo, cuerpos y mares o cielos. Pero deja esa faceta y tras una larga serie de retratos de personalidades internacionales, se lanza a un expresionismo abstracto, muy gestual dominado por la vivacidad y la fuer-za de los colores bramantes. Una abstracción no referencial, pero muy relacionada con los cuatro elementos y, en especial, con el agua. En la actualidad alcanza una madurez plástica que exalta su manera de comunicar sensaciones y emociones con limpias y decididas cromías. Entre sus series más afortunadas: Liberation. 

Antonio Leyva Fernández, Madrid 1936, se licencia en Derecho, pero lo que quiere es transitar el mundo del arte, las ideas y la cultura. Se integra en la Asociación Antonio Machado y crea las galerías Machado, Casa de la Reina, Duris de Samos y Orfila. Es miembro de la Asociación Española de Críticos de Arte y de AICA.

Galerista, escritor, crítico de arte, comisario de exposiciones, gestor y poeta, su preocupación creativa es la poesía, lo que se evidencia por los libros publicados e inéditos y por su estilo de escritura, que emerge, con sencillez y belleza, en esta nueva monografía acerca de Alicia Czerniak.

Sale a la luz el libro «Fernando García Mercadal Arquitectura y Fotografía. Una mirada al Patrimonio Arquitectónico de Segovia, 1929-1936», dirigido por el profesor e investigador de la Universidad Complutense de Madrid, Miguel Ángel Chaves Martín y coeditado por la Universidad Complutense y la Demarcación de Segovia del Colegio Oficial de Arquitectos de Castilla y León Este (Salamanca, 2011).

Se trata de un riguroso estudio que abarca desde lo local a lo contextual, y viceversa, tomando como base una parte del Legado Fotográfico de García Mercadal. El conjunto, formado por 9.000 imágenes, entre fotografías y tarjetas postales, fue donado por el arquitecto zaragozano a la Fundación Colegio de Arquitectos de Madrid en 1979, integrado hoy día en el Archivo del Servicio Histórico del COAM.

Fernando García Mercadal (Zaragoza, 1896 – Madrid, 1985) reunió a lo largo de sus viajes un número considerable de fotografías de edificios religiosos o civiles españoles como documento gráfico para llevar a cabo actuaciones de restauración. Entre ellas tomó unas 600 fotografías de Segovia, capital y provincia, entre 1929 y 1936. Estas valiosas imágenes comportan el foco principal de esta investigación sobre el patrimonio histórico segoviano y que va más allá del puro catálogo. Los capítulos en los que Miguel Ángel Chaves desarrolla su estudio centran la atención primero en el “Legado fotográfico de Fernando García Mercadal” y después en particular en Segovia “Fernando García Mercadal en Segovia: Fotografía, Arquitectura y Patrimonio”.  A través de ellos desgrana, entre otros aspectos, la capacidad de Mercadal para asimilar las nuevas tendencias de la arquitectura en sus viajes al extranjero, sus diversos contactos, y cómo trasladó esas ideas en dibujos y apuntes primero para incorporar después la fotografía. Hay que destacar su interés documental sobre el patrimonio que fotografía, es decir siempre tomó sus imágenes desde una perspectiva muy personal y nada folklórica, acorde a sus intereses profesionales. Chaves establece en su estudio un cruce de miradas entre arquitectos, fotógrafos, transeúntes y una profundización en la intervención de Mercadal en los principales edificios de Segovia, entrelazado con su formación, contactos, viajes, en definitiva, con su biografía y carrera profesional.

Considerando la línea de trabajo investigador del profesor Chaves que comprende fundamentalmente la Arquitectura, Patrimonio, Ciudad y su interrelación con el Arte, Fotografía, Comunicación, ha sido de gran oportunidad contar con la colaboración de dos profesoras e investigadoras en campos paralelos para compartir la elaboración de los textos del libro, con las referencias documentales y bibliográficas necesarias.

Pilar Aumente Rivas, profesora e investigadora de la Universidad Complutense de Madrid, ofrece un estudio que enmarca, contextualiza y nos acerca al foco de la investigación principal sobre este Legado Fotográfico. Su texto “Fotografía y Arquitectura: un marco histórico” aborda con rigor el panorama de la historia de la fotografía desde la Francia del XIX hasta centrarse en España, primer tercio del XX, y alcanzar a Segovia. Considera, entre otras aportaciones suyas, el retraso con que nuestro país vio la necesidad de inventariar y proteger el patrimonio cultural y artístico. 

Ángeles Layuno Rosas, profesora e investigadora de la Universidad de Alcalá de Henares, aporta un aspecto ineludible en cualquier investigación que se precie, una revisión de la figura de este arquitecto controvertido, diverso, visto como contradictorio al moverse entre la tradición y la modernidad Racionalista. Con el texto: “Fernando García Mercadal, Tradición e Historia en la Arquitectura de la Modernidad”, Layuno se propone clarificar y abrir nuevas vías de interpretación sobre Mercadal.

Además de la Presentación inicial por parte del Juan Antonio Miranda Herrero, Presidente Demarcación de Segovia – COACYLE, el libro se acompaña un profuso elenco de fotografías del Servicio Histórico y Biblioteca de La Fundación COAM.

Esta publicación resume el trabajo de investigación en torno a la figura histórica y la trayectoria profesional de Martín Coronas, pintor oscense cuya pertenencia a la Compañía de Jesús mediatizó, desde el principio, las evidentes posibilidades que hubieran hecho de él uno de los más brillantes realizadores aragoneses del principio del pasado siglo. La tesis presentada bajo el título Martín Coronas Pueyo en la pintura altoaragonesa del periodo entresiglos incluyó las obras conocidas hasta finales del mes de mayo de 2002, unas quinientas. En los años transcurridos la catalogación se ha incrementado con la aparición en el AHSIC de dos álbumes fotográficos, probablemente iniciados por el propio Coronas, con muchas de las pinturas, diseños y decoraciones producidas por el pintor y desaparecidas en su casi totalidad durante la guerra.

Una de las características fundamentales en el trabajo de Coronas es el progreso en los procedimientos, pese a las limitaciones impuestas por la circunstancia que le tocó vivir (los hermanos jesuitas, en esa época, debían morir sabiendo lo mismo que cuando ingresaban en la Compañía). Sin embargo, Coronas hizo progresar su oficio intelectual y materialmente y alcanzó momentos de especial intensidad en sus piezas, de las que, pese a lo mucho perdido en la guerra y a otros olvidos, quedan abundantes testimonios. El estudio de los abundantes dibujos, diseños y pinturas del pintor oscense, permite el análisis de las relaciones entre su modo de trabajo y el de los conocidos como pintores de historia

El estudio de la obra de Martín Coronas puede abrir nuevos caminos para la revisión de la iconografía jesuítica utilizada profusamente en el periodo de la Restauración.