Actualidad

Cuando hablabas con Emmanuel Paillet no sabías muy bien con quién debatías, si con Jean-Huges Sainmont, Anne de Latis, P. Lié, Mélanie le Plumet, Oktar Votka o Elme Le Pâle Mutin. Lo mismo sucede cuando das la mano a Luis Mayo, ¿es a Cumadí a quién saludas, a Juan Pájaro, Perul de Marras, Luis Miguel, un patafísico? Se ha repetido por doquier que Fernando Pessoa era un baúl lleno de gente; Luis Mayo, igual. De gente, que escribe, pinta, fabula, enseña, inventa, esculpe, reina, sonríe, empatiza, homenajea y viste con charretera de altivo almirante del Pequod, cuando la ocasión lo pide.

Todos saben que Luis Mayo Vega es profesor titular de la Facultad de Bellas Artes de la UCM, Doctor en Dibujo, que ha desempeñado distintos cargos, que pinta paisajes figurativos y que realiza objetos dada y futuristas. Todos conocen su amabilidad, su cordialidad, su simpatía reverencial y su sencillez contagiosa. Nadie ignora que tiene una larga trayectoria de exposiciones, premios y reconocimientos. 

Lo que no todos conocen es su facilidad narrativa, su naturalidad expresiva, su brillante facultad para crear heterónimos, pseudónimos, máscaras, alias y otras yerbas. Luis es polímata de primer orden, no sólo inventa, sino que trufa sus textos de referencias históricas, cultas, irónicas. Su solercia abruma. Su imaginación enamora. Su ductilidad enseña. Su aroma embriaga. Su capacidad da envidia. 

Lo mismo presenta en video un libro difícil, raro, complejo, con absoluta llaneza, que realiza un podcast eficaz, breve, rotundo. Luis Mayo es un hombre orquesta, hace sonar con armonía todos los instrumentos y consigue una melodía elegante y pegadiza a un tiempo. No es un hombre del Renacimiento, porque es actual, coetáneo nuestro, pero hubiere podido serlo.

Y además canta. Esto lo saben muy pocos, incluso algunos de su entorno lo ignoran, pero canta flamenco con quejío puro, en la senda de Manuel “Agujetas”. Siempre se niega, porque es un tímido irredento, pero el día que se lo pidan sus alumnos con ahínco y les cante, van a entrar en un paraíso abierto para pocos. Entre los pinceles y la danza, se inclinó por los primeros, pero ¡había que verlo valsar en El Lago de los Cisnes!

El pasado miércoles, en olor de multitud, algo que ahora no se lleva, inauguró en la Galería Estampa su muestra Ante el Jardín de las Delicias, homenaje a El Bosco, que no es una copia, por más que él lo reitere, sino una transcreación. Y acompaña sus pinturas de un texto importante en el catálogo, justificando su trabajo, no de la pintura, sino trazando el camino que le lleva a esta trasncreación, reconstruyendo la vida y andanzas de un copista, llamado Juan Pájaro Escalona.

Transcreación es un anglicismo resultante de la crasis de traslation y creation. Se trata de una traducción libre, no literal, que se convierte en una obra nueva, distinta. No es la paráfrasis, pero se le parece. La paráfrasis ya es usada por Fray Luis de León. Para algunos su fundador es el profesor Purushottama Lal, cuando vierte textos del sánscrito al inglés en 1957. Para otros, el inventor es el poeta brasileiro Haroldo de Campos. Se utiliza adunia en poesía, pero también en pintura, como ejemplifica el esteta Mayo.

Se trata de algo más que una copia de la obra de El Bosco, tan reproducida y conocida, una de las joyas del Museo del Prado, ad maiorem gloria de Felipe II, que no requiere comentario alguno. El Doctor Mayo traza una senda novelesca en la que se encuentra con el copista Juan Pájaro, que, al pedirle una carta de apoyo, traban amistad. Pájaro tiene una licencia para copiar El jardín de las delicias y Mayo al no poder hacerlo del original, por prohibición del Mueso, hace su copia de la copia de Pájaro, introduciendo elementos ajenos de la historia del arte y de su propio y fino humor.

Fray José de Sigüenza, jerónimo de prosa áurea, en su Fundación del Monasterio de El Escorial, le dedica alguna distinción a Bosch (c.1450-1516) resaltando su proceridad en que “los demás procuran pintar al hombre cual parece por defuera, este solo se atrevió a pintarle cual es por dentro”

Además de la obra maestra de Bosch, Mayo copia, saltándose a al torea las reglas, La Adoración de los Reyes Magos, logrando una celebración muy actual, muy veraz y muy creativa del gran maestro de Bolduque, venerado por Felipe de Guevara. Luis Mayo no olvida su amor al paisaje, ni sus manteles o sábanas blancas. Hay que destacar el tratamiento de las telas, magnífico, que imbrica cabe la iconografía bosquiana con una insólita destreza y excelente composición.

Es una exposición peculiar, distinta, de tesis. Con la muleta de Pájaro, Mayo aprovecha para entrelazar todos los tiempos, el pasado, el presente y el futuro en imágenes desconcertantes por la ambición de los retos que se plantea. Como un giróvago celeste, el pintor danza sobre los símbolos del pasado, sobre los emblemas religiosos, para ofrecer una melodía a ritmo de jazz donde sonríen las caliptras del deseo en glorioso epitalamio con los libres sueños.

El destartalado copista Pájaro lo mete de hoz y coz en la más pulcra trasncreación, compartiendo rarezas y golfemias, borracheras y miserias, hasta que vuela sin retorno, dejando a Mayo con su calor, con el color que aquilata su ritmo cromático para hacer una sucesión de variaciones al estilo de las Variaciones Golberg de Bach en las garrosas manos de Glenn Gould.

Mezcla sin ambages el pintor en su texto, los transitados héroes antañones, los mitos y los nuevos seres fantásticos del cine último de ficción con asombrosa ductilidad. El texto es para leer, no es una obviedad; porque a lo que debemos ir a la Galería Estampa, C/ Justiniano 6 -equidistante de la plaza de Santa Bárbara y de la plaza de París-, es a mirar la pintura, a ver qué se cuece en el fuego y la belleza del pecado; no a buscar dónde ha sido infiel u osado, si no a contemplar la actualización de una obra maestra hecha con una empatía manifiesta y una pincelada actual, cuando ya se pinta sin pincel.

Madrid, que ha ganado presencia internacional, ha ido perdiendo ciertos actos donde se exhibía ambuezas de intimidad y adhesiones emotivas. Me refiero al mundo del arte. No hace tanto se hacían presentaciones, lecturas, inauguraciones, homenajes, encuentros donde asomaba un ambiente empático, un tanto familiar, pero, saludable, deseable, loable, memorable.

El pasado lunes, día 18 de noviembre, en la galería Orfila de Madrid, se abrió una exposición de Manuel Avedán, al tiempo que se presentaba un libro homenaje a su andadura plástica y vital. Se anunciaba como autor a Javier Rubio Nomblot, nuestro compañero en la crítica de arte y amigo de tantos años, además de pintor rebelde y comiquero, bien humorado y pertrechado de calidades creativas.

Luego resultó que Javier sólo había escrito unas cuartillas donde explicitaba su conocimiento de Avedán, desde su niñez, cuando iba a las tertulias de su padre. No importa, el acto no perdió chispa. El padre de Javier Rubio Nomblot fue el crítico y poeta Javier Rubio, perito en rejerías, riguroso catador de las delicias estéticas, que dejó páginas espléndidas en el diario ABC y en otros medios audiovisuales. La solercia de Javier Rubio era como esos aromas, elegantes, que uno nunca olvida, por su frescura peculiar y su contención exquisita, sencilla, lene, leve.

El festejo contó con la presencia de Manuel Avedán, que nació en Madrid el 2 de octubre de 1929. ¡Albricias, ahí es nada!  Tras los aplausos a su persona, le pidieron que hablara, y con una inocente ternura agradeció la asistencia y la insistencia, exclamando: ¡Me alegro mucho de que les guste mi pintura! Luego intervino Jenaro Argente, pintor, que también participa en el libro, con una referencia a su pintura, que es más de lo que aparentemente representa.

Cerrando el encuentro, Javier Rubio Nomblot recordó que le conocía desde niño y que conserva algún cuadro dedicado a “Javierito”. Rubio Nomblot fue desgranando su memoria y señalando algunas características de la persona y de la obra de Avedán, incidiendo, por encima de todo, en su humor, su ironía, el erotismo limpio y la ternura mollar de un pesimista alegre y confiado. Hizo referencia a una “amarga ternura”, a la emoción que contagia la obra, a esa sutileza de los espíritus nobles y libertarios. Su sobriedad de antaño ha derivado en la ebriedad de cromías de hogaño. Transmitió, con estuosa sencillez, el calor humano que, en tiempos de escasez, rodeó al arte y a los artistas. Rematando con palabras de cariño hacia el autor y la poética de su mundo.

El libro, Avedan, Laimprenta cg, 2024, se acaba de imprimir en Paterna y ha llegado de milagro, tras la catástrofe sufrida en Valencia por las lluvias torrenciales. Además de los textos de Jenaro y Javier, cuenta con una selección de críticas de M.A. García Viñolas, Manolo Conde, José Hierro, Castro Arines, Isabel Cajide, L. Figuerola-Ferretti, Cirilo Popovici, Leticia Martín Ruiz…Una cronología y numerosas reproducciones de sus obras, que arrancan una admiración y una sana sonrisa. Es probable que un pie a las ilustraciones hubiera favorecido.

Manuel Lavedán, Madrid 1929, decidió quitarse la L del apellido para convertirse en una especie de ave lírica y volar mejor en el mundo del arte como Avedán, que suena a padre de los pájaros. Tras peregrinar al Casón y licenciarse en San Fernando, viendo la grisura del ambiente, decidió marcharse a París y descubrir el arte nuevo, el sempiterno erotismo y la vida sin freno y sin dinero. Esa forma de vivir en la que vas a tu aire, orgulloso y arrepentido, porque apenas puedas respirar. 

Desde la capital del Sena, donde enriquece su lenguaje, expone en París, Bruselas, Berlín. Se inicia en el collage, marcha a Roma, mostrando su obra en varias galerías, y en 1964 regresa a Madrid, participando en una colectiva con Juana Mordó. Presente en la IX Bienal de Sao Paulo, expondrá en Madrid con Kreisler, pero se vuelve a París hasta 1973.

De nuevo en España, exhibirá su obra en Orfila, Fauna’s, Macarrón, Casa del Siglo XV de Segovia, Casa de Vacas, y publicará dos libros de poesía en la órbita mágica y castiza del postismo: Rimas en Rama, que conozco y Hermano Bicho, que no he logrado encontrar, pero que vi con Antonio Leyva, su amigo, su mentor.

Dice su colega Argente que pudiera haber algunas connotaciones con Richard Lindner. Yo las veo más bien con Klee, Zachrisson, Tamayo…pero eso es peccata minuta. Lo que importa ahora es su alegría en los colores, su abundancia en las formas, su sutileza en el sfumato, su gracia perfecta en el collage, su desparpajo patafísico, su rigor en el sueño y ese duende postista que reina como un giróvago tranquilo en las caliptras del deseo. Ese erotismo canalla, verde, adolescente, visto con los ojos de la inocencia, con la lisura de una obertura ritual de Ennio Morricone. 

No pretendo descubrirles a un maestro nonagenario, que ya está descubierto por plumas señeras de la crítica y la poesía, pero si decirles que entre sus obras vagaba un sentimiento de emoción, un resplandor de blancura, de limpidez, que se alzó, como una montaña, cuando, con pudor y satisfacción, susurró aquello de: ¡Me alegro mucho de que les guste mi pintura! Si es posible, acérquense a ver esta muestra, estará abierta en Galería en Orfila, calle homónima nº 4, hasta el 10 de diciembre. ¡Saldrán reconfortados, agradecidos, encantados, con una mueca de placidez y una flor en el corazón, como yo!

JUEVES 21 DE NOVIEMBRE DE 2024

18 h. Portugal / 19 h. España

Inscríbete indicando tus datos en el correo: aicainternational.webinar@gmail.com

Puedes consultar el programa a continuación:

Descargar folleto del seminario web

Es seguro que los amantes de la pulcritud y de las bellas historias de amor conocen el mito de Eurídice y Orfeo. Orfeo, hijo de Apolo y de Calíope es un joven apuesto, que con la música de su lira amansa las fieras y encanta su derredor. Así conquista a la ninfa Eurídice y la desposa. 

Paseando Eurídice por el bosque, se topa con Aristeo que quiere poseerla, al percatarse huye y en su huida es picada por una víbora. Como consecuencia de la mordedura muere y desciende al inframundo. La noticia llega a Orfeo que enloquece por la pérdida de su amada y se decide a recuperarla. 

Confiando en sus virtudes y encantos, desciende al inframundo, tras hechizar con sus melodías a Cerbero, pasada la laguna Estigia, y se encuentra con Perséfone a quien persuade para que hable con Hades y devuelva a su amor a la vida. No sin esfuerzo, Perséfone convence a Hades para que la regrese, pero este le pone condiciones: no la podrá mirar hasta que lleguen a la vida. 

Ya rescatada, antes de abandonar por completo el inframundo, Orfeo que marcha delante de su amada, en un acto instintivo de deseo, se vuelve, le mira, y con eso incumple el mandato de Hades y la pierde de forma definitiva. Entonces Orfeo vaga perdido hasta que se topa con las Ménades de Dioniso, que lo despedazan, descendiendo de nuevo al mundo de los muertos para siempre. Allí en los Campos Elíseos se encuentra con su amada. 

Así es el mito con las variantes que cada autor le proporciona, con los adornos de cada poeta que lo reconstruye. Virgilio la hace además directora del coro de las ninfas napeas. Encarnación Pisonero acaba de publicar un hermoso y poético juguete dramático con este asunto y tomándose, como era de esperar, alguna licencia: El despertar de Eurídice, Ediciones Cumbres, Madrid 2024. 

El pasado 2 de noviembre, en el Teatro Valle Inclán, se presentó la obra en un auditorio repleto, por la pintora y escritora Pepa Antón y la editora Mayda Bustamante, que acompañaron a la autora. Y aunque no se ofreció una lectura de la obra, se dieron las claves y se expusieron los deseos para que algún director la lleve a escena. 

Pisonero ha escrito una hermosa pieza en la que los diálogos rezuman lirismo y rumor poético. Y es en esos parlamentos de los dioses y las ninfas en los que Pisonero vierte su pasión, su concepto del amor y su fineza expresiva, hasta convertir este mito clásico en un canto actual en defensa de la mujer. En su texto suena una melodía como pasada por el Cantar de los Cantares, un susurro de labios y granadas, que nos reconforta y embriaga. 

Además de bien escrita, está estructurada con solercia y en un lenguaje en el que se manifiesta su condición de poeta pulida por la brisa del acierto. Pienso que el final es un pizco explícito y que eso pudiera restar misterio a la venustez que exhibe, aunque no deturpa la limpidez de su propuesta, en esta primera obra dramática que escribe. 

Hasta ahora el mito siempre se había ocupado in extenso de Orfeo, ahora, por vez primera, el mito se centra en la errancia de Eurídice, dándole una autonomía y una dimensión de la que con anterioridad carecía. Por su protagonismo y latencia se convierte en el mito de Eurídice al que de puntillas se asoma Orfeo, que es asunta, mientras Perséfone y Eurídice confidencian. 

El año pasado, por estas mismas fechas, Encarnación Pisonero publicaba La habitación del capitán, Ars Poética, Asturias 2023. Un poema coral de amor al mar, que pone de manifiesto su dimensión y su presencia de poeta sólida que camina a través de metáforas, imágenes y patáforas.

Encarnación Pisonero, miembro de AMCA y de AICA Spain se distingue por la autoría de una amplia bibliografía lírica y por distintos libros de ensayo sobre el mundo del arte, firmados con el pseudónimo de Scardanelli. Esta nueva obra añade a su palmarés, no un título más, sino una nueva forma de encauzar su espléndido caudal poético más allá del verso. ¡Y claro que surgirá algún actor o director que la ponga en viva voz, su exquisita composición lo está pidiendo!

Durante estos días otoñales, el Espacio Experimental Art Room, en el madrileño barrio de Las Letras, ha sido intervenido, ocupado de forma creativa y conceptual, por la artista Mirai Totoki. Ligada y atenta a sus raíces japonesas, es el jardín zen (karesansui) el protagonista del conjunto expuesto, “Jardines”, que consta de una gran pieza escultórica y varios cuadros. Ciertamente, es un jardín más ilusorio que real, basado ante todo en sus percepciones externas primero e internas después; pues lo que ella capta del exterior, sus experiencias visuales, las interioriza y las hace suyas. Ahí es donde reside la originalidad de su mirada, transformar artísticamente aquello que generalmente no se observa ni se supone como tal. 

Siguiendo el orden de colocación de las obras en las dos salas de la galería, en el primer recinto destaca una enorme escultura que lo atraviesa de punta a punta, a manera de gran arco, y que denomina “Dolmen”. Su técnica en papel blanco procede de un juguete japonés tradicional llamado “kamifusen” (globo de papel), que consiste en una pequeña pelota inflable de papel, que se conoce desde finales del siglo XIX. Nada que ver con la idea de juego, la escultura que pudiera parecer abstracta en sus formas geométricas, en realidad es una figura tomada del brazo de una excavadora. La escultura-excavadora, una máquina, tan potente como frágil, es vista como símbolo de la destrucción o de la construcción, porque siendo esta pieza la protagonista de este nuevo jardín zen, su sentido se ve reforzado por la debilidad del papel inflable con la que está construida. “La figura se muestra como un objeto inmóvil, como una maquina en descanso o rota, o como una muda de una criatura extraña. Un jardín zen post-apocalíptico”. En fin, lo que nace y muere, que podría entenderse igualmente como el ciclo de la vida.

En la segunda sala se exhiben varios cuadros de diferentes técnicas, como el grafito, y varios formatos “… con motivos de jardines zen conceptuales con diferentes estructuras mecánicas incluyendo aeronáuticas”. El artilugio humano, continuamente presente en nuestras vidas, compite con esa otra dimensión humana del deseo de desocupar, de encontrar el añorado espacio para el pensamiento y la reflexión.  Pues, una particularidad de la cultura japonesa es el contraste de esos espacios desocupados y las arquitecturas que los rodean. Un urbanismo, el de Tokio, siempre moderno, ciudad de colores vivos y de luces centelleantes que ciegan al peatón, cargándolo de ruido e interfiriendo en sus cavilaciones. Razón por la que para evitar ese ahogo se dejan algunas parcelas, entre los imponentes bloques de piedra construidos; resultando así ese vacío el lugar idóneo para la paz y reposo de la mente.  Insisto en este punto porque en las metrópolis cada vez existen menos lugares para el recogimiento.

En este sentido se activa la creatividad de esta artista japonesa-hispana, siendo muy sugestivo su descubrimiento y cotejo de las dos culturas que le han inspirado. Merece destacar de esta joven artista su arrojo, su valentía al enfrentarse a un Arte como el Conceptual en el que la idea es tanto más importante que el objeto. Ella entiende cómo aunar ambas y sabe transmitirlas, testigo de ello es su formación y su trayectoria artística. Como ejemplo de obras previas puede señalarse aquellas que realizó en formato de instalaciones con grandes lonas para exteriores, o las piezas de cemento de las que salen plantas, como el bricolí, que aluden a las transformaciones urbanas y que pueden verse en exhibiciones anteriores. En resumen, con su arte ha convertido en metáforas experiencias de lo visto y vivido, destacando la idea de espacio vacío.

Mirai Totoki (Madrid, 1995), licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en 2018 se trasladó a Tokio para realizar un máster en “Global Art Practice” MFA en La Universidad de Arte de Tokio. Fue Premio de Arte Machikara en 2022. Actualmente vive y trabaja entre Tokio y Madrid.

“Jardines” se inauguró el 24 de octubre y permanecerá abierta hasta el 25 de noviembre de 2024. El conjunto de esta segunda muestra individual de Mirai Totoki parte de series anteriores en relación a los espacios en construcción en Tokio, toda una reflexión visual cuyo recorrido se documenta y puede consultarse en los siguientes enlaces de su página web:

La Asociación Madrileña de Críticos de Arte celebra un nuevo Congreso bajo el título Arte y Fragilidad los días 28 y 29 de noviembre de 2024 en el Auditorio de la Sala Alcalá 31 – Calle Alcalá 31, 28014 Madrid.

Más información en: https://amca-criticosartemadrid.org/congreso-amca-2024/

En Colombier, cantón de Neuchâtel, la galería Numaga acaba de inaugurar una exposición impactante, CONEXIONS, que reúne los trabajos recientes de Juan Martínez. 24 pinturas sobre papel, en distintos tamaños, que nos relacionan con nuestra actualidad en la que todos estamos conectados sin que sepamos bien a qué, ni para qué. ¡Conectados a los mensajes que nos hacen cada vez más vulnerables, idiotizados, robotizados, obedientes y dispuestos, en precario!

Juan Martínez nos regala una suite de dibujos y pinturas, de desinencias y signos, que encierran la magia de sus formas y el misterio de la comunión con su sensibilidad. Se trata de una pintura metafísica, que no busca decorar, ni persigue la belleza, pero, ¡que hechizo, que pulcritud, qué sensación de paraíso en este mundo sin paraísos! Un lenguaje consolidado, que se reafirma ensamblando el misterio y la emoción

¿Rostros que nos miran, que nos interrogan? ¿Huellas que atestiguan? ¿Caricias huérfanas que no tienen espacio, ni cuerpos donde posarse? ¿Símbolos o vivencias que se dejan observar esperando una reacción? ¿Se pregunta el pintor qué está pasando, o nos pregunta? Todo ese murmullo interior, esa desazón, esa huida con miedo, se materializa con una exquisitez de formas que fascina: la elegancia es un don que emerge de la almáciga de la ética.

Una serie discrepante para mostrar el desafuero y la estulticia de los que huyen del estercolero con los pies sucios. ¡Reducciones, pequeños guiños mironianos, huellas de la herida que sangra sin derramar una gota, acechos, T del tiempo que todo los normaliza, biomorfos que engordan rechazando la desigualdad, relámpagos negros que atraviesan eriales, lacerías de conexiones, cadenas humanas…!

No se trata de gustar, sino de sacudir conciencias, si es que quedan. No es una pintura amable, afable, sí fiable, comprometida, existencial.  Es tan evidente el progreso de la técnica como el retroceso del hombre en su esencia. ¿Cómo transmitir esa sensación de disconformidad con la abulia y la ignavia actuales? Ese es el cometido del artista visual, elaborar unos códigos sígnicos y cromáticos que iluminen los rincones oscuros y denuncien la opacidad. Como quería Kafka: ¡Si un libro no te golpea, déjalo, no sigas con su lectura!

Jiennense de Navas de San Juan, Juan Martínez reside en Suiza desde 1969 y es el español con más exposiciones en el ámbito germanohablante: Suiza, Alemania, Austria. Para esta ocasión Françoise Jaunin ha escrito un breve y profundo ensayo en el que habla del hurmiento de su pintura con una encendida exactitud: “…il ne peint ni en militant, ni en polemiste ni même en moraliste, mais bien en poète et philosophe à l’ affût de la respiration du temps présent.[…] Son langage épuré tend les fromes, électrise la couleur et aiguise le silence avec une autorité implacable et une puissance à la fois archaïque et savante, abrupte et raffinée”. ¡Esplendor de la certeza! 

Pintor y escultor con una trayectoria coherente, es preciso resaltar el enigma de sus “armarios”, sus libros de autor, películas y performances, sin entrar en detalles y referencias, aunque no está de más citar sus colaboraciones con Antonio Gamoneda, José Manuel Caballero Bonald, Juan Gelman, José-Flor Tappy, Carlos Fuentes…que han dejado un reguero luminoso de libros singulares, distintos, especiales.

Viendo esta exigencia significante del destino, esta confrontación de deseos, esta iconografía de heridas y pesadumbres, me hace recordar un canto hermoso y feraz de Friedrich von Schiller: “Abrid las alas y lanzaos/ a volar con valentía/ muy por encima de vuestro tiempo / y que en vuestro espejo/ tenuemente, empiece/ a amanecer el futuro”.

El arte conceptual, a pesar de su triunfo no siempre evidente, no ha podido con la fuerza proteica de la imagen, que reverbera del miajón más hondo de los hombres. En arte no existe la exclusión y quien la intenta fracasa. El arte es plural, enigmático, misterioso, emotivo, si no es fetichismo banal, ora producido por máquinas ora por humanos. 

¿A dónde quiere llegar el pintor con esta danza de iconos absolutos, que ejercen el ritual de la atracción? Esos acechos, sibilinos e inocentes a un tiempo, parecen mostrar un golpe a atención a nuestra fragilidad, a nuestra indiferencia. ¿Qué hay de lúdico y de trágico en estas CONEXIONES? Hay desnudez espiritual, un grito de frustración y de socorro, una aspiración a la belleza en la que la ética se disfraza de estética para acceder al palacio cerrado del espectador. ¡Si las imágenes no excitan nuestro pensamiento, si hemos perdido la curiosidad por lo que importa, mejor dedicarnos a la cría del caracol!

(Numaga, rue de l’ Etang, 4, CH.-2013.-Colombier; hasta el 1 de diciembre de 2024)

El pasado 11 de septiembre fallecía en Madrid el escultor Francisco Aparicio, a los 88 años. Fue Premio Nacional de Escultura, Premio Tomás Francisco Prieto y posee una larga nómina de obras en espacios públicos: Universidad de Málaga; Isabel la Católica y Fray Juan Gil en Arévalo; Toledo, Cuenca, Manila, Valdepeñas, Bruselas, Los Ángeles… Su estética formal se mueve en lo que Antonio Leyva denominó la realidad creada. 

Emerge en los años sesenta y en ese momento el realismo comenzaba a verse acosado por la abstracción, que acabó imperando como un lenguaje de ese tiempo. No embargante, los figurativos se desdoblaron: unos se unieron en la ortodoxia realista y el hiperrealismo, como Antonio López y Cía, y otros ahormaron lo que se conoció como nuevo realismo, también neofigurativismo, entre los que se encontraban Francisco Aparicio, Julio Álvarez y otros.

Francisco Aparicio Sánchez nació en Yepes, en 1936, al estallar la guerra civil, viviendo una niñez desoladora y acre. Su familia fue luego a Salamanca y más tarde a Madrid, donde comienza a estudiar en un internado. Con una beca de la Diputación de Madrid accede a la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde se licencia en 1958.

Agradecido y generoso, siempre recordó a dos de sus maestros, el escultor Fermín Garbisu, que le enseñó los secretos de la madera, y Tomás Casado que le hizo ubicarse en el mundo del dibujo. En la Escuela de San Fernando tuvo profesores como Pérez Comendador, don Gervasio, Luis Marco Pérez o Chebé. En todo caso, superada la enseñanza reglada, se orienta hacia las obras de Giacomo Manzú y de Arturo Martini, que son sus mejores y más notables influencias.

Con una pieza extraordinaria, Pídola, piedra artificial, 95x55x50 cm, consigue el Premio Nacional de Escultura, 1961, lo que le da importancia y consideración, realizando el año siguiente su primera muestra individual, en la galería Abril. Ahí comienza una larga trayectoria plagada de exposiciones, nacionales e internacionales; obras en espacios públicos y la docencia, pasando por Marqués de Cubas, la Escuela de la calle de la Palma y concluyendo en la Escuela de las Artes del Libro.

Aparicio llevó a cabo una efectiva y amplia formación, era un profesional muy cualificado y eso evidencia su técnica impecable y la variedad de asuntos y técnicas que abordó con éxito. Trabajó la piedra artificial, la madera, la chapa, el barro cocido, el bronce. Desde el fragmento, el hueco, a la solidez del realismo humanizado. Esculpió figura de bulto redondo, retratos, escenas, relieves. Fue un prestigioso medallista, de ahí el Premio Tomás Francisco Prieto de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre.

La medalla fue determinante en su andadura creativa prestigiándola. Como medallista participó en los encuentros internacionales de FIDEM, entre 1967 y 2014, en Montecatini, Budapest, Florencia, Estocolmo, Colorado Spring, Londres, Neuchâtel, Berlín, Colonia, Lisboa, Cracovia, Seixal, dejando una estela de piezas memorables.

Se hizo acreedor de otros galardones, pero lo que le dio una gran visibilidad fue el diseño de la moneda de curso legal en la República de San Marino. Su trayectoria dejó miles de obras y una amplia bibliografía de críticos e historiadores: José Marín Medina, Campoy, Adolfo Castaño, Carlos Pérez Reyes, Castro Arines, Ramón Faraldo, Pepe Hierro, Alfonso López Gradolí, Ángel Crespo, Julio Diamante, Pérez-Guerra y Antonio Leyva, que le analiza con precisión en su monografía Francisco Aparicio. La Realidad creada, Madrid, 2018.

En los años sesenta/setenta tuvo un eco deslumbrante con piezas como Pídola, Frailes, donde sigue la estela de los italianos, pero con acento propio. Mediados los setenta, en sus bloques o cubos, conceptualiza las ideas y da un sesgo muy existencial a sus obras, imbricando geometría y figuración: es el caso de Auschwitz, Agosto, Eva, La noche. Luego se diversificó un tanto y hay una vuelta a la figuración realista tradicional.

No olvidó el retrato que lo practicó con solvencia: en bronce dejó la impronta del poeta Eduardo Zepeda-Henríquez. Uno de los primeros, en piedra artificial, el de nuestro colega y amigo Benito de Diego, el del doctor Torreblanca, Miguel Galparsoro. Un escultor comprometido, que tuvo que alternar trabajos alimentarios con otros donde la fantasía nos regalaba sensaciones espirituales, pero sin renunciar nunca a la dignidad.

En un texto de un prólogo, 1983, afirma: “…para mí la escultura es una emoción, es hacer que las formas y sus medios, los materiales, palpiten, vivan y transmitan esa emoción[…] mis figuras rotas o encajonadas son interrogantes, preguntas, búsquedas […] Del concepto nace la idea, se estudia a través del boceto, de ahí nace el barro…Todo en búsqueda de la expresión”.

Expuso en galerías tan diversas como Abril, Sen, Círculo 2, Tolmo, Casa del siglo XV, Ansorena, Orfila…donde era un asiduo; allí lo encontré en numerosas ocasiones. No hay un grupo formal de Orfila, pero si una pléyade de habituales y amigos, que conforman la familia Orfila, a la que pertenecía este escultor figurativo, distinto, que conceptualizo la figura y que supo hacer de la forma un mensaje existencialista, haciéndola reconocible más allá de la exigencia referencial.

Albano, uno de los jóvenes nombres del arte español en el ámbito internacional, está entre los veintisiete artistas de todo el mundo seleccionados por la rigurosa comisaria Fatoç Üstek para participar en la prestigiosa muestra londinense.

A pesar del Brexit, Londres sigue siendo una luminaria para el arte en el mundo. Con más de veinte ediciones, Frieze Sculpture se ha consolidado como la cita anual imprescindible para los anantes del arte, coleccionistas de toda laya, galerías y casas de subastas, haciendo de Londres el epicentro global del arte en el arranque de temporada.

No es fácil estar en el meollo de este deslumbrante encuentro, pero Albano Hernández, Ávila 1988, lo ha logrado, tras una carrera orientada y valorada, por profesionales y coleccionistas. Albano es el cuarto artista español seleccionado para Frieze Sculpture a lo largo de su existencia, tras Joan Miró, 2013; Jaume Plensa, 2014, 2017 y 2019; y Miquel Barceló, 2017.

Albano presenta la pieza The Shadow/La sombra, una idea que materializa a través de una sombra, pintada en el césped del mítico Regent Park. Obra concebida para esta ocasión y este lugar, que desborda géneros y técnicas, emergiendo como un híbrido de escultura y pintura. La belleza del proceso no oculta la conciencia ecológica del autor y su compromiso en el movimiento residuo cero. 

Respondiendo a la invitación para Frieze Sculpture, Albano crea una escultura con ecos lúdicos en los jardines ingleses, que no se eleva sobre la superficie ni la perfora, sino que ahondando en lo conceptual privilegia una mirada mítica y mística, inaugurando su faceta de escultor de lugares. Utiliza material no tóxico paraperfilar en el césped la sombra del árbol liquidámbar (Liquidambar styraciflua), especie documentada y traída a Europa por el naturalista español Francisco Hernández de Toledo, s. XVI, bajo el reinado del egregio Felipe II.

Albano Hernández, centrado en su proceso conceptual, destaca los protagonistas no humanos del jardín inglés. Establece asociacionesde ideas entre lo natural y lo simbólico, resaltando la relevancia de las sombras en la Historia del Arte -desde el mito de la caverna platónica-, que vertebran este trabajo en clave poética, respetandoal medioambiente, haciendo dialogar luces y sombras, ilusión y realidad, materiales orgánicos e industriales.

¡Preciosa idea la búsqueda de las percepciones y sensaciones, que ofrecen las sombras! Plinio el Viejo recuerda a la muchacha de Corinto, que para conservar fresca la imagen de su amado, trazó su silueta partiendo de su sombra. Hecho que se ha tenido siempre por el origen de la pintura. Víctor I. Stoichita, en Breve historia de la sombra (Siruela, 1999), relaciona la sombra con el origen de la pintura, además de desplegar una calántica de belleza relativa a este abanico de percepciones. También María Zambrano tiene el hermoso poema, “Ni brisa ni en sombra”, donde solicita que actúe no la muerte, sino su sombra, enalteciendo el señorío de la luz y la fuerza de la sombra, con su impecable incisión en otros mundos.

Albano conoce Poemas de la luz de Lucian Blaga, el martirizado poeta rumano, que en “Piedras del tiempo” -unos aforismos en ese volumen-, asegura: “Es verdad que las sombras se parecen a la oscuridad, pero son hijas de la luz”. Así, este The Shadow expresa un mensaje de luz por medio de su sombra verde, sobre otra edad del verde, marca de la obra albaniana, que con esa gama comenzó deslumbrando.

¡Un acontecimiento para España que uno de sus artistas participe en esta importantísima cita! Albano se dio a conocer con 18 años, cuando se alzó con la Beca de Investigación Plástica del Premio BMW de Pintura. Completó su formación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, mientas seguía exponiendo. Consiguió ser el más premiado de los jóvenes, más de treinta galardones de primer orden, entre ellos: Premio BMW de Pintura, 2012, y Premio Obra Abierta, 2015. Participó en los encuentros de Eslovenia, dirigidos por el crítico internacional Brane Kovic. Hasta que puso rumbo al Reino Unido, donde se graduó en el Máster de Pintura del Royal College of Art, con el auspicio de Basil Alkazzi Scholarship y la distinción de Hine Paintings Prize. Ha participado en numerosas individuales en Europa y América y en las ferias de Shanghai, Hong-Kong, Singapur, Estambul, Austria, México…

En Frieze Sculpture está representado por Pi Artworks y con su obra The Shadow, la más importante realizada hasta ahora, deja su impronta de guiños autobiográficos -¡el verdalbano!- y pone de manifiesto su compromiso con la naturaleza, implicándola en el arte, exhibiendo la esplendidez de su presente y buenos augurios para su futuro.

Acaba de aparecer MINIATURAS, nuevo libro de Carmen Pallarés. Editado por el Museo Jorge Rando de Málaga, 2024, edición trilingüe, formato 25×20 cm, 294 pp., encuadernado en tapa dura, contiene cientos de reproducciones de obras del pintor Jorge Rando más unas reflexiones y el texto de Pallarés en diez trancos. La traducción al inglés es de María Fernanda Beltrán y la versión china de Changsheng Ding Ou.

 Conviene resaltar su diseño, de la mano de Álvaro Pérez Sánchez; dirección de arte de Rocky Dávila y la impresión de Artefacto. Al presente, buscando la competitividad de los precios -palpable error-, las ediciones son lastimosas, pobres, de un descuido grosero. Por ello, cuando se difunde un libro, como este, limpia impresión, con excelente maquetación y un buen gusto notable, hasta en las viñetas que cierran los capítulos, hay que airearlo y encomiarlo. 

Tras la lectura de un libro de Carmen Pallarés -con independencia de estar en prosa o verso- siempre me ocurren dos sensaciones: la primera, se me antoja un texto corto; la segunda, no lo puedo resumir, teniendo la impresión de que has visitado un palacio cuajado de grandes riquezas y no sabes con cuales te quedarías, ni qué destacar. En el volumen no aparece la más mínima referencia existencial de poeta y pintor, con la excepción de sus imágenes personales.

Se trata de un volumen con distintas series de piezas, en brevísimo tamaño, de Rando, a través de las cuales la poeta realiza un análisis o meditación, dejando su impresión en negro sobre blanco. Pallarés escribe como si pensara en voz alta y nos deja constancia de sus deslumbramientos, dudas o hallazgos, manteniendo en algunos momentos un diálogo con el pintor. Pero, lo más hermosos es cuando aparca las técnica y referencias culturalista y saca su violín y comienza una sonata que nos fascina, que nos hace volar, soñar, entre esos colores exergónicos.

El arte se sustenta en el misterio. O cuanto menos en un gran secreto que no hemos desvelado todavía, así comienza este ensayo, que dilucida la almáciga hechicera que se establece entre el pensamiento lógico y el pensamiento mágico. Y analiza con solercia y perspicacia el acceso al criterio, fundamental en el aprendizaje de una relación vera con el arte, destacando: actitud, posición, disposición. 

Jorge Rando, Jorge Sánchez Rando, Málaga 1941, es una andadura vital casi novelesca: la posguerra, el seminario, el arte, la filosofía, Alemania, viajes, idas y venidas, África, el misticismo, el matrimonio y la pintura como camino, como horizonte; un calambur entre la ortodoxia y la heterodoxia; el expresionismo, aire para respirar, hasta tener un museo de su obra y con su nombre en su ciudad natal. De la trashumancia al altar donde se ensalza a las musas. Pintor conspicuo, escultor proteico y autor de Pensamientos y Reflexiones, 2014, año en que recibe el Ernst Barlach Preis.

Carmen Pallarés, es un colibrí de nieve y fuego, que anida en las partituras de Mozart. Pintora, crítico de arte, novelista, voz de coro, arpa tocada por el ala de un ángel y, sobre todo, poeta. Libros: La llave de grafito, ABBA, Luces de travesía, Caravanserai, Partitura adelante, Camino de mi palacio, donde brilla como una constelación de soles que galopa a lomos del epitalamio del azafrán y la albahaca. Su novela El sol azabache de la melancolía es un himno a la amistad y un crisol donde se purifican los instintos. 

Carmen Pallarés está muy cerca de Rando, lo tiene interiorizado, transita por su pintura con la prosapia de las megueces. Desde 2014 ha publicado cuatro volúmenes sobre su vida y su obra, ha participado en otras tantas publicaciones corales y ha conferenciado acerca de la dimensión de su plástica. Escribe con la soltura de quien se desnuda en el agua ansiosa de que ésta la acaricie. Vive el diálogo de sus cromías y el combate de sus formas como un sonriente estado de naturalidad.

Sabe que el concepto de arte ha virado, que ahora mandan la volatilidad, la dispersión, la ambigüedad tautológica. Hay muchas miniaturas que están enamoradas del paisaje, que no son referenciales, pero que crean visiones distintas y nuevos espacios para sentir. Aun así, defiende el sentido alentador y zahorí de la composición y el objetivo crítico de continuar el quehacer del artista cuando el artista ofrece el cuadro a nuestra mirada.

Para Pallarés la conquista es la obra, es el acierto en el balance y la combinación de materiales melódicos, rítmicos y armónicos, entre ajustes, contrastes, avenencias, órdenes y legados sonoros complejísimos.  Es decir que hace teoría al tiempo que deleita enseñando; normaliza acerca de las sensaciones y fija conceptos, como el de naturalidad, con llaneza precisa y preciosa. 

Y termina con un repaso a la historia de la miniatura hasta las de Goya, defendiendo el lema de Aristóteles: La finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia de las cosas, no copiar su apariencia. Muy cerca del concepto que tenía James Joyce de la poesía, que no era otro que mostrar el alma oculta de las cosas. A pesar de la alegría germinal de las abstracciones y paisajes, me quedo con esas series de clochards, que dibuja Rando, donde el expresionismo cobra vitalidad y se constituye en etopeya doliente del ser.

Libro poético, en prosa. No catálogo con isagoge; no textos explicativos o reseñistas de unos iconos. Para Valéry, el verdadero poeta es el que inspira, lo cita la poeta en este conjunto inspirado e inspirador. Los libros de arte están perdiendo sentido, entidad, necesidad, porque se están convirtiendo en tochos de propaganda. Ahora todo es publicidad, lo que se publicita se vende, pero es algo en lo que nunca entraría la elegancia, la pulcritud, la majestuosa naturalidad de la invisible Carmen Pallarés.

El viernes, 26 de abril de 2024, a causa de una neumonía, fallecía a los 96 años nuestro compañero y amigo Enrique Gracia-Herráiz. Siempre vivió entre dos mundos: entre la vieja Europa y el Nuevo Mundo, entre la España de doble filo y Estados Unidos, entre el funcionariado y su vocación de investigador, entre el mercado del arte y la dimensión ontológica del mismo, entre Velázquez y Picasso. 

No es fácil adscribirlo a una tarea, aunque sí a una vocación: el mundo de la cultura. Nació en Albacete, 1927, primer destino de su padre, abogado del Estado, pero pronto se fue con sus abuelos a Ciudad Real, donde pasa la guerra civil y la posguerra. Allí, en el mismo barco que Ángel Crespo, escribe sus primeros versos y vive la experiencia postista, colaborando en Deucalión y abriendo una ventana a la cultura en Lanza, que titularon “Pensando en joven”. 

Por esa época dibujaba con asiduidad y hacía caricaturas de sus compañeros y amigos, como las de Fernando Calatayud, Ángel Crespo, Joaquín García-Donaire, Antonio López Torres, Manuel López Villaseñor, Isidro Antequera, amén de otros dibujos y de un autorretrato, que se conserva, publicado en Tiempo del pan amarillo.

De estirpe republicana, tras el desastre fratricida español, su padre marcha al exilio en México; él se forma en el Instituto Escuela siguiendo las propuestas de la Institución Libre de Enseñanza y cuando su padre regresa a España, se trasladan a Madrid, donde se licencia en Derecho en la Universidad Central. 

Oposita al Cuerpo Superior de Administradores Civiles del Estado y es nombrado director de la Oficina de Turismo de España en Dallas y luego en Nueva York. Ya con la democracia es nombrado consejero de Información en la Embajada de España en Washington, años que recordaba entre los mejores vividos.

Alto, empático, dispuesto, elegante, de espíritu deportivo, siempre jugó al tenis y al golf hasta el final. Estaba muy atento al presente, buen lector y no despreciaba ocasión para dar su opinión y entrar al coloquio: asistí a muchas ruedas de prensa -mundo del arte- con él y puedo dar testimonio. Aparte de su trabajo profesional, su pasión era la escritura y el arte. Como crítico, riguroso y determinado, enviaba desde Nueva York crónicas a Goya, publicando en otras revistas especializadas y periódicos.

Ya establecido en Madrid, luego del periplo americano, como crítico de arte fue miembro de AMCA, perteneció a la Junta Directiva de la Asociación Española de Críticos de Arte y a AICA. Propuso la fundación del Premio de AECA en ARCO y el de AMCA en ESTAMPA. El 30 de noviembre de 2021, AMCA rindió un homenaje a su trayectoria cuya laudatio estuvo a cargo de Julia Sáez-Angulo, quien analizó con todo detalle su bibliografía e investigaciones, señalando sus donaciones y su generosa entrega, en un completísimo recorrido de su cursus honorum. A día de hoy, mantenía un blog donde exponía sus hallazgos y críticas. 

Una de sus líneas de trabajo fue la obra y vida de Picasso, descubriendo algunas pinturas del joven Picasso, avalado por su amigo Josep Palau i Fabre, e investigando secretos picassianos. En 1988 hizo el guión de la serie “El joven Picasso” que dirigió Juan Antonio Bardem. Otra de sus áreas de investigación estuvo centrada en el Barroco y en los autores claves como Velázquez, Zurbarán, Murillo. Tiene escrito un guión, inédito, sobre “Velázquez. El Pintor del Rey”. A todo ello se unía su coté coleccionista de artistas clásicos y modernos y sus calas latinoamericanas.

Más allá de los ensayos y artículos acerca del arte, estudió la obra de Ismael Smith y logró dar a conocer su legado. Y por encima de todo está su relación directa con la escritura, publicando títulos de relatos como Historias para leer en el AVE y Siete relatos de la edad tardía. Tuve conocimiento cercano de su poesía, en su libro manuscrito, Poemillas de Septiembre, 2007, y en Tiempo del pan amarillo, 2009, publicado por la Diputación Provincial de Ciudad Real, que presentamos en la capital manchega en una tarde memorable para él, con amigos, recuerdos y vivencias. 

Reunió una buena biblioteca especializada en las materias de su devoción y hasta hace poco le veía en las subastas de libros e interesándose por este o aquel rubro cercano a su búsqueda del momento. Sé que estaba escribiendo sus Memorias, aunque ignoro hasta donde ha llegado. Resolutivo, directo, peleón, con acerado humor, Enrique no se callaba si no llegaba al meollo de lo que quería saber. Ha tenido una vida larga y feraz, ha sido explícito y ha explicado con solercia aquello que le seducía. Nuestras condolencias a su esposa y sus hijos. ¡Sit tibi terra levis, ubicumque pax tua est, amigo!

Rafael Pérez Hernando es un habitual del galerismo desde antes de 1996. Abrió una galería de arte en esa fecha, C/ Claudio Coello, con objetivos que se modificaron hasta que, en 2004, en el espacio de calle Orellana, encabezado con su nombre, inauguró un proyecto de difusión y venta del arte, que se ha consolidado con un sello muy personal.

Rafael Pérez Hernando, Madrid 1953, se licenció en Derecho, no ejerció la práctica de la abogacía y optó por la Escuela Diplomática, sin éxito, gracias a rogativas de su abuela, como él mismo ironiza. Durante siete años acompañó a su padre- coleccionista, abogado, juez, empresario- en la restauración del monasterio burgalés cisterciense Santa María de Bujedo, Premio Europa Nostra 1982.

Tras esta experiencia estética y espiritual, decidió dedicarse al mundo del arte. En su primera etapa, además de objetos artísticos, se centró en la defensa de tres nombres de pintores: Antón Lamazares, Bonifacio y Manuel H. Mompó. La galería, en su actual ubicación, abrió con el papel y algunos lienzos de Joan Hernández Pijuán. Creo que he asistido a todas, o casi todas, las exposiciones que ha realizado desde entonces. 

Pero, R.P.H. no es un galerista al uso, pues interviene activamente, en cada exposición, realizando él mismo el montaje de las piezas, con escasísimas excepciones. Incido en este punto, porque sus montajes no dejan indiferentes, dominados por su sentido de la elegancia, el buen gusto y la sobriedad. El modo de mostrar la obra es marca de la casa en su galería, algo absolutamente personal y genuino y que algunos agradecemos.

No sólo eso, para cada propuesta suele escribir una breve introducción, que ayude al espectador o rompa el hielo para que el visitante piense por sí mismo. Respecto al arte contemporáneo hay una timidez inicial y persistente del espectador, quién ante lo novedoso, se encuentra sin asideros y teme manifestarse sobre lo que observa. Y no, todos tenemos nuestra lectura de lo que vemos y si hay otra más perspicaz o luminosa que la nuestra, sea bienvenida en aras del sentimiento del arte. Que nadie lo olvide, lo que interesa, lo que emociona, lo que conmueve no necesita explicarse ni entenderse.

La Galería Rafael Pérez Hernando tiene una oferta plural, pero deja ver un sentir, una estética, formada por las obras de nombres como Giorgio Griffa, Vialat, Hernández Pijuán, Ofelia García, Sabine Finkenauer, Simon Callery, Susana Solano, Barba, Marta Basterrechea.  A veces esos textos, a guisa de isagoge, van entrecomillados o anónimos, pero al lector no se le esconde que provienen de un sentiente, de alguien que las ha seleccionado, que conoce el proceso de ejecución de las piezas. Es el RPH, escritor. 

Además, en diciembre pasado, publicó Las higueras necesitan compañía, Pre-Texos, Valencia 2023. El volumen abre con prólogo, “Una mirada así de limpia” de Carlos Pardo y cuenta con exquisitas ilustraciones de Sabine Finkenauer. El libro tiene seis apartados, con aforismos, versos únicos, proverbios o sentencias; incluso alguna estrofa con vocación de haikú: Descubro la trascendencia / de no conseguir objetivos. 

La editorial, la forma, la isagoge inducen a creer que es un libro de poesía. No, desde mi óptica, pienso que es un ensamble de sentencias, pensamientos, vivenvias u observaciones, que el autor llama “notas”. Entre tantas “notas”, las hay líricas, postitas, filosóficas o simples deseos: Me gustaría tener una casa vacía. ¡Cuánta riqueza encierra esta expresión para un coleccionista, para un barroco que al mismo tiempo es zen!

Rafael asegura que la mayoría de estos chispazos los ha escrito paseando, anotados en su móvil; de espaldas a una montaña o en el prado, al estilo Berceo. Lo reseñable es cómo un galerista ha ido tejiendo un zócalo de ideas, impresiones o visiones del mundo, ajenas a su oficio. Y luego las curiosidades: su atención a los cojos, a los detalles más nimios, o al rubro, aunque la gran parte de los seres naturales se quieren acompañados. 

El libro está pulcramente editado, en papel, con sus blancos coronando de silencio sus efímeras sensaciones: ¡Qué fácil es no ver! He visto que se ofrece también un formato e-book, no puedo concebir que la lectura desde el papel ofrezca la misma impresión que en una pantalla, porque la composición espacial determina. Por momentos, sosiega; otros, inquieta, azora: Estoy atado. ¿Por qué, por quién, a qué, qué le ata, qué le coarta?

Del nihilismo a la creencia, del respeto a la tradición a la anarquía, del amor a la muerte al gusto por la vida, de la soledad a la convivencia con el gentío, de la densidad a la trasparencia: ¡Qué bien vuelan los pájaros! Dice Rafael que sin la presencia de su abuelo Alejandro no sería cómo es, ni hubiera escrito esto. Yo valoro infinito esta apreciación ahora que no quedan abuelos en las casas y sólo hay viejos en residencias. 

Es un libro de corte y aldea, que huele a higuera- ¡perfume bravo, dulce, verde, denso-; en el que confiesa que le gustaría convertirse en una mata de espliego. No es un grimorio, sino un libro de meditación para muchos, aunque el autor asegure que Escribe para nadie. ¡No sé por qué, pero es seguro que, después de leer este libro las higueras acompañadas darán los higos más dulces, sabrosos, con sus hermosas heridas blancas!

No hay muchos galeristas escritores, pero, he conocido a algunos: Antonio Leyva, que acaba de desparecer, poeta y ensayista; Leandro Navarro, dramaturgo de éxito; Miguel Fernández Braso, editor y escritor de amplia bibliografía. Marwan Hoss, poeta; Antonio Prates, compositor y poeta; J. M. Leonardo de Sá, Manolo Cuevas, lector empedernido y editor; Julián Rodríguez Marcos. A ellos se une ahora Rafael Pérez Hernando con este libro, que emerge del silencio, y los que vengan.

El 27 de febrero, a mediodía, en las salas de exposiciones temporales del Museo de Santa Cruz de Toledo, se inauguró una muestra antológica de Manuel Prior, Puertollano 1933, con rubro Prior. 70 años de pintura. Desvelando lo que la realidad esconde. Promovida por el gobierno de Castilla-La Mancha, en ella se puede contemplar un conjunto de obras, fechas entre 1949 y 2022, que evidencia la andadura estética de este callado y brillante prestidigitador de formas y cromías. 

Aute le llamaba “mi maestro”, Prior tuvo que buscarse la vida pronto, pero pronto quiso ser pintor. Comenzó autodidacta, exhibiendo un realismo limpio y terso, muy en la órbita de Julia Minguillón, a quien no conocía. Presenta una obra realista y limpia, Tarde de sábado, al Premio de Valdepeñas y no la premian porque algunos miembros del Jurado mantienen que era un cuadro de fotografía, cuando los personajes habían posado para él. 

Se traslada a Madrid en 1954, donde residirá hasta hoy. Comienza a ver pintura y a relacionares con pintores, va a dibujar al CBA y su lenguaje se revoluciona deshaciendo las formas y comprometiendo el color, hasta meter la primavera y la pasión en los cuerpos. En 1958 gana el Premio Exposición Nacional Pintores de África y puede viajar por Europa, conociendo los grandes museos, siendo deslumbrado por el expresionismo. 

De su primera individual, Sala Librería Abril, 1962, hasta hoy ha realizado treinta y cuatro muestras personales, algunas de ellas internacionales y varias en la galería Macarrón, que fue su casa hasta que despareció. Formó parte del Grupo Castilla 63, hizo escenografías para obras de Federico García Lorca, ilustró libros, carteles: un todoterreno de la pintura con un lenguaje en combustión, reconocible y reconocido.

Lo volví a encontrar, después de El Escorial, en la Librería Abril, pero cuando ya me sumergí en su bosque de cuerpos y colores fue a partir de sus exposiciones en la galería Macarrón. Rafael Macarrón tenía predilección por su mundo salvaje y exquisito, duro y tierno, por ese fragor de gestos encendidos que van ahormando un canto sensual y contundente, cuajado de heridas y megueces; un epitalamio del hombre y la tierra, de visiones y belleza. 

En la historia del expresionismo figurativo español contemporáneo, que en parte estudió Carlos Areán, aún quedan muchos cabos por atar. Dentro de ese mundo en el que entran y salen los nombres de Solana, Luis García-Ochoa, Álvaro Delgado, Francisco Mateos, Quirós, Barjola…Prior tiene un espacio propio, mirando esa base doméstica, pero más al panorama internacional, con la vista puesta en Oskar Kokoschka, Egon Schiele o Rouault.

Hay quien defiende su pintura inicial realista- clara y firme-, pero eso fue una etapa previa a otras. Donde Prior brilla es en su idiolecto, en esa deformación de cuerpos donde del alma se potencia. En su mezcla de trazos bravos, densos, limpios; en su arrastre de colores, que llenan de fuego y de mar los lienzos. Ejemplos de lo que digo: Los caretones, Camuñas, Careta pecado, Familia verde, El beso, Gólgota…

Prior no lo ha tenido fácil, ningún pintor lo tiene fácil, a pesar de contar con una buena fortuna crítica. Sobre su obra han escrito Pepe Hierro, Castro Arines, Sánchez Camargo, Corredor-Matheos, Figuerola-Ferretti, Carlos García-Osuna, Luis López Anglada, M. A. García Viñolas, Fernando Ponce, Gianna Prodan, Rodríguez Alcalde…

El gran poeta y pensador rumano Lucían Blaga asegura que “la misión del poeta es sacar las palabras de su estado natural y llevarlas a su estado de gracia”. Si el pintor tiene alguna misión, parafraseando a Blaga, sería le de sacar las formas y el color de su estado natural y llevarlos a su estado de gracia, que es lo que hace Prior, cuando acierta a ser él mismo, sin distracciones socioculturales.

No se trata de la exposición de un paisano, de un artista manchego, aun siendo de Ciudad Real, sino de un expresionista que trasciende lo regional, lo nacional, para situarse en una zona de elevado interés plástico y emocional. Si la muestra estuviere montada de forma cronológica, desde mí óptica, ayudaría mucho a ver el desarrollo de su andadura y cómo llega a un exigido nivel expresivo, en el que la emoción reina como lo hace la luz por el sol.

A través de sesenta piezas de todas sus épocas nos adentramos en un mundo donde arden los encuentros afortunados y se impulsa el activismo plástico de un pintor no sólo visceral sino dotado para la expresividad prístina y humana. Aquí está el hombre con sus ángeles y sus demonios. Cuando la pintura se exhibe, con este rigor y este vigor, el arte cumple la función de deleitar y transformar, de tocarnos en los más hondo para hacernos sentir. Las cosas buenas no hace falta entenderlas, nos invaden los sentidos sin más. 

Una delegación formada por representantes de AICA Spain / AECA (Asociación Española de Críticos de Arte), ACCA / AICA Spain Catalonia (Asociación Catalana de Crítica de Arte), IAC (Instituto Arte Contemporáneo), AVCA (Associació Valenciana de Crítics d’Art), ACCAIB (Associació de Crítics i Comissaris d’Art de les Illes Balears) y AGC (Asociación Galega da Crítica) acudió al Ministerio de Cultura, el pasado 27 de febrero, para mantener una reunión con el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí Grau, con el fin de solicitar el reconocimiento, desde el punto de vista impositivo y legal, de los trabajos realizados por los comisarios de exposiciones de artes visuales como labor intelectual y creativa con la consiguiente exención o reducción del IVA tal como se aplica a otras profesiones de similar naturaleza.

La profesión del comisario de exposiciones de artes visuales es una de las prácticas profesionales más extendidas entre las personas que ejercen la crítica de arte en España, que son contratadas para llevar a cabo exposiciones en las programaciones de museos y centros culturales.

A pesar de la naturaleza creativa e intelectual de la labor, se aplica a la facturación un 21% del IVA por lo que las entidades solicitantes consideran que se produce una discriminación con respecto a otras labores a las que sí se reconocen exenciones y reducciones fiscales, como es el caso de escritores, guionistas, traductores, colaborares literarios y fotográficos de periódicos, etc. El comisariado parte de un discurso creativo y original en el que se producen textos para catálogos y folletos, y se realizan actividades paralelas complementarias destinadas a la educación, como conferencias o actividades para escolares, que están exentas de IVA.

Esta reclamación no es nueva, puesto que ya en 2017 se solicitó el reconocimiento de los derechos que tienen otros autores en otros ámbitos similares. La contestación negativa se basa en que la labor del comisariado no es similar a la de un autor porque incluye servicios como diseño gráfico, impresión, contratación de personal y otros que sí tienen que tributar con el IVA del 21%. El global de la contratación del comisariado debería tender hacia la exención o, en su caso, la reducción puesto que a otras muchas de las labores se les exime del pago del IVA (investigación, redacción, propuesta de proyecto expositivo, supervisión del catálogo y la exposición) y no atender únicamente a las que puedan considerarse con el tipo impositivo más alto.

La buena disposición del Ministerio en las conversaciones y la excelente relación entre las entidades solicitantes nos animan a continuar con esta reclamación que consideramos de justicia, para lo que ya se han fijado los siguiente pasos para dar continuidad a esta iniciativa conjunta.

La propuesta de Isidoro Valcárcel Medina (Murcia, 1937), Perfiles y Borraduras, puede parecer algo extraña al conceptualismo artístico del que fue pionero en la década de los 60. Su arte era plano, prácticamente vacío, particularmente tipográfico, sin coloridos ni alardes decorativos, con un predominio del contenido sobre la forma. El título de la actual muestra en Madrid, Espacio Experimental Art Room, abierta hasta el 12 de marzo de 2024, nos lleva a entender una forma de expresión diferente, más cercana, más plástica, más formalista.

En este momento de su vida Valcárcel Medina sigue siendo un optimista creativo, pero no un vanidoso personalista, como así lo expresa esta cita que se extrae de la N.P. de la exposición: “No hace falta sacralizar el arte, que diría el propio autor de esta serie, no cabe grandilocuencia en el frágil existir y mucho menos en la apariencia que se muestra. Mucho estamos de acuerdo, pues sufrimos las consecuencias de la altivez que nos imponen los dioses desde hace milenios”.  

Perfiles y borradoras es, por tanto, el resultado de esa libertad del artista de ser él mismo: acometer ahora la técnica del carboncillo y directamente dibujar y manchar sobre el papel. En estas imágenes, negro sobre blanco, aparecen dispersos y alternados unos dibujos geométricos más perfilados junto a manchones, formas difuminadas o borraduras.  El rigor de lo racional dialoga con la espontaneidad, con lo gestual. Pero a la vez se aventura a desplegar sus trabajos sobre dos grandes mesas situadas en el espacio de la galería en donde se invita al público a actuar sobre ellos, a tocarlos, a emborronarlos, a moverlos o a cambiarlos de sitio. Puesto que sus trazos y dibujos a carboncillo no están fijados, su intención con ese despliegue participativo es que se generen nuevas y sugerentes imágenes.  “En esta fiesta es probable que los asistentes pueden quedar impacientes por encontrar algo que aprehender de esas composiciones que tanto derivan en volúmenes y construcciones como en explanadas y garabatos”.

Es la idea de arte como como algo orgánico, variable e intercambiable, no originado exclusivamente por el artista. Por tanto, siendo leal a la línea del arte conceptual el carácter interactivo es fundamental en esta nueva propuesta del artista, siendo así coherente consigo mismo. 

Importante y necesaria iniciativa la de esta muestra que aúna afinidades y conocimientos de ambas partes, de dos generaciones, el artista y el galerista. Isidoro Valcárcel Medina, consagrado internacionalmente pero también disconforme con el establishmentdel mundo del arte; Alfonso González-Calero, emprendedor nato y apasionado del arte, que desde Investigación y Arte y su Espacio Experimental Art Room se afana en mantener vivo sus proyectos e ilusiones, siempre acorde con sus propios principios. En fin, dos fuerzas coincidentes, nada es casualidad.

La 43ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo se celebrará del 6 al 10 de marzo en IFEMA MADRID con la participación de 205 galerías de 36 países.

ARCOmadrid, organizada por IFEMA MADRID, celebra su 43ª edición del 6 al 10 marzo. La altísima calidad de los proyectos presentados por las galerías garantiza una experiencia artística de primer nivel. La feria mostrará la actual escena artística internacional en un amplio diálogo con el arte español. Cinco días de descubrimiento e investigación con la presencia de nuevas galerías internacionales que confirman el papel de ARCOmadrid como referente para la visibilidad y exploración de los artistas, así como para fomentar un mercado activo y potenciar el conocimiento en torno al arte.

ARCO, junto a la ciudad de Madrid, centrará la atención de galerías, artistas, coleccionistas, comisarios y otros profesionales, instituciones, museos y centros de arte de todo el mundo, y constituirá una experiencia única para todos los visitantes.

Un total de 205 galerías de 36 países convertirán a Madrid en capital internacional del arte contemporáneo. En esta ocasión, 171 galerías integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: la orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico, con 19 galerías; Opening. Nuevas galerías, con 15, y Nunca lo Mismo. Arte latinoamericano, con 12 galerías.

La representación nacional este año se sitúa en el 35% de la oferta a través de la participación de galerías 73 españolas. Por su parte, el segmento internacional se eleva al 65% -132 galerías-, y de éste, cerca del 30% lo acapara la presencia latinoamericana, con la participación de 38 galerías de 13 países, con especial presencia de Argentina, Brasil y México. De esta manera, ARCOmadrid sigue proyectando su posición única como referente latinoamericano en Europa.

Programa artístico de ARCOmadrid 2024 

Entre las galerías internacionales participantes en el Programa General, ARCO celebra la incorporación de galerías como Max Hetzler, Vera Munro, Air de Paris, Fortes D’aloia & Gabriel, Lévy Gorvy Dayan y Hollybush Gardens. Éstas se suman a la fidelidad de otras como Thaddaeus Ropac, Mai 36, Jocelyn Wolff, Chantal Crousel, Krinzinger, Nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Giorgio Persano, Lelong, Meyer Riegger, Perrotin, Poggi, Neugerriemschneider y Thomas Schulte. También vuelven a depositar su confianza en la feria galerías como Capitain Petzel, Société y Chertlüdde, o Mendes Wood Dm, Nicolai Wallner, y Kalfayan Galleries. 

Paralelamente al Programa General, ARCOmadrid contará con tres secciones comisariadas. Incorpora como tema de investigación de 2024, la orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico”’ que, comisariada por Carla Acevedo-Yates y Sara Hermann Morera, propone, a partir de una cuidadosa selección de artistas y galerías, una lectura de la compleja intersección entre la tierra y este mar que se plantea desde y hacia la orilla como un espacio de intercambio y de constante inestabilidad: «intervenir en la incomodidad de situarse entre lo líquido y lo sólido», tal y como apuntan las comisarias. En un espacio especialmente diseñado por Ignacio G. Galán, Arantza Ozaeta y Álvaro Martín Fidalgo, participarán 19 galerías como David Castillo, Hutchinson Modern & Contemporary, Monique Meloche, Patron, Praise Shadows Art Gallery, Tern Gallery, Espacio Mínimo o Helga de Alvear.

Opening. Nuevas galerías volverá a ser el espacio de descubrimiento de nuevas propuestas en ARCOmadrid. La selección de Cristina Anglada y Yina Jiménez Suriel representará la apuesta del joven galerismo internacional con la participación de 15 galerías como Artbeat, Blue Velvet, Eins Gallery, Espacio Continuo, Fermay, Hatch, Remota, Sissi Club y The Space Art Gallery, que participan por primera vez. 

La sección Nunca lo Mismo. Arte latinoamericano contribuirá a reforzar la investigación en torno a la creación latinoamericana y su relación con todos los agentes presentes en la feria. Comisariada por José Esparza Chong Cuy y Manuela Moscoso, estará formada por una selección de artistas procedentes de Latinoamérica de la mano de 12 galerías como A Gentil Carioca, Jaqueline Martins, _Vigilgonzales, Isla Flotante, Millan, N.A.S.A.L. y Proyectos Ultravioleta. 

A esto se suman los 28 Proyectos de Artista, presentados por 32 galerías, entre las que figuran, Peppi Bottrop (Ehrhardt Florez + Meyer Riegger), Laia Abril (Set Espai d’Art), Zila Leutenegger (Peter Kilchmann), Concha Jérez (Freijo), Mónica de Miranda (Carlos Carvalho), Esther Boix (Marc Domènech), Josep Ponsatí (Prats Nogueras Blanchard+Bombon Projects), Carles Congost (House of Chappaz) o Elena Aitzkoa (Rosa Santos).

Por otro lado, ArtsLibris volverá a estar presente en ARCOmadrid con más de ochenta editores de veinte países a los que se sumarán diferentes presentaciones de publicaciones en el espacio Arts Libris Speaker´s Corner.

Coleccionistas e invitados especiales

ARCOmadrid pone en marcha diferentes iniciativas para fomentar el coleccionismo. First Collectors by Fundación Banco Santander, el ya reconocido servicio gratuito de asesoramiento en la compra de obras durante la Feria, ha asesorado en sus catorce años a más de 700 personas.  Por otro lado, vuelve a potenciar el programa Young Collectors, que incorpora más de cincuenta jóvenes coleccionistas internacionales. Todo ello se suma al clásico Programa de Compradores Internacionales y el de invitados especiales, que traerán a Madrid a cerca de 400 coleccionistas y 200 profesionales de unos 40 países.

Así ARCOmadrid ha confirmado la presencia de coleccionistas patronos y miembros de museos como ADIAF Association pour la diffusion internationale de l’art français, París; Amis du Centre Pompidou, París; MAMCO, Ginebra; MAXXI, Roma; Palais de Tokyo, París; Museo Reina Sofía, Madrid; Museo del Prado, Madrid; MALBA, Buenos Aires; MALI, Lima; Museo Universidad de Navarra, Pamplona; Museum of Contemporary Art (MCA), Chicago; PIN. Freunde der Pinakothek der Moderne e.V., Múnich; MOLAA, Long Beach; MACBA, Barcelona; Fundación Joan Miró, Barcelona; Guggenheim Bilbao; Meadows Museum, Dallas; Spirit Now, Londres; Whitney Museum of American Art, Nueva York; Perez Art Museum Miami, The Bass, Miami.

Un año más, diferentes empresas privadas de ámbito nacional e internacional se suman a distintas iniciativas en forma de adquisiciones y de reconocimientos a la creación artística, a través de la entrega de diferentes premios como el Premio Lexus al Mejor Stand en ARCOmadrid 2024, VIII Premio Cervezas Alhambra Arte Emergente, XVII Premio Illy Sustainart, XIX ARCO/BEEP de Arte Electrónico, I Premio Adquisición Fondazione Per L’arte Moderna e Contemporanea CRT, I Premio ENATE-ARCOmadrid 2024, X Premio Opening, Premio Catalina d´Anglade y el Premio Emerige-CPGA.

Además, la Fundación ARCO otorga los Premios “A” al Coleccionismo en su 28ª edición, reconociendo cuatro colecciones: Mario Cader-Frech, José Antonio Llorente e Irene Rodríguez, Vasa Perović y la Fundação PLMJ.

Foro ARCOmadrid

El Foro de Coleccionismo constituye el punto de encuentro de la comunidad artística internacional donde conocer y compartir ideas sobre el coleccionismo de arte en sesiones abiertas al público. Contará con la participación de Inma Prieto, Manuel Borja Villel, María Luisa Samaranch, Nieves Fernández, Paloma Martín Llopis, Alaska, Christopher Makos, Rodrigo Navia Osorio, Armando Montesinos, Gloria Moure y Mario Cader-Frech. 

El Foro Museos acogerá conversaciones dirigidas por Martí Manen, Agustín Pérez Rubio, Sandra Gamarra Heshiki, Amanda de la Garza, Manuel Segade y la Fundación Daniel y Nina Carasso.

Y el Foro la orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico se centrará en sesiones sobre el tema central de esta edición que serán dirigidas por Sara Hermann Morera y Carla Acevedo-Yates.

También se suma el Foro Speakers’ Corner, de ArtsLibris, que apoya el diálogo entre el arte, la experimentación y la publicación. Además, y organizado por MAV Mujeres en las Artes Visuales, se celebrarán dos charlas entorno a la presencia de mujeres artistas en el mercado.

Por otro lado, los Encuentros Profesionales, reservados solo para profesionales y bajo invitación, se centrarán en esta ocasión en el Encuentro Un baile institucional, dirigido por Martí Manen, el Encuentro de Museos de Europa e Iberoamérica, dirigido por Amanda de la Garza y Manuel Segade, y el Encuentro de galerías, liderado por Cristina Anglada y Yina Jiménez Suriel.

Con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), ARCOmadrid programará diferentes encuentros entre museos españoles e instituciones internacionales liderados por Elvira Dyangani Ose -MACBA; Nuria Enguita -IVAM-, Javier Hontoria -Museo Patio Herreriano-, Fernando Pérez -Azkuna Zentroa-.

Diseño, arquitectura y espacios en ARCOmadrid

El estudio de Pedro Pitarch es el responsable del diseño espacial de las zonas comunes de ARCOmadrid 2024, al que se suman los arquitectos Ignacio G. Galán, Álvaro Martín Fidalgo y Arantza Ozaeta, que diseñarán el espacio de galerías del programa ‘La orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico’.

En esta ocasión, el estudio madrileño BURR será el responsable de diseñar el Guest Lounge de ARCOmadrid 2024 que cuenta con la colaboración del Foro de Marcas Renombradas Españolas (FMRE) a través de Actiu, Cosentino, Crevin, Fama, Gandiablasco, Joquer, Lladró y Ondarreta. Además, contará también con la intervención de otras como Megaandamios, Megabastides, La Real Alcalaina, Garnica, Acerinox y Ledsc4.

La Sala Fundación ARCO, dedicada a la artista Solange Pessoa, contará con el diseño de Las 2 Mercedes e iluminación de Años Luz. Por otro lado, Natuzzi, bajo la dirección artística de Manuel Espejo, es responsable de la sala AVWL -A Very Welcoming Lounge-, y la Sala 43 será un proyecto de Deseesedesign con la colaboración de Eflux. Y L.A. Studio volverá a decorar la Sala Presentaciones. 

Este año, los visitantes a ARCOmadrid tendrán la oportunidad de disfrutar de la oferta gastronómica en una nueva ubicación -en el nexo de los pabellones 5 y 7-. El Food Court, con mobiliario de Isimar y un proyecto de decoración vegetal de Greenarea, ofrecerá una amplia y variada oferta gastronómica con los cuatro corners disponibles. 

El apoyo constante a la creatividad tiene también en 2024 una presencia reforzada y expandida en las publicaciones, así como en la ropa del ARCOstaff. Así, el estudio dosgrapas ha sido responsable del diseño del catálogo de ARCO y, la editorial Underbau de la publicación de la orilla, la marea, la corriente: un Caribe oceánico. Por su parte, Sohuman, liderado por Javier Aparici, diseñará el uniforme del equipo de apoyo. 

Apoyo de la iniciativa privada e instituciones 

ARCOmadrid tiene el apoyo de la iniciativa privada y de importantes corporaciones e instituciones a través de acciones de patrocinio de distintas áreas o iniciativas presentes en la Feria. De esta manera, esta edición cuenta con la colaboración institucional de Acción Cultural Española (AC/E) y AECID; así como de la Fundación Banco Santander; Lexus, Ruinart, Illy, Cervezas Alhambra, Iberia, El Corte Inglés, Frederic Malle, Radisson Hotels, Bodegas ENATE, Auara.

ARCOmadrid 2024 se celebra del 6 al 10 de marzo en los pabellones 7 y 9 del Recinto Ferial de IFEMA MADRID, dedicando las tres primeras jornadas exclusivamente a los profesionales, y a partir de las 15.00h. del viernes 8, abrirá sus puertas al público.