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Los días 13 y 14 de noviembre tuvo lugar el I Taller de Iniciación a la Crítica de Arte en la facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid con  participantes de diversos ámbitos profesionales y áreas de conocimiento, la mayoría  estudiantes del ámbito de la Historia del Arte.

La actividad se presentó como una actividad más dentro de la XIII Semana de la Ciencia y la Innovación que organizó la Fundación para el Conocimiento Madrid+d de las más de 300 actividades presentadas por la Universidad Complutense de Madrid. En esta ocasión, la Asociación Española de Críticos de Arte quiso colaborar con la Universidad para dar a conocer a la sociedad la labor que llevan a cabo los críticos de arte.

El taller se dividió en dos jornadas. La primera ofreció a los asistentes una aproximación teórica que impartieron: Miguel Ángel Chaves, con una visión panorámica de la crítica de arte mostrando un recorrido desde sus inicios hasta la actualidad, haciendo especial hincapié en las aportaciones de los críticos en España; Carlos Treviño, con una presentación sobre el concepto de crítica de arte, el estilo y medios de comunicación más idóneos para llevar a cabo la crítica de arte; e Inmaculada Real, con una ponencia centrada en los recursos a los que acudir a la hora de llevar a cabo una crítica y las revistas más influyentes actualmente.

La segunda jornada se planteó de manera práctica, comenzando con una visita a la exposición Sabiduría y esplendor, del Centro de Arte Complutense, sobre la que los asistentes realizaron una pequeña crítica sobre alguna obra de arte o artista contemporáneo presente en la exposición o sobre el planteamiento expositivo desde el punto de vista museológico. Los asistentes pudieron demostrar los conocimientos teóricos adquiridos y contaron con el asesoramiento constante durante el segundo día del taller de los coordinadores del curso, Inmaculada Real y Carlos Treviño.

El taller ha supuesto un acercamiento de la crítica de arte a la sociedad y ha despertado el interés en los asistentes, algunos de ellos ya están en contacto permanente con la Asociación interesados en recibir asesoramiento y colaborar con el fin de dedicarse profesionalmente a la crítica de arte.

Valga este cruce de nombres y apellidos para encabezar la presentación de En los límites la lucidez, obras de Yurihito Otsuki en homenaje a Carlos Oroza, en las celebraciones del centenario de su nacimiento, en Viveiro, 1923. Nada en esta relación es casual, ni azaroso, ni forzado, ni espurio.

Mantengo relación de admiración y respeto con el Sr. Otsuki, desde principio de los noventa. Y mucho antes con Oroza. Mi amistad con el Sr. Otsuki, que se ha depurado con los días, se inició y fraguó a través de sus exposiciones de pintura y de las traducciones del poeta japonés Makoto Ooka. 

Mokoto Ooka, Mishima 1931-2017, personalidad emblemática de la poesía y el arte de Japón, segunda mitad del siglo XX y todavía. El Sr. Ooka no sólo fue el poeta más reconocido de su tiempo en Japón, sino en la cultura occidental: traducido al francés, alemán, inglés, italiano y al español por el Sr. Otsuki; colaborador de la revista Vuelta y con altísima consideración en Francia.

El Sr. Ooka lo fue todo en Japón y, en Occidente, representa a su cultura con vitola de maestro, pionero del renshi y promotor, como crítico de arte, de brillantes exposiciones de arte contemporáneo, del que es teórico exquisito y profundo, fundando un museo con su propia colección de artes plásticas internacionales y su interacción con las poéticas. 

Yurihito Otsuki es pintor, también coreógrafo y músico, traductor y discípulo del Sr. Ooka. El vio la importancia de su obra y se impuso la ardua tarea de traducirla en parte a nuestra lengua. Su primera apuesta, Poemas, que vertió al español, en la colección los Cuadernos del Dragomán, Editorial Torremozas, Madrid 1995, con una fecunda introducción de Kenzaburo Oé, Premio Nobel de Literatura, recientemente fallecido. 

Trajo al Sr. Ooka a España, viviendo breve temporada en El Escorial, y presentándolo a los amigos, con el concurso de Galería 57. Conocimos al Sr. Ooka cuando era un nombre de referencia para los intelectuales occidentales, aunque su poesía nos era desconocida. 

Más adelante, ampliando la primera versión, aumenta nuevos poemas y hace otra publicación con rubro Memoria y presente. Antología 1958-2008, Makoto Ooka, Ediciones Vitrubio, 2012. En nuestro viaje a Japón, donde expuso el Sr. Otsuki, galería de Nagai Garou de Tokyo, estuvimos con la viuda del poeta, Sra. Saki Fukase, que mantiene viva la presencia de su ilustre marido ya desaparecido. 

Y todavía, en 2016, realiza una preciosa edición, Madrid-Tokyo, traduciendo otros poemas de su maestro, título No iré a la luna, con dibujos propios y una introducción de mi autoría, coeditado por Del Centro Editores & Nagai Garou. Esta edición, al cuidado del maestro Claudio Pérez Miguez, consta de 85 ejemplares, que eran los años que cumplía el poeta, quien recibido esta joya editorial, como un regalo emocionante, que agradeció con sonrisas y palabras antes de partir a coronar el monte Fuji.

Los años finales de su vida fueron los más serenos para Oroza; en todo caso, siempre traté de darle alegrías y la mayor que se le podía dar era festejar su poesía, en recitales, happening o ediciones. Cuando hablaba con él, me decía que estaba escribiendo. Yo creo que no, pero le ilusionaba comentarlo y mostrarse activo.

A raíz de la edición de Editorial Elvira, Évame, Vigo 2013, Yurihito Otsuki tomó contacto con su obra y como buen catador de poesía, quedó seducido con la antología. La leyó y releyó y comentamos hasta donde es posible debatir esa fuerza de la naturaleza, de la inteligencia y el canto lírico. Teníamos entre manos Visiones de la poesía, traducciones al japonés de varios poetas iberoamericanos y pintura de Otsuki y eso me llevó al atrevimiento de pedirle a Yurihito que tradujera a su lengua un poema de Oroza para hacerle un presente al autor de Cabalum. 

La poesía de Carlos Oroza, por sus características formales y rítmicas, por el mundo que desarrolla y por léxico propio, por su encarnación en la oralidad, es muy compleja para traducir a otras lenguas con decoro y éxito. Hay traducción al inglés y no me atrevería a proclamar sus bondades. Yurihito se metió de lleno en su mundo y en lugar de un solo poema, seleccionó una buena parte de América y la vertió al japonés, acompañándola de imágenes propias originales, pinturas y dibujos, alusivos al canto oroziano. 

 Así se fraguó la edición América, Carlos Oroza y Yurihito Otsuki, Del Centro Editores & Nagai Garou, Madrid-Tokyo, 2015, preciosa propuesta artesanal impresa  a chorro de tinta, al cuidado de Claudio Pérez, con 57 ejemplares, que eran los años que cumplía el pintor. Está firmada por ambos autores y Carlos la saboreó y celebró. 

Aun recuerdo, en la terraza de un bar de Vigo, como miraba y acariciaba esas páginas Oroza y, ante nuestra presencia y la de Francesca, como le pedía a Yurihito que recitara sus poemas en japonés. Y el Sr. Otsuki, solemne y ceremonial, como requería la ocasión, declamaba en su lengua madre gesticulando, ante el asombro de Carlos, que exclamaba: ¡Qué bien suena en esa lengua mágica oriental mi poesía!

Este fue el último libro que hizo en vida Carlos Oroza, y lo pudo disfrutar, unos meses antes de fallecer, el 20 de noviembre de 2015 en Vigo. Era imprescindible recordar este encuentro para situar la obra que integra esta exposición, que el autor ha titulado con un hermoso verso de Oroza: En los límites la lucidez, del poema “La palabra me devuelve al origen y nos da el remoto placer de la rosa en vocablos”.

La Editorial Elvira, en colaboración con la Xunta de Galicia y otras instituciones, ha programado una serie de actos para honrar el centenario del nacimiento del poeta. Y en ese marco era razonable y oportuno mostrar las obras que le ha dedicado el pintor japonés, ya retratos del poeta ya figuras alusivas a su simbolismo. Todas inéditas realizadas tras su desaparición, en el último lustro.

Yurihito Otsuki, Wakoshi 1968, estudia danza y música, incidiendo en la relación del cuerpo con el movimiento y el ritmo. A los diecisiete años dibuja fervoroso con mano de seda, como se puede contrastar en algunas de sus obras en el Museo Ooka. Comienza su carrera profesional dando clases a niños autistas y a otros con síndrome de down. Y desde ese ostugo dolorido del espíritu se apasiona por la poesía, reverdeciendo su torrencial rebeldía a la costumbre y al deterioro creativo.

Así, decide abandonar país y familia, en un rapto romántico muy existencial. En un inicio pretende ir a Rusia, pero conoce el viaje de los Mensajeros de Tenshyo, conjunto de samuráis cristianos que apostaron por visitar a Felipe II, en el Escorial, en 1584, y le parece más sugerente. Estando en ello, recuerda la naturaleza del abuelo de Hans Castorp, “ascético, noble, pero taciturno”, como imagina a El Escorial, Thomas Mann.

Y sin más preámbulos, vende todas sus pertenencias y se embarca hacia un país lejano y desconocido, ignorando el idioma, llegando a Madrid, 1986, y luego a El Escorial, donde vive desde 1990.  A partir de su ubicación sanlorentina, se dedica a pintar y a exponer, centrándose poco a poco en la pintura y la poesía, ya sea traduciéndola o recreándola en imágenes. Así ha sido su desarrollo existencial, visto a grandes zancadas.

 Otsuki, que los japoneses pronuncian “Ostki”, proviene del temblor armónico de inmensas bandadas de oropéndolas, amarillas como una explosión de fuego y de limones, que se posan en un paisaje de cerezos en flor para organar, como prefería Berceo. En un principio tuvo más amores, pero con el epitalamio del corazón y del espliego se fue centrando en el miajón del simbolismo, donde canta Poe, Blake, Maeterlinck, iluminados por Odilón Redon y el onirismo de Albert Pinkham Ryder.  

Y todo ese bagaje unido al bosque galaico y al mar de Oroza han dado este imaginario orgiástico y nefelibata donde los ojos hablan, los poetas legislan y la mar océana pone la transparencia, la fuerza y la almáciga del porvenir. No es una pintura a la moda, sino con marchamo personal, con carácter. Cuando el arte se hace versátil, es decir, vale para todo, acaba no siendo arte y no sirviendo para nada.

Yurihito Otsuki es un ser ajeno a la mediocridad ambiente, no hace lo que se lleva, sino que fija su realidad, genuina y distinta, y se entrega a matizar sus perfiles, sus movimientos y sus sonidos. Y eso es lo que le une a Oroza, un ser en su mundo, en lejanía a toda codicia y toda venalidad, entregado al canto sin remisión y sin pecado, inocente, imbele y etéreo como aquel albatros de espuma que inmortalizó Baudelaire. 

Retratos de Oroza, condecorado de musgo y heridas, exornado de mágicos símbolos y megueces del viento, observados por barcos iniciáticos, sirenas y puentes que sirven para caminar en el aire sin precipitarse al abismo.  Y está Edgar Poe anunciando a Mallarmé y un mundo nuevo. Y Maeterlinck con su pájaro azul, su Nobel y su castillo, donde se oía una flauta de sonidos arcanos y magnéticos. Manos que crecen del agua, rosas, princesas, Kafka; Annabel Lee, cisnes y alas a punto de batir, druidas, princesas y música del vuelo de las aves y pájaros que inventa epinicios y cromías que aletean.

Carlos Oroza es el heredero de los bardos celtas, trovador de misterios y armonías que florecieron en la Provenza de los trovadores, el arcángel que toca la cítara con su voz cuando salmodia. Fue un poeta oral, total, leal, cenital, cuya fuerza estaba en la dimensión de su figura. Cuando recitaba era un sonido, que contenía a un tiempo la viola, la cítola, el arpa, la rota, el albogue, la trompa, la gaita y el atabal, como un himno a la claridad de la inteligencia, una llamada a la proceridad del espíritu. 

¿Cómo representar todo esto en imágenes y signos? Como hace el Sr. “Ostki”, con figuras y colores, con imaginación y talento plástico, con viveza y hondura, con un idiolecto, que pareciera fuera del tiempo, porque es distinto, es tiempo asumido y real; no surrealismo, sino simbolismo, que anhela verdades universales, el matrimonio consumado de la espiritualidad y los sueños, de lo invisible visible. 

No realismo, no abstracción, no naturalismo, sino el estero glorioso de una imaginación transformadora, la serena tempestad de iconos que ahorman una realidad; vida trasegada de batallas ganadas y perdidas. En esta plástica se imbrican una sensibilidad prístina, la agilidad de la inteligencia y la hondura de un sentimiento ennoblecido. 

Un simbolismo más cercano de Rimbaud que de Gustave Klimt, más querencioso de El Bosco que del hermetismo, más nítido que el de Mallarmé. A veces, Oroza fue el camínate contemplando un mar de nubes, viendo la realidad, que nadie quiere contemplar, porque los poetas tienen menos crédito que los embaucadores y los pintores menos fortuna que los copistas. 

Piezas repujadas al acrílico, habitadas, exergónicas; técnicas mixtas en las que participa el carboncillo, el lápiz, el dibujo, el color, el silencio y la voz más íntima y fiel del pintor. Obras equilibradas de símbolos, donde el espacio es una cartografía de percepciones y sensaciones combinadas, donde se toca la pasión y el sueño.

Todos los seres tienen derecho a expresar su intimidad por más libre que sea. Pero no todos son capaces de consagrarse a la defensa de la libertad, a sajelar sones y tonos para expresar su otredad, el meollo de su limpidez y su inocencia. La poesía no se debe sino a ella misma y eso está ejemplificado, con calántica luminosa en la obra augural y seminal de Carlos Oroza, a quien celebra con ahínco de admiración y entusiasmo la pintura de Yurihito Otsuki. Aquí en Galicia, donde comenzó todo para Oroza; en el norte, en su tierra donde hay un mar más alto que el cielo. 

Continuando con los webinar organizados conjuntamente por diversas secciones nacionales de AICA, este año presentamos en colaboración con AICA Portugal y AICA Cataluña un foro participativo sobre crítica de arte en la Península Ibérica. Para la sesión inicial, que se celebrará el próximo miércoles 8 de noviembre de 2023, dedicaremos un homenaje a tres grandes referentes de la crítica de arte (Antonio Bonet Correa, José Corredor Matheos y José-Augusto França) fundadores y/o primeros grandes protagonistas de las secciones nacionales de AICA en España, Portugal y Cataluña, que serán presentados en por ponentes que han tenido una especial relación con ellos y conocen bien su trayectoria: Beatriz Blasco Esquivias, Alex Mitrani y Miguel Figueira de Faria. Este primer encuentro online servirá también para presentar o avanzar el repositorio que cada una de las secciones está preparando para ofrecer un nuevo espacio/archivo digital que recoja la documentación de los grandes personajes de la crítica de arte de cada una de las secciones implicadas. Un foro ibérico de investigación y conocimiento al alcance de todos los asociados y en general a profesionales y académicos implicados en la crítica de arte.

Miércoles 8 de noviembre de 2023. 18-20 h. (hora España). 

Inscripción en: aicainternacional.webinar@gmail.com indicando nombre, apellidos y evento (Webinar Referentes de la Crítica de Arte) para recibir el enlace a la sesión.

En el panorama artístico latinoamericano, las bienales representan un evento de modernización e internacionalización. El primero apareció en 1951. y fue la Bienal de Sao Paulo, Brasil. Hoy la bienal sigue siendo un acontecimiento importante en el país y en la región para la escena contemporánea y para el campo de la crítica de arte. Por ello, la Regional de AICA América Latina y el Caribe ha organizado tres webinarios sobre el impacto de las bienales del arte. El segundo de ellos tendrá lugar el martes 31 de octubre a las 5 pm (Hora de Sao Paulo, Brasil).

Regístrense hoy mismo al correo: aicainternational.webinar@gmail.com

El pasado viernes 16 de julio se inauguró en el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante la segunda exposición del legado Jenkins/Romero, Moving forward, Looking back – Avanzando, mirando atrás, que reúne, hasta el 24 de septiembre, el trabajo de cincuenta y ocho artistas de diferentes nacionalidades, trabajando en diversos medios artísticos y trazando un equilibrio igualitario entre mujeres y hombres artistas. 

El día anterior, jueves 15 de junio, tuvo lugar la presentación a los medios, como la presencia del alcalde, Luis Barcala; el concejal de Cultura, Antonio Manresa, junto a la conservadora del MACA, Rosa Castells y el coleccionista Javier Romero. Barcala recalcó el eterno agradecimiento a los donantes “porque damos un salto cualitativo como ciudad con esta colección que es infinita». Por su parte, el alcalde recordó que » esta ciudad se ha marcado como objetivo poner la cultura en la vanguardia con nuevos recintos con el complejo de Harineras o la Casa de Socorro que, junto a la próxima ampliación del MACA, supondrá una superficie expositiva que nos permitirá potenciar, aún más, los espacios culturales». Rosa Castells señaló que “ha sido un trabajo excitante seleccionar de nuevo una serie de obras de esta variada colección. Siempre supone un reto expositivo configurar un guion, un montaje y una lectura que permita comprender la complejidad del arte contemporáneo: la variedad de lenguajes artísticos, los planteamientos formales o conceptuales, las temáticas y narraciones que partiendo de la realidad los artistas han venido explorando o denunciando en el contexto social y político… Y es que tras esta exposición el arte estimula el pensamiento crítico. Y el museo, el MACA, permite de nuevo reflexionar sobre la realidad circundante: que las teorías feministas, los presupuestos postcoloniales, la construcción de las identidades sexuales, la ecología, la distribución de la riqueza o el acceso democrático a la cultura… entre en sus salas y sean temáticas abordadas desde la institución contemporánea”.

El coleccionista Javier Romero quiso agradecer especialmente a Rosa Castells y todo el equipo del museo el trabajo llevado a cabo para hacer realidad este proyecto. “Reflexionando sobre el pasado más reciente -afirmó Romero- parece increíble que los complejos trámites para formalizar y hacer oficial la donación, la coordinación del transporte de las obras desde Nueva York, la recepción de las mismas en el museo, su inventariado y almacenaje, la preparación de la primera exposición y su inauguración, pudiera tener lugar todo ello aun en plena pandemia. Creo que podemos estar felices de ese trabajo. Y ahora, de esta segunda exposición con obras seleccionadas de la colección que Michael y yo donamos al MACA. Al coleccionar y realizar esta donación, Michael y yo sentimos que nuestra responsabilidad ha sido la de preservar estos trabajos, y compartirlos, con el deseo de contribuir al enriquecimiento del patrimonio artístico del museo y de la ciudad de Alicante, y también convencidos de lo poderoso y sutil a la vez que puede ser el efecto transformador del arte”.

La exposición aborda planteamientos que pueden aplicarse por igual al trabajo artístico, a la labor de las instituciones dedicadas al arte contemporáneo y también, a la tarea como coleccionistas de Michael y Javier, quienes consideran la relevancia de testimoniar el presente, pero entendiendo la necesidad de mantener la vista en el pasado para construir y comprender el momento actual y también para vislumbrar el futuro.

Conocer el pasado artístico es fundamental para contar lo que sucede hoy en arte. Ese conocimiento permite contar la historia del arte no como episodios aislados, sino interconectados, siguiendo el rastro de lo que acontece, buscando las semillas iniciales y los entrelazados, con el fin de completar una lectura más precisa de la compleja y extensísima producción artística contemporánea. Para muchos artistas, el trabajo en el estudio es una tarea que viene acompañada de forma continua por revisiones y análisis del trabajo previo, de lo hecho antes, como un impulso a su vez de nuevas ideas. Una mirada atrás que, a menudo, no se limita al trabajo propio, sino también al trabajo de otros artistas como fuente de inspiración.

En esta exposición conviven obras de artistas consagrados o de generaciones distintas buscando así los inicios de unas prácticas o ideas que no siempre surgen de forma nueva y sin sustento, ya que el trabajo de numerosos artistas actuales se enraíza a menudo en la obra de los predecesores, que a su vez también miraron atrás (para entenderlo, copiarlo, seguirlo, transformarlo o atacarlo y negarlo). Y esa mirada hacia atrás no impide, sino que impulsa el registro de lo rabiosamente presente y permite imaginar algunas de las propuestas futuras o de los caminos que el propio arte y los artistas abren.

La selección de trabajos mostrados aquí nos permite también ampliar nuestro conocimiento sobre las múltiples investigaciones estéticas y formales que existen en el arte contemporáneo, así como hacia las investigaciones que se adentran y reflexionan sobre muy diversos asuntos urgentes de nuestra realidad, en lo social y lo político.

La presente muestra cuenta con obra de los siguientes artistas: Josef Albers, Rosana Antolí, Lutz Bacher, Burt Barr, Pablo Bellot, Mira Bernabeu, Mark Bradford, Tania Bruguera, Bureau, Pepe Calvo, Vija Celmins, Eugenio Dittborn, Harold Edgertorn, Steven Evans, Cayetano Ferrández, Nuria Fuster, Ellen Gallagher,Iluminada García Torres, John Giorno, Group Material, Susana Guerrero, Josephine Halvorson, Kribi Heral, Arturo Herrera, Carmen Herrera, Leslie Hewitt, Jenny Holzer, Graciela Iturbide,Barbara Kruger, Sol Lewit, Richard Long, Sol Lewitt, Richard Long, Agnes Martin, Marlene Mccarty, Josiah Mcelheny, Rosell Meseguer, Donald Moffet, Mariko Mori, Vik Muniz, Óscar Muñoz, Wangechi Mutu, Bruce Nauman, Gabriel Orozco, Massimo Pisani, Sylvia Plimack Mangold, Kay Rosen, Aura Rosenberg, Dana Schutz, Richard Serra, Andrés Serrano, Shahzia Serrano, Amy Sillman, Haim Steinbach, Thomas Struth, Yuken Teruya, Hank Willis Thomas, Ann Toebbe, Cecilia Vicuña, Kara Walker.

Michael Jenkins y Javier Romero han venido construyendo desde hace 25 años, con gran conocimiento y pasión, una excepcional colección de arte contemporáneo de carácter internacional. Y de forma extremadamente generosa la han donado a este Museo de Arte Contemporáneo de Alicante con el convencimiento de la relevancia que podría tener para Alicante, para el MACA y en el contexto del resto de colecciones de museos de arte contemporáneos españoles.

Escribir una novela de 548 páginas, con lenguaje espléndido, vocabulario feraz, contenido culto, ritmo y denodada búsqueda de belleza es una transgresión, una provocación. una protesta. Es lo que ha hecho Carmen Pallarés -poeta, escritora, ensayista, pintora, cantante de coro y compañera en la crítica de arte, miembro de AECA-, escribiendo contra la precariedad.

El sol azabache de la melancolía, rubro de la novela, es un canto a la amistad, entre un hombre y una mujer, que se desarrolla, obsesivamente, en el marco de la actividad de una residencia para personas discapacitadas: un ambiente duro y exigente. ¡Es llamativo el conocimiento de la autora en tantas opciones materiales y espirituales: medicina, gastronomía, bares, filosofía, poesía, música, canto, helenismo, artes!

¿Acaso no es una oda a la melancolía, una dulce queja de un alma solitaria? Importa el qué, mucho más el cómo. Una palabra para cada sensación y cada impresión en su expresión exacta. ¡Cómo se puede escribir tan bien! Aunque, las cualidades positivas jamás son excesivas: nunca se es demasiado bueno, demasiado culto, demasiado justo, demasiado limpio, demasiado llano. Las negativas, sin embargo, por mínimas que sean, siempre exceden la decencia, la prudencia, la dignidad, la hombría, la limpieza. 

Un pintor y poeta traba amistad con una novelista y tejen un monumento a la amistad, a la fidelidad, a la transparencia a lo largo de una trama misteriosa. Es cine dentro del cine, es decir, se va explicando cómo se hace una novela al tiempo que se va construyendo la novela; una pretendida obra al alimón, pero sólo escriben unas manos.

Quinientas cuarenta y ocho páginas trufadas de citas y acápites de Jenófanes, Eurípides, Aristóteles, Homero, Plutarco, Alceo, Sófocles, Empédocles, Arquíloco, Anacreonte de Teos, Safo, Pitágoras, Hipócrates, Orfeo, Platón, Alceo, Teognis de Megara, Epicteto, Hesíodo o Esquilo, el majestuoso poeta que hizo florecer la pintura de Francis Bacon, no es un asunto baladí.

La Ilíada, la mitología griega, amén de los románticos de toda laya y condición, de los fundadores de la poesía moderna. Y no digamos nada de los compositores, en especial lo más monumentales. Y pintores y dibujantes. Carmen no puede disimular sus dotes plásticas, ni sus conocimientos de técnica y de historia del arte universal, su pasión armónica y mélica.

El sol azabache de la melancolía es un alegato descomunal, perfecto, insistente, contra la barbarie que nos rige y atosiga, contra la deshumanización. Más allá de una novela de tesis, Pallarés ha escrito una confesión: natural, fluida, sin el objetivo de una Anábasis.

El título da para un libro: El sol azabache de la melancolía. Cuarto verso, primer cuarteto del soneto, Desdichado, de Gérard de Nerval. En 1854, Nerval publica Les filles du feu, con un apéndice, Les Chimères, donde está soneto Desdichado, así en español. Desde su tiempo, influyente como no podemos imaginar. Y T. S. Eliot en su Tierra Baldía – Tierra Agostada, como prefiere Ricardo Silva Santisteban, en el verso 429, introduce: Le prince d’ Aquitaine à la tour abolie, segundo verso del primer cuarteto del mencionado famosísimo soneto nervaliano.

En traducción de Alejandro Bekes, el primer cuarteto: 

                                       Yo soy el Tenebroso, el viudo inconsolado

                                       De la Torre Aquitana señor sin dinastía.

                                       Mi única estrella ha muerto; mi laúd constelado

                                      lleva en si el negro sol de la melancolía.

Ese soneto, prestidigitador de sueños y emociones, ha sido traducido a nuestra lengua por Octavio Paz, hasta en tres versiones; también por Xavier Villaurrutia, Juan José Arreola, Salvador Elizondo, José Emilio Pacheco, Tomás Segovia…

No es la única ocasión en que Nerval, pseudónimo de Gérard Labrunie (1808-1855), aquel que dijo antes que Rimbaud Je suis autre, lúcido y loco, vividor y suicida, recurre a esa metáfora. En Voyage en Orient, 1851, aclara: “El sol negro de la melancolía, que derrama sus rayos oscuros sobre la frente del ángel soñador de Alberto Durero, se levanta también a veces en las llanuras luminosas del Nilo”. 

Carmen Pallarés, en ese cosmos precario y de encuentros atrabiliarios, disecciona la anatomía de la melancolía, un sol negro, que pesa en nuestras alas, impidiendo el vuelo. Lo que pretende ser luminoso, acaba siempre en tenebrosa noche, con nubarrones y ventoleras oscuras, con sufrimientos y huidas, en una prosa triunfal, que transcurre como el agua de un riachuelo, cristalina y burbujeante.

Varios personajes dejan su ámbito de confort y se entregan a una vida alejada de sus intereses, que acaba haciéndolos otros. ¿Seríamos los demás capaces de tal hazaña? Algunos sólo ejercen un trabajo alimentario. Hay muchas situaciones que me recuerdan la poesía doliente de Miltos Sachtouris, la música de Schönberg, el viaje del Alighieri.  Análisis de una amistad, que termina en suceso: una desaparición enigmática, intrigante.

La lectura no es fácil, pero cuando acaba, nos produce una especie de orfandad, porque querríamos seguir sabiendo más de estos seres, tan separados y tan unidos: Pavel Vidal y Margarita, Margot o Maló. Digamos los protagonistas, aunque el protagonismo es de esa residencia de pacientes y sus cientos de historias. Para mí, el leitmotiv por excelencia de esta novela, Abedul Ediciones 2022, es su escritura, cómo están repujadas las frases, cómo están ubicadas las palabras, cómo están esculpidos los sentimientos.

Carmen Pallarés escribe trazando el mapa sutil de una melodía azul de Dylan. Entre sus libros de poemas: La llave de grafito, ABBA, Caravanserai, Luces de travesía, Esgrima, Partitura adelante, Camino de mi palacio…Colecciones de cuentos y ensayos sobre arte, uno magnífico a cerca de la obra de Marta Iglesias, Un reino nítido. 

Para Georg Trakl, la vida del hombre no es más que un peregrinaje que finaliza con la muerte. Aquí vemos parte de ese viaje de muchas almas privadas de destino -otra idea de Trakl-, a través del instrumento de la melancolía que aboceta con solercia el crepúsculo de tantas almas. La melancolía también es una herramienta de conocimiento.

En El sol azabache de la melancolía – ¿podría considerarse una historia de amor perdida? –, se purifican las almas, se sajelan los espíritus, a través de la actitud y la decisión de personajes, que se entregan, solidarios, a cambio de estar bien consigo. 

En los talleres creativos a los que se alude en la novela, se discute la idea de Beuys, y se matiza: todos podemos ser creativos, no todos somos artistas. No hay arte sin creatividad, pero no toda creatividad es arte. Novela atípica, no tópica, que nos relata sensaciones y nos hace vivir emociones con una extrema elegancia, de estilo, de ambiente, de finalidad. 

CUVO Festival de Videoarte llega a su séptima edición con una selección especial de propuestas de producción audiovisual a nivel nacional e internacional, desde un punto de vista novedoso y divulgador que busca propiciar la difusión didáctica del lenguaje vídeoartístico. A tal fin, se ha tenido en cuenta que la muestra represente la mayor diversidad de lenguajes posibles dentro del amplio arco de la videocreación. Asimismo, en esta edición, como en las anteriores, el festival procura la mayor itinerancia posible, con el objetivo de otorgar visibilidad y relevancia a las obras seleccionadas y los artistas y colectivos que las han realizado.

Organizado por InvestigaciónyArte, bajo la dirección de Alfonso González Calero y el comisariado de Carlos Barrantes, el Festival se presenta este próximo 2 de junio en el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara.

Para la ocasión, el festival itinerante de videoarte CUVO expone ocho de las más recientes y novedosas creaciones contemporáneas del medio audiovisual a nivel internacional. Desde el comisariado han querido centrar esta séptima edición en el pensamiento del filósofo surcoreano Byung-Chul Han y, muy especialmente, en su concepto de la sociedad paliativa. Bajo el título [An]Extasiados se presentan ocho obras que abordan desde diferentes ángulos y tipologías el tema propuesto. En esta ocasión, los videoartistas seleccionados reflexionan sobre la problemática que supone la gestión del dolor en el presente.

La exhibición del videoarte en CUVO se plantea como un recorrido accesible e instructivo que presenta los distintos lenguajes, tanto artísticos como filosóficos, de esta forma de arte no tan nueva (pues tiene más de un siglo de existencia) pero que sigue percibiéndose como innovadora, en parte por las múltiples posibilidades de desarrollo que ofrece gracias a las mejoras técnicas que se suceden año tras año. Así, parten de un análisis técnico y de contenido de las obras presentadas que se ofrece a través de diversos materiales informativos y didácticos (fichas de las obras, paneles informativos…) y abren la posibilidad de que se genere un debate crítico bien fundado a partir de la opinión de los visitantes que pueden confrontar sus propios juicios y opiniones con el desarrollo teórico del equipo de comisariado acerca de qué es o qué significan las obras expuestas.

CUVO apuesta por desvelar las razones del videoarte, además de ser un espacio de actualidad artística, didáctico y abierto al debate. El objetivo es ofrecer interpretaciones acerca de una diversidad de tipos dentro de la disciplina, y con ello motivar la reflexión sobre las nuevas experiencias creativas. Esperamos que deseen apostar, para sus instalaciones y espacio públicos, por esta nueva fórmula de festival que es a la vez encuentro entre especialistas y alumnado, artistas y público en general. Arte del siglo XXI para público y espacios del siglo XXI.

Ficha técnica

El pasado sábado 20 de mayo abría sus puertas el nuevo espacio de arte Tamara Kreisler Gallery, en el 6 de la calle Hermanos Álvarez Quintero. Han pasado 8 años desde que iniciara su andadura con la galería online kreislerart.com y por fin ahora ha llegado el momento de abrir una sede física. Un proyecto muy meditado y cargado de ilusión y trabajo que se añade al rico panorama artístico de la ciudad de Madrid.

Página en blanco es la primera exposición, que inaugura el espacio, en la que se presentan obras de Pedro Peña Gil, María Luisa de Mendoza, Carla Querejeta Roca, Lalo Cruces, Miguel Vallinas, Marina Gadea y Cesar Barrio.

Abierta hasta este sábado 27 de mayo, la clausura contará con la presencia de los artistas y dará paso a la nueva exposición que abrirá sus puertas el 1 de junio The Day May Break, Chapter One And Two, del fotógrafo Nick Brandt dentro del marco del Festival PhotoEspaña 2023, que estará expuesta hasta finales de julio.

Será la primera vez que se exhiban en Madrid fotografías de Nick Brandt, uno de los fotógrafos más influyentes de nuestro tiempo, conocido por sus poderosas imágenes en blanco y negro que transmiten el impacto devastador de la destrucción ambiental y el cambio climático en nuestro planeta.

Organizado en la Université Bretagne Sud y bajo la coordinación de Guillermo Juberías, el próximo 16 de mayo se celebra el Seminario Internacional À la frontière entre texte et image. La critique d’art dans le contexte franco-espagnol (XIX-XX siècles).

Desde sus orígenes en el siglo XVIII, la crítica de arte ha constituido un producto híbrido, a caballo entre los textos literarios, periodísticos y académicos. Su desarrollo fue paralelo al de la historia del arte como disciplina, compartiendo con ella una de sus problemáticas sustanciales: la falta de definición tanto en la forma como en el sujeto de estudio. En los años 50 del siglo XX, Rafael Santos Torroellas verbalizaba estas cuestiones citando como principales dilemas su indeterminación como género literario, el debate sobre la contemporaneidad del objeto artístico de análisis o la participación o no de la crítica en la creación contemporánea. Todos estos asuntos vistos como obstáculos por los críticos de arte del siglo pasado son en realidad un campo de estudio de gran interés para la literatura y la historia del arte de la contemporaneidad.

La crítica de arte no sólo ha conseguido atravesar la frontera entre géneros, sino que, en ocasiones, también se ha situado en un espacio fronterizo físico. En este sentido, la crítica constituye un interesante campo de estudio como fenómeno transnacional, abordando el contexto artístico franco-español desde diferentes perspectivas y, sobre todo, comprendiendo este género como un testimonio de la recepción en Francia del arte español y viceversa. Por una parte, hay que analizar la labor de ciertos críticos franceses que escribieron sobre el arte de España, contribuyendo a la construcción de una visión francesa del arte español. Fenómeno inverso sería la presencia de los críticos españoles en las grandes exposiciones del país vecino, testigos de la evolución de los modernos movimientos del siglo XIX y de la irrupción de las vanguardias, siendo responsables, en buena medida, de su eco en España. Un caso de estudio más concreto sería el de la crítica en aquellas exposiciones organizadas en colaboración entre los dos países, véanse las dos exposiciones hispano-francesas de Zaragoza, de 1908 y 1919. La continuidad de este fenómeno se aprecia en las críticas de arte escritas por los exiliados en Francia en los años 40, cuando la frontera se materializa como confín del destierro. Finalmente, es necesario poner en relación esta crítica de las artes plásticas con la crítica de otros fenómenos, algunos efímeros, como fueron las artes del espectáculo o con la cultura de masas, como la fotografía o el audiovisual, fundamentales para comprender las relaciones artísticas y estéticas entre Francia y España.

Programa Seminario Imagen y letra en la frontera: la crítica de arte en el contexto franco-español (siglos XIX y XX)

Con el título “Imperfecciones”, el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara acoge las últimas creaciones de la artista Lola Díaz Santos (1957).  Inaugurada el 3 de marzo, la muestra estará abierta hasta el 30 de abril. En el acto de apertura, el director del museo Pedro Pradillo, el comisario de la exposición Alfonso González-Calero, director de Investigación y Arte y crítico de arte, y la concejala de cultura Riansares Serrano expresaron la importancia de la muestra y su pertinente adecuación a este espacio museístico.  Asimismo, la propia artista evocó la razón y el sentido de sus obras, e invitó a la numerosa asistencia a contemplarlas y a descubrirlas, aludiendo a una sugerente cita de Leonard Cohen sobre las grietas: son como heridas por donde penetra la luz. Es decir, confianza en lo positivo, como se cita en el catálogo “… de lo supuestamente imperfecto y oscuro puede nacer la ilusión, la inspiración”. 

El catálogo de la exposición, además del CV de la artista e imágenes de las obras expuestas, contiene los textos, del comisario de la exposición Alfonso González-Calero y de la que aquí escribe, de los que se extraen algunos párrafos. 

Las creaciones de Lola Díaz, que fue alumna de Concha Gutiérrez Navas, son ejemplo de las tendencias geométricas aunadas con el Expresionismo Abstracto, o el Informalismo europeo, como puede descubrirse también en esos sutiles dibujos, gestos, que aparecen casi de refilón, resguardados en espacios rectangulares de metacrilato, o entre los cortes a los que somete al papel en sus grabados. La geometría y el ánimo, según Alfonso González-Calero, han sido los dos pilares impulsores de proyección de los deseos de la artista, “ser sencillo y directo, a la par que exuberante, contundente y resolutivo… Esa búsqueda de la luz atravesando la materia es tan primigenia como recurrente en el desarrollo plástico, baste recordar los vitrales góticos, pero Lola Díaz Santos ha encontrado su manera laica y coetánea de expresarlo con geometría y talento”.

Lo expresivo y lo racional se aúnan pues. “El gesto sentimental se alía con la recta y con la geometría, o la pintura se transmuta en escultura, y viceversa (…) El espacio, la luz, el color o la ranura son elementos plásticos esenciales en sus creaciones, e igual ocurre con el uso preferente de materiales refinados, entre los que sobresale el metacrilato. Investiga con los diversos formatos: cajas de luz, columnas que llama construcciones verticales, construcciones en horizontal, y además compone trípticos y polípticos”. “Sus “Imperfecciones” son exquisitas piezas, realizadas con celo y amor”. “… Frente a los materiales rudos y casuales de los ensamblajes, los utilizados por esta artista son delicados y sus creaciones bien pulidas y acabadas, sin dejar nada al azar”.

Finalmente destacar ese otro aspecto interactivo que requiere la participación del público, pues Alfonso González-Calero propone un reto, otro juego, contestar a la pregunta a través de un QR: ¿Qué sientes cuando piensas en la perfección? “La búsqueda de un fin en sí mismo, el placer funcional, el acto en libertad, la intuición, y, sobre todo, como en todo juego la seriedad de querer resolver el enigma”.

La 42ª edición de ARCO se ha caracterizado por la consolidación de la participación de galerías internacionales, objetivo de su directora, Maribel López, desde que entró para llevar las riendas de la feria el año pasado.

Antes de entrar en datos más exactos y análisis más pormenorizados, la impresión general que ha causado esta edición es un aumento muy considerable de visitantes, la presencia de artistas no habituales con propuestas muy interesantes de gran calidad, y un aumento en los distintivos de compra por parte de instituciones. Asistencia de coleccionistas extranjeros, animados tras superar todas las restricciones de la pandemia, y muchos famosos nacionales paseando por los pabellones.

Datos de asistencia

Se ha pasado, según fuentes de la organización, de los 75 000 visitantes del pasado año, a los 95 000, entre los que se encontraban alrededor de 38 000 profesionales. Se notaba y mucho la afluencia de público, especialmente a partir del viernes por la tarde, con colas en la entrada y la incomodidad que conlleva, que fue en aumento durante todo el fin de semana.

En cuanto a las galerías, se ha pasado de 185 a 211, y su procedencia de 30 a 36, de los que han sobresalido las galerías berlinesas que ya despuntaban en la anterior edición. El balance de sus ventas ha sido muy positivo, especialmente el de la galería Guillermo de Osma a la que han comprado varias fundaciones importantes (María Cristina MasaveuPatterson, Helga de Alvear y Aldo Rubio). Hay que destacar la inversión de 400 000 euros llevada a cabo por el Ministerio de Cultura para incorporar 26 obras de 18 artistas a los fondos del Museo Reina Sofía. La Fundación ARCO se ha decantado por las galerías extranjeras. El Ayuntamiento de Madrid ha destinado 226 000 euros de su presupuesto, el mayor de los últimos años en la feria, a la compra de obra de 6 artistas españoles: María Moreno, Manuel Barbadillo, Nacho Criado, Eusebio Sempere, Concha Jerez y Asunción Molinos. Además de las ya citadas, han invertido en arte: Comunidad de Madrid, TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Fundación María José Jove, SOLO y DKV Seguros.

Premios

Los prestigiosos premios de nuestra asociación, que se entregan desde 1995, han reconocido como Mejor Galería a Elvira González, premio que fue entregado por el ministro de Cultura, Miquel Iceta, y nuestro presidente, Miguel Ángel Chaves. También fueron entregados en cada galería representante de los artistas el de Mejor Artista Internacional, a Carlos Bunga, en la galería lisboeta Vera Cortés, y el de Mejor Artista Nacional a Guillermo Pérez Villalta, merecidísimo reconocimiento del que, sin duda, los asociados que ha votado han tenido en cuenta su larguísima trayectoria artística, que recogió el director de Fernández-Braso.

Otras instituciones y empresas de ámbito nacional e internacional también han entregado sus premios. La galería portuguesa Monitor, con obra de Lucia Cantò y Elisa Montessori, recibió el Premio Lexus al Mejor Stand, y la galería HOA, de São Paulo, el IX Premio Opening byAllianz por los artistas Laís Amaral y Ayrson Heráclito.

En la séptima edición del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente fue premiado el artista Alberto Odériz por su obra Si se pareciera a algo, ya no sería el todo. Illy caffèpremió la artista jerezana Cristina Mejías y ARCO-BEEP, de Arte Electrónico, a Evru/Zush y Peter Weibel que pasarán a formar parte de la NewArt collection.

El artista brasileño Zé Carlos García, de la galería Pasto, de Buenos Aires, ganó el I Premio Arte Sostenible Six SensesIbiza, la Colección SOLO otorgó su Premio de Adquisicióna la obra La liberación del mito, de la artista Sandra Vásquez de la Horra y el Premio Catalina d´Anglade fue para Ester Partegàs.

Clásicos y novedades

En las galerías, como es habitual, hay obra de: artistas consagrados como Hockney, Picasso, Miró, Antonio Saura, Tapies, Chillida, etc., que suponen para el coleccionista un valor seguro; y artistas con gran trayectoria que siguen abriéndose camino en este mundo tan complicado para ellos, especialmente en nuestro país, es el caso de Pamen Pereira, Inma Femenía, Aitor Ortiz, Cris Babiloni, y otros muchos.Max Estrella ha vuelto a destacar entre las galerías por su gran calidad y sentido expositivo, además ha tenido el detalle de dedicar en sus paredes un pequeño espacio homenaje al recientemente fallecido director de cine Carlos Saura, con ella también han destacado las galerías españolas:José de la Mano, Espacio Mínimo, Álvaro Alcázar, Cayón, Bombon y Set Espai d’art, y las extranjeras: NeugerriemSchneider (Berlín), Vera Cortés (Lisboa) y Jocelyn Wolff (Romaineville, Francia), entre otras muchas.

En esta edición hay que destacar una iniciativa que ha tenido lugar por primera vez, la reserva de un espacio de 500 metros anexo al pabellón 7, fuera del espacio de galerías, pero accesible únicamente desde dentro de la feria, Art Situations III, en el que se produce un diálogo entre 5 jóvenes artistas emergentes españoles y 5 franceses.

Los espacios de encuentro y foros de expertos han tenido, como habitualmente, un alto nivel. Pero no todo era bueno en ARCO, la exposición El Mediterráneo: un mar redondo, nos ha dejado indiferentes. Más allá de los espacios para descansar, su visita era incómoda y no permitía el lucimiento de los artistas.

“Cuando empecé a hacer cine estaba convencido de que mi primera película, Los golfos, sería la última. ¡Me equivoqué por suerte!”

(Carlos Saura, 1988).

Carlos Saura ha pasado ya a ser historia de nuestra cultura audiovisual tras una trayectoria creativa de casi 7 décadas, desde su primer cortometraje en 1955, Flamenco, a su último documental estrenado en las salas comerciales una semana antes de fallecer, Las paredes hablan (3 de febrero de 2023). Fue en el prestreno al público de este documental en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense donde tuve noticia del delicadísimo estado de salud del genial director. En el salón de actos se reunió parte del equipo que lo acompañó en este último proyecto que se alargó imprevisiblemente con la pandemia de COVID19 y que comentó algunos aspectos de su personalidad, su amor por arte y su carácter generoso, cercano e infatigable.

Carlos Saura siempre iba con su cámara colgada del cuello y, aunque estaba al día en las últimas tecnologías digitales tanto en la captación de la imagen como en el retoque fotográfico, “disparaba” muy pocas veces, únicamente cuando veía algo digno de ser plasmado, manteniendo la meditación que la fotografía analógica proporcionaba antes de la entrada en el siglo XX. Su inagotable curiosidad, la predisposición a aprender y su gran humildad eran señas de su personalidad, como comentó María Puy, directora de producción de Las paredes hablan. 

Las paredes hablan, su última creación

El documental, con guion de José Morillas, se adentra la pintura mural, poniendo en relación el arte rupestre con el grafiti y el street art, para mostrar la esencia humana de la creación artística. El documental ha tenido una ímproba labor de producción que ha conseguido entrar a grabar en cuevas de la Cordillera Cantábrica y Francia, además de en los talleres de Miquel Barceló y Suso33 para entrevistarles sobre su punto de vista a este respecto, y asistir a la elaboración de grafitis y murales exclusivos para el documental. Además de los artistas, también se ha mantenido diálogo con personalidades de la ciencia especializados en prehistoria, arte y gestión cultural. La proyección de ha completado, en algunas sesiones, con rutas guiadas de street art por la ciudad de Madrid, ciclos especiales de arte y reuniones participativas entre el público, artistas y equipo del documental.

Este último prestreno no es más que el cierre de toda una vida dedicada al cine. La dirección de 51 obras audiovisuales ha influido en varias generaciones de espectadores y de profesionales. Toda esta trayectoria creativa y vital transcurre desde mediados del siglo XX, en plena dictadura franquista, con una decidida actitud crítica y búsqueda de cambio desde el séptimo arte que se estaba dando en la literatura y en la renovación plástica, de la que su hermano, Antonio, también formó parte. Si la pintura del grupo El Paso supuso la configuración renovación de la vanguardia de posguerra, Carlos Saura lo fue para el cine, cogiendo el testigo de la genialidad surrealista de Luis Buñuel para transmitirlo a las nuevas generaciones, consiguiendo escalar a nuevas y más altas cimas en este lenguaje audiovisual, cuya obra exige ser analizada desde diversos puntos de vista: literario, ideológico, político, cultural, psicoanalítico, etc. 

Una forma de entender el cine

Saura no fue únicamente innovador en el lenguaje visual, además, centró con cariño su mirada en la historia y tradición populares de nuestro país, convirtiéndose en visionario y, en gran medida, causante de la exportación del flamenco al resto del mundo. Se adentró en personajes históricos, como Lope de Aguirre o San Juan de la Cruz e inventó otros, el director decía aprender de todos ellos acompañándolos en sus aventuras y dejándose llevar por sus personalidades. 

Arremetió especialmente contra los críticos por nuestro “tono profesoral, arrogancia y suficiencia que confiere una profesión que parece indicada para fracasados y advenedizos que adquieren brillo y repentino poder por el hecho de enjuiciar lo que hacen los demás” y contra los psiquiatras por el mal uso que hacían del psicoanálisis. (…) deambular por los lugares y espacios archivados que hay que desempolvar, entresacando lo más sucio para tratar de explicar el actual comportamiento de una persona”, estas declaraciones de 1988 sitúan al artista del lado de las personas alejadas de una normatividad preestablecida, de los estereotipos, pero cercanas a la sencillez popular, a su vez que a la libertad y modernidad. Próximo a los principios noventayochistas en lo social y de la Generación del 27 en los recursos retóricos.

Reconoció en numerosas ocasiones cómo le marcó la Guerra Civil en su infancia, entre los 4 y los 7 años, con recuerdos de bombardeos, las canciones, el hambre, las luces apagadas, los muertos, etc. Violencia y recuerdos que se manifiestan en muchas de sus películas. Comenzó realizando exposiciones fotográficas en Madrid y Cuenca desde 1951 y se unió al grupo Tendencias, entre los que estaban su hermano, Antonio, y Santiago Lagunas con los que hizo colectivas en esos primeros años. Abandonó sus estudios de Ingeniería Industrial y se matriculó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, donde tuvo como compañeros a Mario Camus, Manuel Summers, José Luis Borau, etc., les permitió acceder a las películas del neorrealismo italiano (Rossellini y Fellini), que marcaron el comienzo de sus carreras cinematográficas. 

La ruptura, no solo con el régimen, sino también con la generación protagonizada por Bardem y Berlanga, favoreció su despegue e inicio de una andadura personalísima acorde a su defensa de la libertad y huida de los cánones establecidos. El único referente por el que sentía profunda admiración era la de otro aragonés, Luis Buñuel, del que reconoce haberse sentido impresionado por el documental Tierra sin pan (1932), que fue el punto de partida de sus primeras películas que conectaban con la narrativa neorrealista italiana con el realismo español, como Los golfos (1960), Llanto por un bandido (1963), en la que Buñuel tuvo un pequeño papel como actor, y La caza (1965), que lo catapultó internacionalmente al conseguir el Oso de Plata en el Festival de Berlín y fue el inicio de la colaboración profesional con el productor Elías Querejeta.

La caza fue la primera película que tuvo que enfrentarse a la censura y cambiar su título original, cuestión que provocó el planteamiento a futuro de la utilización de símbolos muy unidos al surrealismo para poder sortearla, así como la utilización de otros recursos que pasan a convertirse en fundamentales, como la música que, además de utilizarla simbólicamente, llevó fama mundial gracias a sus películas a éxitos como: Porque te vas, interpretada por Jeanette, en una de sus películas más conocidas por el gran público, Cría cuervos (1975); Si me das a elegir, de los Chunguitos, los más grandes artistas en Flamenco (1995), desde Paco de Lucía a Rocío Jurado, pasando por Miguel Poveda;; El amor brujo, de Manuel de Falla; y otros compositores clásicos como Mozart o Satie; entre otros.

Etapas de su obra 

Afrontar una crítica de toda la obra de Saura sería una labor titánica que su hijo Antonio resolvió y sintetizó en pocas frases, muy acertadamente, durante la entrega del Goya honorífico a toda su carrera que tuvo lugar al día siguiente de su fallecimiento, relacionando las etapas de su obra con las 4 relaciones sentimentales de su padre:

• Adela Medrano, hasta 1967, relacionada con los inicios de la anteriormente citada etapa neorrealista y realista.
• Geraldine Chaplin, a partir de 1967. Adopta simbología surrealista para engañar a los censores y poder realizar una aguda crítica política y social, que supone la etapa más vanguardista del autor y da a conocerlo internacionalmente. En este periodo la influencia de Buñuel se hace especialmente patente y crea ambientes en los que se mezclan la ensoñación y la realidad. Es también una etapa de descubrimientos en cuanto al elenco, con nuevas caras que catapultó a la fama (como la de la niña Ana Torrent), la presentación de personajes en distintos registros de los habituales, como sacar de la comedia a José Luis López Vázquez, y el trabajo con otros actores como Mónica Randal, Florinda Chico, Paco Rabal, Fernando Rey, por supuesto su pareja en ese momento, Geraldine Chaplin, y un largo etcétera que querían trabajar con el ya reconocido director y del que siempre destacaron el cariño y buen trato que les mostró. Las películas de esta etapa son: Peppermint frappé (1967), Stress es tres tres (1968), La madriguera (1969), El jardín de las delicias (1970), Ana y los lobos (1972), La prima Angélica (1973), Cría cuervos (1975), Elisa vida mía (1976), Los ojos vendados (1976) y Mamá cumple 100 años (1979).
• En la etapa que coincide con su relación con Mercedes Pérez, su esposa entre 1982 y 1993, el flamenco, el cine de temática histórica y algunas películas que pueden incluirse en la Movida madrileña (exaltando las clases marginales y los personajes quinquis), son acogidas con gran éxito con los comienzos de la democracia. Deprisa, deprisa (1980), Bodas de sangre (1981), Dulces horas (1981), Antonieta (1982), Carmen (1983), Los zancos (1984), El amor brujo (1986), El Dorado (1987), La noche oscura (1988), ¡Ay, Carmela! (1990), Sevillanas (1991) y Maratón (1992).
• Eulalia Ramón, estuvo con Saura en las últimas tres décadas de su vida, y motivó un acercamiento a una mayor teatralidad y, en general, a las artes escénicas (maquillaje, escenario, ópera, etc.), a la dedicación al folclore y a la revisión de las vidas de artistas como Goya, Dalí y Buñuel. Eulalia participó en la película ¡Dispara! (1993) y ya no se separó de Carlos hasta su muerte. En este periodo destacan: Pajarico (1997); Goya en Burdeos (1999); Buñuel y la mesa del rey Salomón (2001); Io, Don Giovanni (2009); Jota de Saura (2016); y otros largometrajes, cortometrajes y documentales. 

Carlos Saura ha pasado a la posteridad como uno de los más grandes directores del cine español junto a Luis Buñuel y GarcIa Berlanga. Directores de cine actual reconocen su influencia y alaban su trabajo, como el coreano, Bong Joon-ho, ganador del Óscar y la Palma de Oro por Parásitos (2019), Julia Ducornau (y otros muchos cineastas franceses), o la joven directoria y guionista Carla Simón, por poner tres ejemplos muy actuales. Nos queda un legado que envejece muy bien, del que se pueden hacer interpretaciones y relecturas sin fin, y que forma parte de la cultura española y se prestan como documentos de casi 7 décadas de nuestra historia reciente.

Futuros Fugaces ha sido el lema de la décimo cuarta edición del “Salón de la Crítica”, organizado por la Asociación Murciana de Críticos de Arte (AMUCA) con una exposición en la Sala Imbernón en el Museo del Cristo de la Sangre (Murcia) del 12 al 26 de enero de 2023.

Bajo el comisariado de Mari Trini Sánchez Dato, han presentado sus trabajos un total de siete artistas propuestos por otros tantos miembros de AMUCA: José Hurtado Mena (presentado por José Alberto Bernardeau), María Briones Ballester (presentado por Rodrigo Carreño Río), José Carlos Nievas (presentado por Pedro Alberto Cruz), Priscila Ramal (presentada por Miguel Ángel Hernández), Concha Martínez Montalvo (presentada por Mari Trini Sánchez Dato) y Rosa Cid (presentada por Maribel Úbeda).

Uno de los objetivos que se marcó la Asociación Murciana de Críticos de Arte (AMUCA), desde el mismo momento de su constitución -afirma su presidente Pedro Alberto Cruz en el catálogo de la muestra-, fue la de establecer una relación fluida y activa con los artistas y con la sociedad en la que desarrollamos nuestra labor. Y para ello, se acordó la celebración de una exposición en la que se ofreciera al público el resultado de la colaboración entre artistas y críticos: los llamados Salones de la Crítica. En esta ocasión, Futuros fugaces es el título y bajo él, artistas y críticos presentan sus diferentes visiones, sus distintos supuestos teóricos y de procedimientos, para tratar de acercarse a un problema difícil de resolver: el tiempo por llegar y la respuesta a su efímera duración.

¿Qué futuros imaginamos? ¿Existe aún la posibilidad de un mañana? A pesar del discurso sobre el colapso de la utopía y la desconfianza en el mundo por venir, parece necesario explorar qué es lo que el arte puede hacer para promover la posibilidad de un futuro. Ante una sociedad en crisis y amenaza constante –desastre climático, político, bélico, sanitario–, ¿cuáles son las respuestas y las propuestas del arte? ¿Sigue teniendo el arte un papel en la imaginación política? Se nos escapa el presente, pero también se nos escapará el futuro. El futuro posible, que debe ser pensado y creado ahora.

Este salón de la crítica propone la necesidad de pensar en los modos en los que el arte se relaciona con el mañana. La ciencia ficción, el rescate del pasado, las nuevas formas de relación afectiva, los nuevos relatos… La posibilidad de la esperanza. Aunque también todo lo contrario: la distopía, la catástrofe, la extinción. El arte, en cualquier caso, como termómetro para medir cuáles son los futuros que hoy podemos pensar e imaginar.

Catálogo

Miembro de varios grupos de vanguardia de corta vida, integrado en el colectivo de Artistas españoles en Paris, maestro de la Figuración Crítica, fallecía en París, a los 89 años, el pasado lunes 23 de enero. Pere Pagés, un pintor comprometido con la dignidad y con el arte, con la con la naturaleza y la conciencia; un artista apasionado con su modo de expresión y un hombre cercano, con mucho humor, bromista y tímido, diáfano. Vivió la mayor parte de su vida en París, con escapadas a su manoir de Normandía. 

Como el mismo decía, “de talla Napoleón”, persona frágil y comunicativa, solidario y solitario, simpático, empático, eterno amigo de sus amigos, pero, sobre todo, compañero leal, generoso, noble, colega de la vida. Le conocí al final de los ochenta, en la capital francesa, y desde entonces tuvimos una comunicación fluida y abierta, estando al tanto de su trayectoria. 

Pere Pagés Royo, Barcelona 1934, hijo de compositor, se licencia en Derecho y comienza a trabajar, pero su abuelo pintor ya le había contaminado y acaba dejando todo por le pintura. Se forma a trompicones y empieza a exponer en el Salón de Mayo, 1962. En 1964, muestra su obra en la galería De Gouden Ram de Amberes y el Wildanger de Bruselas. Expone en la Sala Amadís de Madrid y en Jaimes de Barcelona, tras otras muestras en el Ateneo de Madrid y Salamanca, marcha a Francia donde se instala de por vida, desde 1969.

Los primeros años son duros y debe de trabajar en el gabinete de prensa de la Embajada de España y después en el Consulado español. Se va abriéndose espacio en las galerías parisinas con su obra y participa en varias citas internacionales: FIAC, Bilan de l’Art Contemporain en Quebec, Feria Internacional de Nueva York, Salón de la Figuración Crítica de París. En 1977 conoce a Gerard Xuriguera, quien se interesará por su obra de una forma especial; y poco a poco irá consolidando su situación.

Junto con Peinado, Aguayo, Palazuelo, Orlando Pelayo, Clavé, Feito, Subirá-Puig, que fue quien me lo presentó; Vilató, Castellanos, Pradal, Canés, Segovia, Jiménez-Balaguer, Guansé, Valls, Royo, Merche Gómez-Pablos, expuso en distintas ocasiones… Rodríguez Cruells lo identifica con “Una lección de existencialismo mediante la desolada comparación del hombre con la resultante civilización que ahoga y anula a ser humano sensible”.

Con el influjo inicial de Sucre, desde un expresionismo figurativo, derivó hacia una pintura en blanco y negro-exquisita fineza-, para pasar a un paisaje existencialista de muros y suburbios deshumanizado, reflejando la eterna pelea del hombre con su destino. Ante todo, es el retratista de la soledad, lienzos en los que no hay personas o sólo alguna, perfilando un icono del hombre sin atributos, de los barrios desolados propicios a la hostilidad.

Con Rabascall tuvo una buena amistad y en un momento compartieron estética. Pero lo suyo era genuino y en seguida hizo unos guerreros, que tuvieron un éxito extraordinario En otro giro, vuelve a una pintura de estirpe rembrandtiana, con naturalezas muertas y espacios para el disfrute del arte sensual, elegante y áureo. Un pintor que fue reflejando el color de sus vivencias en las telas, un tanto oscuras y soledosas hasta que llegó Fani con la que se casa en 1986.

Sobre su obra escribieron, Cirirci Pellicer, Carlos Areán, Giralt Muracle, Enric Jardí, Xuriguera, Mario Antolín, Quiñonero y yo mismo, en múltiples circunstancias. Tuvo  una gran relación con la galería Le soleil dans la Tête hasta su desaparición e ilustró varios libros, entre ellos, el de “Michel Foucault” con Orlando Pelayo y otros. En 1995 se publicó, en París, Connaître la peinture de Pere Pagés, de Gerard Xuriguera, Editions François Rolín, al que seguirían otras publicaciones individuales o en grupo. 

Está en incontables colecciones privadas. Agustín Rodríguez Sahagún compró y vendió muchas de sus obras y, aunque menos que en el ámbito internacional, expuso en España: Barcelona, Cáceres, Madrid. Su obra está presente en museos de España, Francia, América, Taiwán, Noruega. Campechano, sencillo, le gustaba caricaturizar muchas convenciones sociales, como la prueba del vino a la mesa en un restaurant.

Un pintor español, muy catalán, que supo pronto con qué quería enriquecer su vida y aunque le costó, con etapas duras, acabó en manos de la pintura, acompañado de sus gatos, creando una obra personal, figurativa, existencial, áspera a veces, dominada por un sentimiento del hombre en soledad. Cuando arden las pérdidas no tenemos otro remedio que refugiarnos en la vivido. A pesar de ser su guía en el mundo, Fani Galán se encontrará ahora sin guía. ¡Helas!, Sit tibi terra levis, ubicumque pax tua est, amigo.

“Cada época tiene sus características dominantes, sus ideas propias; buscar las que conciernen a la nuestra es ayudar a situarla con relación a las otras, participar en su definición”

El arte abstracto. Navarro Ramón, 1956.

Hace unos días visité en Madrid, entre otras, la exposición temporal Picasso/Chanel, en el Museo Thyssen, una posibilidad de percibir, apreciar y recorrer la escogida muestra de algunas de sus creaciones de las primeras décadas del siglo XX. Durante mi recorrido, vestidos in situ relacionados con óleos, dibujos y otras piezas destacadas en la exposición entre la moda y la pintura entremezclados con los vínculos personales y profesionales de Gabrielle —Coco— Chanel (1883-1971) y Pablo Picasso (1881-1973). La Exposición organizada con el apoyo de la Comisión Nacional para la Conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Picasso y del Museo Picasso-Paris, aniversario para el que España y Francia han programado diversos eventos y más de cuarenta exposiciones temporales.

En 2023 Joan Miró (1893-1983) también cumple los 130 años de su nacimiento y 40 años de su fallecimiento y, tanto la Fundación Joan Miró Barcelona como la Fundación Pilar i Joan Miró Mallorca, lo celebran día a día desde la investigación, la difusión y otras acciones que permiten descubrir y estudiar el proceso creativo del pintor.

Se preguntarán porqué la conjugación de estas fechas. La idea de vincular a Picasso, Miró y a Juan Navarro Ramón (Altea 1903-Sitges 1989), además de la mención a las conmemoraciones de las efemérides, tiene como base varios puntos. En el Pabellón de la República durante la Exposición Internacional de París de 1937, junto al Guernica de Pablo Picasso y El Segador de Joan Miró, Navarro Ramón expuso el óleo Te vengaremos, obra —a la que el profesor Joan Borja nombró como el Guernica valenciano— que se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña, propiedad del Ministerio de Cultura y Deporte, y que viajó a Altea para formar parte de una de las últimas exposiciones dedicadas a Navarro Ramón, la que en 2018 se celebró en el Palau Altea, organizada por su Ayuntamiento, comisariada por Isabel Martínez Lloret. 

En 2003, año del centenario del nacimiento del pintor alteano, sus sobrinos, María Amparo Vázquez y Javier Barrio Navarro, acudieron al Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil Albert para hablar con la directora del departamento de Arte y Comunicación Visual Eusebio Sempere, cargo que entonces ocupaba quien esto les cuenta, sobre la posibilidad de una exposición conmemorativa del centenario. Traían una carpeta con una importante documentación, algunos catálogos y dos monografías sobre la vida y la obra de Navarro Ramón, la de Carlos Areán (1973) y la de Francesc Rodon (1978). De inmediato despertó mi interés, por lo que quise ver la obra y los visité en Madrid. A partir de ese encuentro, la trayectoria creativa y la obra de Navarro Ramón me siguen atrapando, y en esa admiración se alimenta mi interés para seguir investigando. Actualmente, sobre la mujer en la pintura de Navarro Ramón.

Joaquín Santo (Alicante, 1953-2022) director del IAC Juan Gil Albert en aquel momento, expresaba, en el catálogo que le dedicamos al pintor (2005), que uno de los propósitos del Instituto era “el que tiene que ver con la recuperación y difusión de aquellas figuras consagradas que por diversos motivos no han visto divulgada su obra al nivel que su calidad merece”.  De ahí que el departamento de arte, entre quienes destaco al subdirector de exposiciones Lorenzo Hernández Guardiola (1953-2018), trabajase para hacer realidad la exposición de Juan Navarro Ramón.

La exposición se inauguró el 2 de junio de 2005 en Altea, en el Palau, donde estuvo abierta al público hasta el 23 de julio y, dos meses más tarde, del 4 al 28 de agosto, se presentó la muestra en el Palacio de la Diputación de Alicante. Los mencionados sobrinos donaron dos obras, que forman parte de la colección del Gil Albert y del Mubag. En este Museo presentamos, en mayo del 2009, la actividad Descubre una obra de arte con Magdalena Aguiló Victory, directora de la Fundación Pilar y Joan Miró, quien nos habló sobre la relación de los dos pintores. En su intervención contempló el contexto, la pintura, el tema de la obra Coloquio en la ventana de Juan Navarro Ramón y detalló algunas similitudes biográficas y artísticas con Joan Miró.  

Navarro Ramón ya había donado una serie de obras al Ayuntamiento de Altea que estuvieron expuestas en la “Sala Navarro Ramón” de la primera planta de la Casa de Cultura. Posteriormente, con la inauguración del Espai Expositiu Navarro Ramón (2011) en el Palau Altea, se organizó una exposición con dichas obras y otras cedidas por la familia. También se le dedicó unas jornadas en colaboración con la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Miguel Hernández, en las que participaron destacados ponentes. A todas estas actividades les han seguido otras exposiciones y otros actos.

Cabe señalar la generosidad de Javier Barrio Navarro que cedió al Ayuntamiento de Altea, el 18 de septiembre de 2017, en presencia del profesor Joan Borja, director de la cátedra Enric Valor de la Universidad de Alicante, el archivo de su tío, Juan Navarro Ramón, para inventariar el fondo documental y conservarlo en las instalaciones del Archivo Municipal de Altea, para abrirlo a las consultas de los investigadores, así como digitalizarlo. Ese 18 de septiembre, Jaume Llinares, alcalde de Altea, y Diego Zaragozí, concejal de Cultura, dispusieron una placa conmemorativa en la fachada de la casa donde Navarro Ramón nació y pasó largas temporadas.  Además de las donaciones realizadas por Javier Barrio Navarro en vida; su deseo, y el de María Amparo, ha sido ampliar exponencialmente la colección de Altea con una numerosa donación de obras. 

Navarro Ramón es un pintor con una dilatada e importante trayectoria creativa. En este contexto quiero recoger las palabras de Carlos Areán quien, en el capítulo primero del libro Juan Navarro Ramón (1973), subraya que lo importante “desde su primer éxito internacional del año 1941 en el Palais de la Loge-Marie de la Alcaldía de Perpignan, hasta nuestros días, fueron sus viajes y sus exposiciones”. Y que “la verdadera vida de Navarro Ramón se desarrolló casi siempre por dentro de sí mismo. Sabía que el último ser del hombre es inconmovible y se limitó a compartir con su mujer todas sus vivencias e ilusiones y a realizar su pintura”. Su vida y su trabajo fue la pintura. Para conocer la verdadera dimensión de su obra, además de la obra catalogada, sería necesaria una mayor visibilidad online para poder realizar un catálogo razonado.

Respecto a la obra de Navarro Ramón en museos, la primera documentada fue la del Museo de Arte Moderno de París (Francia). Pero también la encontramos en el Museo de Rosario (Argentina), en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, en la Biblioteca Nacional de Madrid, en el Museo de Bellas Artes de Álava, en la Sala Navarro Ramón del Ayuntamiento de Altea, en el Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert de la Diputación Provincial de Alicante, en el Gabinete de Dibujos de la Real Academia de BB. AA. de San Fernando, en el Museo de Arte contemporáneo de Alicante MACA, en el Museu d´Art Contemporani Vicente Aguilera Cerni, en el  Ayuntamiento de A Coruña, o en la Colección Banco de España. Y en muchas colecciones particulares.

Solo podemos valorar lo que conocemos, y esa es la idea fundamental de este artículo: conocer la trayectoria artística y vital y la obra de Navarro Ramón para poner en valor una figura relevante del patrimonio artístico, cultural e histórico de Alicante. Con las imágenes, los enlaces adjuntos y las publicaciones accesibles en línea y en papel, les proponemos un acercamiento a la vida y la obra de Navarro Ramón.

Publicado en: Hojadellunes.com