Premios AECA en ARCO 2019

Tomás Paredes – AICA Spain / AECA


En la Feria Internacional de ARCO 2019, tras la votación de los miembros de la Asociación Española de Críticos de Arte, que otorga esta distinción, se han concedido los Premios AECA en ARCO, a la Galería José de la Mano, como mejor espacio de esta edición. A César Paternosto, conjunto distinguido de obras de artista internacional y a Luis Vassallo, como más prometedor e interesante artista español joven.

José de la Mano, que da nombre a la Galería José de la Mano, es un experto en dibujo de los ss. XVII y XVIII, y comenzó dedicando su espacio a venta de dibujos. En 2005, varió su oferta y dedicación, abriendo una investigación de los autores españoles en los años de postguerra, cincuenta-sesenta. Y es esa línea, con magníficos hallazgos, la que le ha dado visibilidad en el mundo del mercado del arte. En Claudio Coello realizó importantes aportaciones revelando obra secreta u olvidad de Vallmajó, Luis Feito, Puig Manera, Labra, de la Sota,.

En 2014 se instaló en su ubicación actual, C/ Zorrilla 21, edificio que habitó Azorín, donde ha puesto en valor ciertos nombres y rehabilitado sus obras, en torno al arte concreto, nuevas tecnologías, con muestras extraordinarias como las de Manuel Calvo, Fernando Nuño, Ángel Duarte o la actual de García Miranda.

En ARCO 19 presentaba un stand muy coherente y limpio, bien montado, mostrando el cinetismo español, el concretismo, geometrismo y otros ismos afines con piezas excepcionales de Labra, Lugán, Sobrino, Ángel Duarte, Alfaro.

La Galería Cecilia de Torres, de Nueva York, presentaba en ARCO un stand sobrio, elegante, intenso, magnífico, con obras de César Paternosto, realizadas tras varios viajes a yacimientos arqueológicos de Bolivia y Perú, en los años 1977-92, conectándose en cierta manera con la presencia peruana de ARCO’19.

César Paternosto, La Plata 1931, es hijo de la estética Madi, se instala en Nueva York en 1967, crece como artista y depura su lenguaje. Tras distintas ubicaciones se establece en España, Segovia, realizando exposiciones importantes en el Esteban Vicente, Museo Thysssen y la Galería Guillermo de Osma. Además de otros espacios internacionales. Es uno de los artistas más vistos y más ignorados, porque suya es la realización de la sala de salida de la estación del AVE, en Madrid, aunque tantos lo ignoren.

Luis Vassallo, Madrid 1981, de familia de escultores y

pintores, se licencia en la Complutense, se diploma en Diseño Gráfico y realiza su beca Sócrates-Erasmus en el HIBK de Hamburgo. Expone regularmente con

Espacio Valverde y otros centros institucionales.

Ha realizado varias colectivas y once individuales, en distintas capitales de España. Viene haciendo un trabajo de integración entre los lenguajes de vanguardia y los actuales que resulta muy atractivo y pertinente, con una evidente adhesión emotiva del espectador y los coleccionistas.

Entre los miembros de AICA Spain que tomaron parte en la entrega de los premios: Blanca García Vega, Pilar Aumente, Lourdes Cerrillo, Jesús Pedro Lorente, Desirée Orús, Esther Plaza, Rafael Botí, María Dolores Arroyo, Anita Revilla, Emilia de Dios, Fernando Alvira, Ángel Pedro Gómez, Jesús Cámara, Antonio Calderón de Jesús, Pedrero, Satoru Yamada, Pilar Sancet.

Obituario: ANGEL AZPEITIA BURGOS

Jesús Pedro Lorente – AICA SPAIN / AECA


Ha muerto Ángel Azpeitia Burgos (1933-2019), que fue presidente fundador de la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, integrada en la red territorial de la Asociación Española de Críticos de Arte, que también él presidió y de la que era presidente honorario. Su larga trayectoria profesional estuvo muy ligada al arte contemporáneo, por una parte a través de la docencia (en la Escuela de Artes de Zaragoza y en la Universidad de Zaragoza, pero también en los cursos de iniciación al arte de la CAI) y sobre todo de la crítica, que durante sesenta años ejerció ininterrumpidamente en el diario Heraldo de Aragón desde 1962, además de en revistas especializadas o a través de otras formas de intermediación, como el comisariado de exposiciones, jurados en premios, etc.

Era una figura muy respetada y querida en su tierra, pues al arte aragonés dedicó la mayor parte de sus trabajos, desde su monumental tesis doctoral sobre Marcelino de Unceta (defendida en 1976, que fue la base de un gran libro publicado por Ibercaja en 1989) a su último ensayo inconcluso, sobre la escultura contemporánea en Aragón (era miembro de la Academia de Bellas Artes de San Luis por la especialidad de escultura), un estudio que no pudo terminar porque hace unos diez años sufrió un ictus que le produjo una hemiplejía de la que nunca llegó a recuperarse del todo. Aún se esforzó en escribir algunas postreras reseñas de exposiciones, con las que culmina el volumen Exposiciones de arte actual en Zaragoza: reseñas escogidas, 1962-2012, una antología publicada en 2013 por PUZ que puede descargarse gratis en la web de AECA: http://www.aecaspain.es/index.php/publicaciones/libros-y-articulos/440-angel-azpeitia-exposiciones-de-arte-actual-en-zaragoza

Por otro lado, su curiosidad y su pasión por el arte contemporáneo le llevaron a estar siempre al día de las novedades en el resto de España y en el panorama internacional, que seguía intensamente a través de viajes y de ávidas lecturas, como bien ha descrito su amigo Manuel Pérez-Lizano Forns en el libro Ángel Azpeitia: Historiador y Crítico de Arte. Intensidad radial, 1933-2012 publicado en Zaragoza por Aladrada ediciones en 2012. De hecho, yo creo que si a Ángel Azpeitia le hubieran pedido destacar una obra entre sus numerosísimas publicaciones él habría señalado un libro que él escribió para lectores hispanohablantes de cualquier lugar del mundo: el Diccionario de Arte Contemporáneo y Terminología de la Crítica Actual, publicado en Madrid por la Compañía General de Bellas Artes en 2002.

La erudición y pasión que puso en sus trabajos, pero sobre todo el recuerdo de su alegre bonhomía, son un gran legado personal que deja a quienes nos consideramos sus discípulos y amigos. Ojalá seamos dignos continuadores de tantos caminos que él nos abrió.

In memoriam: María Teresa Ortega Coca (1930-2018)

Blanca García Vega – AICA SPAIN / AECA


Fotografía cedida por su autor Nacho Carretero

Compañera de estudios y amiga durante la carrera, después en el Departamento  de  Historia  del  Arte,  hemos  compartido  tantas  confidencias, viajes y aventuras, comunicándonos a diario, que M.ª Teresa Ortega Coca forma parte de mi propia historia. El pasado 12 de septiembre se fue en un suspiro, casi sin sentir, con la elegancia que la caracteriza, pero más allá del vacío de su ausencia, está presente en el pensamiento y en el importante legado que nos ha dejado, construido sobre su entrega al arte y la investigación con grandes sacrificios personales. Su aportación como pionera en el arte contemporáneo español dibuja su perfil académico y personal. Una vocación artística que se mantiene viva en sus hijos y nietos arquitectos, pintores y escultores.

En la figura de Teresa Ortega Coca confluyen diversas vertientes de la creación  artística  contemporánea  y  su  proyección  en  el  entorno  social,entendido en su amplio sentido. Cuando la intervención femenina era escasa en el  mundo  de  la  difusión  y crítica  del  arte  contemporáneo  en  este  país,  su dedicación vital ha sido la de una mujer postulada en la defensa y promoción del arte desde la libertad de opinión a través de la crítica especializada, como intermediadora entre el artista y el público, y en el ejercicio de la profesión desde la institución mediatizada. En el análisis del fenómeno artístico contemporáneo, tanto los artistas como las galerías, los museos, las publicaciones, la celebración de exposiciones, certámenes, conferencias y debates,  etc.  son  metodológicamente  inseparables,  y  en  todos  ellos  Teresa Ortega Coca ha participado.

Su  contacto  directo  con  el  arte  comenzó  en  la  década  de  1960  como pintora. Realizó su primera exposición individual en la galería Castilla, en mayo de 1963, y fue presentada por el entonces Director del Museo Nacional de Escultura, Federico Wattenberg. En 1965 decidió adquirir una formación académica en Historia del Arte, para lo que se matriculó en la Facultad de Filosofía  y Letras,  sección de  Historias  y subsección  de  Historia  del  Arte, teniendo que compatibilizar estudios y exámenes con las responsabilidades familiares de esposa y madre de cinco hijos. Por entonces, empezó a publicar sus críticas en El Diario Regional (de 1966 a 1977) y en El Norte de Castilla (de 1982 a 1984), actividad continuada periódicamente con la publicación sobre crítica de arte en libros, catálogos y revistas especializadas, nacionales e internacionales.

Al inicio de la década, en 1970, obtuvo la Licenciatura y en 1971 se incorporó al Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Valladolid, del que fue Profesora Titular hasta su jubilación. En ese mismo año de 1971 fue nombrada Directora de la Sección de Arte del Ateneo de Valladolid, desarrollando  desde  entonces  una  fructífera  gestión  con  la  organización  de cursos, coloquios y mesas de debate, y cuya labor fue reconocida al concederle el título de Socia de Honor en 2009. A lo largo de los setenta, desarrolló una fuerte actividad con la publicación de numerosos libros, artículos y en todo tipo de apoyos de cualquier acción relacionada con el arte contemporáneo y sus creadores. En 1972 se inauguró el Museo de Escultura Contemporánea al aire libre del Paseo de la Castellana de Madrid. Algunos de los artistas allí representados eran motivo de estudio de su Tesis Doctoral y los compendió en un artículo publicado en el BSAA (t. 38). En 1973 se celebró la I Exposición Internacional de Escultura Contemporánea en Santa Cruz de Tenerife. Teresa Ortega Coca participó de todos los actos programados en torno a este extraordinario encuentro y publicó en el BSAA (t. 39) un estudio de las obras expuestas al aire libre. Por esos años, se reactivó la campaña, iniciada hacia 1955, encaminada a la instalación en la ciudad de Valladolid de un Museo de Arte Contemporáneo, e incluso se llegó a publicar en el Diario de Valladolid de junio de 1978 la noticia de la creación de un Museo de Arte Contemporáneo,donde se proponía el nombre de la Profesora Ortega Coca para su dirección, pero como había ocurrido en iniciativas anteriores, una vez más se quedó en un proyecto. Al finalizar la década, en 1979, se publicó el libro sobre Eduardo García Benito que, ante el éxito y demanda por parte del público, tuvo una segunda edición en 1999, aumentada y en bilingüe inglés-español.

En 1980 dio a conocer La actividad artística en Valladolid (1950-1980) y ese  mismo  año  participó en  el Congreso  Nacional de  Historia del Arte  de Sevilla con la ponencia “El art-déco entre la tradición y las anguardias”. En 1982 se inauguró la primera edición de Arco, feria de arte contemporáneo de vocación internacional, donde Teresa Ortega Coca colaboró desde sus inicios.

En el Segundo Encuentro Internacional de Crítica de Arte, Teresa Ortega Coca habló sobre “La protección al arte contemporáneo en España y la legislación del patrimonio histórico-artístico”, cimentada en un exhaustivo análisis legislativo. También en ese año de 1982 ingresó en la Asociación Española de Críticos de Arte (AECA), de la que fue vocal y vicepresidenta, y años después, en 1986, se incorporó como miembro numerario de la Asociación Internacional de Críticos de  Arte  (AICA),  pues  por  entonces,  desde  Europa, se  abogaba  por  dar  un enfoque profesional al crítico de arte, con una ponderación de los especialistas en arte contemporáneo que tuvieran trabajos de investigación en ese campo y su proyección social a través de los medios de difusión. En 1984 se le concedió el Premio de Investigación de la Diputación de Valladolid por su trabajo de Tesis Doctoral “Escultura contemporánea española”, por lo que entre 1989 y 1994 esta institución editó una serie de monografías de escultores españoles contemporáneos: Lorenzo FrechillaFrancisco BarónJulio López HernándezJuan Manuel CastrillónVenancio BlancoTeresa EguíbarÁngel Mateos José Luis Medina. También visitó al escultor Baltasar Lobo en su estudio de París  para  analizar  su  obra  y  darla  a  conocer  en  diferentes  publicaciones. Además  de  artistas  escultores,  ha  publicado  monografías  de  pintores  como García Lesmes (1981), Antonio Maffei (1983), Gabino Gaona (1989), Manuel Mucientes, Delhy Tejero o José Luis Capitaine, entre otros muchos.

En la década de 1990 le llega a Teresa Ortega Coca el reconocimiento nacional e internacional. Referencias bibliográficas sobre ella se incluyen en la Enciclopedia de arte español del siglo XX, t. 2, p. 333 (1992), coordinado por Francisco Calvo Serraller, como también figura en el banco de datos de la Feria Internacional ARCO, así como en la Gran Enciclopedia Larousse, t. 2, p. 686 (1997). En 1995, fundó la Asociación Castellano-Leonesa de Críticos de Arte (ACYLCA), de la que ha sido su Presidenta hasta el año 2007 y Presidenta de Honor hasta la actualidad. En 1997 fue nombrada Comisaria Científica de la I Biennale  Internazionale  dell’Arte  Contemporanea  de  Florencia,  donde  fue Jurado Internacional desde 1999 hasta su dimisión en 2003. En 1998 se la designó  asesora  por  la  Fundación  Inamori  de  Japón  para  nominar  a  los candidatos (pintores, escultores, arquitectos) al Premio Kioto de Japón.

En 1999 la Accademia Internazionale “TRINACRIA” (Lettere-Arte-Scienze) le concedió el diploma de Académico de Mérito por Filosofía e Historia del Arte, por el alto valor cultural de su obra.

Cuando en 2013 fui invitada a presentar una ponencia en el XIV Congreso Nacional  Asociación  Española de  Críticos de  Arte “La  mujer en  el arte”, celebrado  en  el  Museo  Nacional  Centro  de  Arte  Reina  Sofía,  hablé  sobre “Teresa Ortega Coca en el contexto del arte contemporáneo en España”. El texto, con un anexo que recoge todas sus aportaciones, está publicado en el libro La mujer en el arte, pp. 75-93 (2013). Al año siguiente el Ayuntamiento de Serrada le concedió el “Premio de Promoción Cultural 2014”, que le fue entregado en solemne acto en mayo de 2015.

La extensa lista de publicaciones, libros, colaboraciones, voces de diccionarios, artículos en periódicos y revistas especializadas, textos de catálogos, conferencias, organización de debates, participación en jurados, concesiones de premios, concursos y bienales, dirección de Tesis Doctorales, compendia un trabajo ímprobo dedicado al arte contemporáneo. En su actividad docente, como profesora universitaria de la especialidad de Historia del Arte, por sus conocimientos y capacidad de comunicación, ha creado escuela entre sus alumnos de arte contemporáneo y algunos de ellos han continuado su labor en distintos ámbitos profesionales relacionados con esta materia. En su labor como directora de Tesis Doctorales ha marcado unas líneas de investigación centradas en el arte contemporáneo español, orientadas a ir completando los conocimientos sobre el arte del siglo XX en Castilla y León.

M.ª Teresa Ortega Coca inició su dedicación apasionada al arte contemporáneo en un mundo de hombres y en una universidad cuyo interés terminaba en el siglo XIX. Y cuando la presencia femenina en el mundo del arte fue tomando el protagonismo y la universidad fue ampliando su mirada, ella participó activamente  en ese  proceso  de  reconocimiento  y ascenso  del arte contemporáneo en España hasta alcanzar la consideración internacional, y lo hizo  desde  fuera  de  la  centralización  que  ejercían  Madrid,  Barcelona  o Valencia. Lo que, en absoluto, ha implicado un menor nivel, aunque sí un mayor esfuerzo y dificultad para obtener cada uno de los reconocimientos que alcanzó.

Obituario: María Teresa Ortega Coca

Tomás Paredes – AICA Spain / AECA


El pasado miércoles 12 de septiembre nos dejaba María Tersa Ortega Coca, profesora titular de Historia del Arte de la Universidad de Valladolid, autora de una extensa bibliografía, generadora de actividad artística, comisaria de exposiciones, crítica de arte- ejercida en Diario Regional El Norte de Castilla- conferenciante.

Ante todo, recordar y ponderar su actitud, de inquietud abiertamente intelectual, su generosidad sin fin y su disposición siempre a participar, luchar, trabajar por el mundo de la cultura y por otros mundos que sustentan la vida. Su capacidad de trabajo y de conquista; su sencillez y naturalidad la convertían en una seductora. Su presencia cautivaba por su lisura, su tono cercano, su rigor y su feracidad.

Nacida en Madrid el 10 de octubre de 1930, las circunstancias familiares la llevaron a Valladolid donde vivió gran parte de su vida y en cuya Universidad se licenció en Filosofía y Letras, especialidad de Historia del Arte, ya casada y con hijos, llegando a ser una pionera de los estudios de arte contemporáneo y moderno.

De los logros de su docencia hablan la pléyade de sus alumnos, algunos ya catedráticos. Su tesis doctoral, “La escultura contemporánea española”, condiciona su bibliografía sembrada de títulos, libros y monografías: Venancio Blanco, Julio López Hernández, José Luis Fernández, Lorenzo Frechilla, Teresa Eguibar, José Manuel Castrillón, José Luis Medina, Francisco Barón. Especial mención a su “Eduardo García Benito y el Art-Deco”. El gran José Luis Medina la tenía en una alta consideración.

Excelente dibujante y pintora, ella misma, nunca quiso, fundir ni confundir, su labor de investigación crítica con la práctica. Pero ello le facilitó la docencia y el sentimiento del arte actual. Fue fundadora de ACYLCA y su presidenta hasta 2009, siendo miembro muy activa de la Asociación Española de Críticos de Arte y de AICA.

En su participación en el Congreso Internacional de AECA, “La mujer en el arte”, 2014, en el Museo Reina Sofía, dejó su impronta de persona auténtica, impactando al auditorio con la emoción y ternura de su testimonio. Eso era lo mejor de Teresa Ortega, la ausencia de grandilocuencia para definir lo que interesa, descubrir lo humano y misterioso en el gran océano del mundo. Su campechanía trataba de ocultar sus saberes y sus maneras originarias.

Comisaria científica de la I Bienal Internacional de Florencia, 1997; miembro de Mérito de la Academia Tinacria de Italia, jurado del Premio Kioto de Japón. Blanca García Vega, Catedrática de la Universidad de Valladolid, y Montserrat Acebes han sabido siempre guardar un lugar de privilegio para Teresa, que fue la que abrió camino en la época más adversa.

Respetuosa y respetable, siempre dispuesta a aprender y enseñar, a todos los que la conocimos nos deja la huella de sus valores humanos, el cuño de su decencia, su libertad y decisión de decir lo que sentía, su prudencia, la fuerza de su tesón, el de su insistencia cuando se proponía algo determinante. Requiéscat in pace, admirada profesional y querida amiga.

IV Congreso Internacional de la Asociación Española de Críticos de Arte (AICA Spain / AECA)

Crítica de Arte: Crisis y Renovación

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 21-23 de Junio de 2018. Organizado por Asociación Madrileña de Críticos de Arte (AMCA) y AICA Spain / AECA.


Criticar es formar juicio y opinión sobre una obra o un autor, sobre un hecho cierto. Dilucidar con fundamento. Examinar, analizar y concluir sin carientismo. Crítica de arte no es comparar, desechar o ensalzar sin más. Ni mencionar nuestro interés o desinterés sin su razonamiento consiguiente. Quien compara retrasa el juicio.

¿Está la crítica de arte en crisis? ¿Requiere renovación? ¿Qué fundamenta el juicio sobre una obra? ¿Cómo influye la crítica en el coleccionismo? ¿Qué es coleccionar? ¿Tiene límites el museo? ¿Es arte todo lo que exhibe un museo? ¿Es el mercado una suerte de crítica de arte? ¿Cómo afectan las nuevas tecnologías? ¿Es la crítica de arte un capricho de élites? ¿Cómo renovar la crítica de arte?

Este es el contenido que fundamenta y ordena este Congreso Internacional de AECA, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Un Congreso que busca cuestionar para esclarecer, dudar para distinguir, negar lo inerte y afirmar lo vivaz, huir de la retórica vana y someterse a la realidad de los hechos. Crisis es corte, escasez, mutación que acaece en un proceso expresivo, también “juicio que se hace de una cosa después de haberla examinado cuidadosamente”. Renovación es “dar nueva energía a algo, transformarlo”.

Uno de nuestros clásicos modernos dice que hay infinitas formas de definir el arte, pero que ninguna de ellas debe carecer de estos dos elementos: emoción y misterio. En su tisana nº 121, afirma Ana Hatherly: “O misterio supremo é a claridade”. Y eso pretendemos para este debate: claridad, precisión, concisión, juicio y libertad de expresión absoluta. Y respeto para quien no piensa como nosotros. Hic et Nunc, en el marco del arte coetáneo.

Cada sector de la Sociedad, en todas sus vertientes, debe estar constantemente poniendo a prueba sus fundamentos y resultados. Los críticos de arte no son una excepción. Nada ni nadie debe escapar de la crítica y, en consecuencia, ejercer la obligación de criticar. La crítica debe asumir sus luces y sus sombras y exigirse poner luz sobre esas zonas oscuras u opacas, porque la crítica no puede ser un trabalenguas, ni un laberinto fantasmagórico, tiene que entenderse, debe realizarse para ser entendida por el espectador.

Tríptico

Programa

Preactas

Libro de actas

Premios AECA en ARCO 2018

Tomás Paredes – AICA Spain / AECA


En la 37 edición de ARCO, la Asociación Española de Críticos de Arte, AECA, ha concedido las siguientes distinciones:

PREMIO AECA al mejor stand de ARCO’18, tanto por su montaje como por su conte -nido, al de la galería bonaerense McMc Arte Contemporáneo.

PREMIO AECA a la mejor obra o conjunto de obras de un artista internacional vivo, a Kristoffer Ardeña, por sus obras exhibidas en Espacio Mínimo.

PREMIO AECA a la mejor obra o conjunto de obras de un artista español vivo a Eugenio Ampudia, por su pieza sonora “Try not to think so much”, expuesta en el espacio de Max Estrella.

Los galardones que distinguen a estos artistas y galería en ARCO 2’18, les fueron entre-gados in situ por una delegación de AICA/Spain, formada entre otros por: Tomás Paredes, Desirée Orús, Blanca García Vega, Pedro Alberto Cruz, Ma Dolores Arroyo, Pilar Aumente, Jesús Pedro Lorente, Enrique Pedrero, Peter Wall, Ana Revilla, Satoru Yamada,

McMc Moderno y Contemporáneo fue fundada por María Calcaterra en 2014, Buenos Aires, donde tiene su sede permanente muy cerca del MALVA. Su stand se distinguía por la limpieza y luminosidad de su montaje y por las obras que mostraba, varias de César Paternosto, y otras de Gyula Kosice, Julio Le Parc, Marha Boto o Rogelio Polesello.

Kristoffer Ardeña, Dumaguete (Filipinas) 1976, se formó en varias ciudades de EE.UU. y Europa, vive y trabaja entre Filipinas y Madrid, expone con Espacio Mínimo de Madrid. Su pintura imbrica humanidad y geometría logrando una manifiesta sutileza y presencia.

Eugenio Ampudia, Valladolid 1958, es uno de los artistas españoles, más reconocidos en el ámbito internacional. Multidisciplinar, es un adelantado en el uso de las nuevas tecnologías y en su humanización de intenso contenido conceptual. Cuenta con numero-sas becas y prestigiosos galardones. Ya en ARCO de 2008 obtuvo el PREMIO AECA al mejor artista de la feria.

Premios AECA en ARCO 2017

Tomás Paredes – AICA Spain / AECA


La Asociación Española de Críticos de Arte, AECA, como en cada ARCO, tras celebrar su Asamblea General, en Ifema, ha elegido el mejor stand, destacando a un artista español vivo y a otro del ámbito internacional.

Tras el escrutinio de la votación han resultado PREMIOS INTERNACIONALES AECA EN ARCO: la galería de arte “Ponce + Robles”, Gustavo Torner, por los collages recentísimos que exhibe la Galería Fernández-Braso y Claude Viallat por la obra que reúne en Rafael Pérez Hernando Arte Contemporáneo

Entre los finalistas, compitiendo con “Ponce+ Robles”: Lisson Gallery de Londres; Casa Sin Fin y Pilar Parra, ambas de Madrid, y Tatjana Pieters de Gante. Junto a Gustavo Torner, han sido finalistas Néstor Sanmiguel y Sonia Navarro. Los artistas internacionales que han competido con Viallat son: Milena Musquiz, Anish Kapoor y Ai Weiwei.

En septiembre de 2013 surge la unión de las galerías José Robles y Raquel Ponce, para constituir “Ponce + Robles”. En un lustro se ha posicionado como uno de los espacios considerados de arte contemporáneo, no sólo en su ubicación de Madrid, C/ Alameda 5, cabe Caixa Fórum, sino en ferias internacionales, como Zona Maco mexicana.

Su stand de ARCO 2017 está resuelto con desenfado y elegancia. Y varios planos: más agitado al exterior, con la magnífica instalación del colectivo Aggtelek y excelentes piezas de Maillo; más sereno el interior, con obras de Manuel Caeiro, Carlos Nunes. Un contraste sugerente, limpio y conectivo.

Gustavo Torner, Cuenca 1925, de la Academia de San Fernando, cofundador del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, referente de la abstracción española y, en 2016, Premio Nacional de Arte Gráfico. No se trata de descubrir ahora la importancia de Torner, cuando es un nombre histórico, sino de resaltar la obra presentada en Arco 2017, Galería Fernández-Braso, una suite de collages impactante, imbricando figuración y abstracción, con una frescura, profundidad y atractivo evidentes.

Claude Viallat, Nîmes 1936, es poco conocido en España, por eso tiene una gran importancia que Rafael Pérez Hernando haya llevado a Arco un stand planteado con la exclusiva obra de este artista consagrado en Francia. Viallat formó parte de la asbtraction lyri- que, del movimiento Suports/Surface, y tuvo una individual en el Centro Pompìdou en 1982, representando a Francia en la Bienal de Venecia de 1988.

Ha desarrollado una gran labor didáctica, en varias Escuelas de Bellas Artes de Francia, siendo director de la de Nîmes durante varios años. Viallat es un experto en tauromaquia y un conspicuo aficionado al mundo de los toros, pero su obra plástica se dinamiza en el orbe de la abstracción con un código de signos y de manchas

de extremas sencillez y belleza. Su “dios es Picasso”, pero en su lenguaje hay ecos de Matisse, Hantai o Sam Francis.

Los Premios fueron entregados en cada stand, en compañía de Maribel López Zambrana, subdirectora de ARCO, Iciar Martínez de Lecea y un conjunto de críticos entre los que estaban: Miguel Ángel Chaves, María Dolores Arroyo, Brane Kovic, Desirée Orús, Jesús Pedro Lorente, Fernando Alvira, Antonio Calderón, Coca Garrido, Satoru Yama da, Enrique Pedrero, Montserrat Aceves, José Luis Martínez Meseguer, Juan García Sandoval, Ana Revilla, Ma Dolores Gallardo, Pilar Aumente, Alfonso González-Calero, y yo mismo.

José María del Rey Caballero: Reedición de su obra “Nesga, Luz”, publicado en 1928

Julia Sáez-Angulo – AICA Spain / AECA / AMCA


LA MIRADA ACTUAL: José María del Rey Caballero: Reedición de su ...

El periodista José María del Rey Caballero es el autor del libro Nesga, Luz, publicado en Sevilla en 1928 y que ahora se ha reeditado en Mímesis, publicación de IAO Arte Editorial. El libro con once textos, entre artículos o microrrelatos, va ilustrado por una serie de pintores dibujantes como Aragoneses, Carlota Cuesta, Jesusa Quirós, Artés, M. Guerras y otros. El libro fue presentado por la escritora Carmen Pallarés en el transcurso de un acto cultural en la galería Ra del Rey.

José María del Rey Caballero (Sevilla, 1902 – Madrid, 1987), narrador, crítico taurino, y funcionario del Ayuntamiento como bibliotecario de los Reales Alcázares de Sevilla, perteneció al círculo de Mediodía. Fue colaborador en las publicaciones La Hoja del Lunes, Ya, ABC, La Gaceta Literaria y Revista del Ateneo. El autor firmaba Selipe, como crítico taurino. Su hija Ra del Rey creó unos premios taurinos de pintura con el nombre de su padre.

 Nesga, Luz es una de sus obras más emblemáticos junto a Cantar de la Inmaculada, Pregón de la Semana Santa, Cervantes y la Previsión o Toros en San Sebastián.  De contenido misceláneo, no exento de humor, los once textos de Rey Caballero llevan por título: Agencia de colocaciones de dioses; Momentos de cine; Dos novelas; Ángulo de estrella; Jardines de fuego; Fisonomías del reloj; Maniquíes; Mademoisselle Primavera, modista; La recta y el arco; Teatro irrepresentable, y Concierto.

Ha muerto Luis Caruncho

Tomás Paredes – AICA SPAIN / AECA


El pasado viernes,7 de octubre, tras varias semanas hospitalizado, fallecía, a los 87 años, Luis Caruncho, un carácter, una actitud, una particularidad muy expresiva. Reiteró adunia: “Hay geómetras más rigurosos que yo, que son decididamente más fríos, en mis obras palpita más la vida”. Pareciera una constante en su vida, que no todos han sabido descubrir, pues aunque la noticia de su muerte ha sido un clamor digital, hay una tendencia a la frialdad, cuando Caruncho era estuosos, facundo, comunicativo, volcánico.

Luis siempre quiso ser creador, expresar sus sentimientos desde la perspectiva creadora. Mas, en su largo servicio a la cultura, hizo otras muchas cosas bien: crítica de arte, comisario de exposiciones, gestor cultural, editor, arquitectura interiorista, diseño, aglutinador de ideas y propuestas humanistas. Eso se traduce en que el mejor director que ha te-nido el Centro Cultural Conde Duque ha sido él, igual en el Museo de Unión Fenosa.

Hombre de acción, activista de la creatividad, hacedor de amigos, sus amigos le adoraban: Camilo José Cela, Pepe García Nieto, José Luis Morales. Luis Cervera, José María Iglesias…En los noventa era una personalidad arrolladora, que gana premios de pintura como el L’Oreal y el BMW de Pintura. Que dirige Museos, que construye edificios, que reconstruye Dubrovnik, que triunfaba en Lubljana, que colaboraba en la realidad del MGEC de Marbella. Antes, había creado grupos, galerías de arte, hecho murales, y se había inclinado por el arte normativo, humanizado, vibrante de vida, como aquella serie, sería, blanca, feraz, sobre Unamuno. Grabados, libros, carpetas, performances.

Intento no repetir esa mal cosida biografía de su existencia, que corre por todos los me-dios, hablando un tanto de oídas. Fue discípulo de don Daniel Vázquez Díaz, cuando conoció a Rafael Canogar, buen amigo suyo, y a José Caballero, Álvaro Delgado.

Era riguroso en su trabajo, muy conciliador, jovial, alegre, decidido, buscando siempre soluciones a lo que se le planteaba. Era muy gallito, piropeador, galante, amante de lo selecto y con un gusto exquisito, como prueba su pintura y su arquitectura, su casa propia. Era sibarita, no en la gastronomía, sino en su actitud vital, con los coches, en el arte.

Había nacido el 15 de enero de 1929 en la Coruña, en el 40 se traslada a Madrid, donde hará su vida, sin desligarse nunca de Galicia ni de Marbella. Hubo un proyecto para hacer un Museo personal de su obra y su colección en San Pedro de Alcántara, pero cuando todo estaba listo, el municipio se desquició y todo quedó en promesa.

Del neocubismo derivó a un constructivismo, limpio de signos hasta quedar en un esencialismo. Desde 1973, primera individual en las galerías Monzón y Gianini ha realizado cientos de exposiciones en ámbito nacional e internacional. Perteneció a AECA y AICA. Ha sido un generador de aire para mover y agitar la cultura, enriqueciendo la vida..

Su obra queda, en distintos museos e instituciones, pero su sonrisa, su disposición constructiva, su alegría, su compartir, su solidaridad, su entrega al amigo, al próximo, la echaremos de menos. Para Tatiana, su segunda esposa, para Pilar, su mano derecha, para el mundo cultural, mis condolencias y el ofrecimiento de no olvidar su ejemplo.

“Ciria. Palabras Nómadas”, libro antológico crítico del pintor en la primera década del XXI

Julio Sáez-Angulo – AICA SPAIN / AECA / AMCA


LA MIRADA ACTUAL: “Ciria. Palabras Nómadas”, libro antológico ...

Ciria. Palabras Nómadas es el título del libro antológico-crítico del pintor en la primera década del XXI, que ha sido presentado por Guillermo Solana en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Patrocinado por Telefónica, el libro contiene los textos que distintos críticos de arte han escrito sobre la obra y el pintor, actualmente residente en Madrid, después de haber vivido en Nueva York, Berlín y Londres, durante diez años.

En acto previo a los medios informativos, presentado por Jaime Pérez-Guerra, el pintor José Manuel Ciria (Manchester, 1960) manifestó que las ciudades en las ha residido e instalado su estudio han influido de modo notorio en su ánimo y en su obra. Su preferida es Nueva York y, la que menos, Madrid (buena para otras muchas cosas), donde reside en la actualidad por razones personales. “Los hermeneutas del arte tendrían que decir mucho en todo esto”, afirma el pintor.

Uno de los representantes máximos de la abstracción en la pintura, la obra de Ciria tuvo un paréntesis de Cabezas abocetadas a mediados de 2000, tras la muerte de su padre, con quien estaba muy unido y la visita a los tótems de la Isla de Pascua en América. La mayor parte de su producción se centra en la abstracción de la mancha, en tensión a veces con la geometría suprematista, a lo Malevich.

 “Indago continuamente en la abstracción y, cuando se investiga mucho en un campo, se acaban encontrando nuevas ideas”, dijo el pintor, satisfecho con humor por ser uno de los artistas que más catálogos y publicaciones, casi 90, tiene en el mercado. “Nada si lo comparamos con Picasso, del que yo he visto una sala entera de una librería con publicaciones sobre el pintor malagueño”, dice Ciria

 “Trabajo con la mancha extendida, azarosa y al mismo tiempo con composición y estructura en el cuadro. Lo gestual y lo geométrico se relacionan en mi obra, cuando surge la línea; a veces aparecen algunas retículas…”, explica. El pintor sabe que el arte es mente, sentimiento y estructura. “Hay que pintar con brío y pensamiento, cuando se tiene cosas, ideas que comunicar”.

  Pese a la abstracción, a Ciria le gusta titular sus cuadros y recurre para ello a lo que siente o vive en el momento. Los títulos de las series que los comprenden “están más pensados”. Por encima de todo se considera “un investigador de la abstracción”. Sabe que la pintura no muere ni podrá morir, es cuestión de buscar para encontrar nuevos planteamientos en ella. El artista ha de ser siempre libre y pintar en libertad para conseguir sus propios logros.

 Ciria se lamenta de la situación política, social y de mercado del arte en España. “Desde el paso de Miguel Ángel Cortés por Cultura, se ha hecho muy poco por la promoción del arte español fuera de nuestras fronteras y hay que hacerlo, porque existen pintores españoles actuales extraordinarios”. Considera que la feria de ARCO está bien, pero lejos del estándar internacional de las grandes ferias. Aboga por una buena Ley de Mecenazgo, aspiración que no hay manera de lograr, de la misma manera que los grandes grupos políticos no encuentran, no saben o no quieren encontrar, una Ley de Educación consensuada. La estabilidad política u educativa son importantes para el arte, la inversión, el mercado… y la vida.

  Pese a la crisis económica, Ciria asegura que se sostiene por varias galerías internacionales de América y Asia, junto a algunos coleccionistas españoles fijos de su obra. El pintor de Manchester ha expuesto en numerosos museos de todo el mundo, incluso con una muestra itinerante.

  Ciria es un artista listo, inteligente, inquieto, ambicioso, buen pintor y buen relaciones públicas de sí mismo y de su obra, lo que le ayuda mucho a difundir su pintura y encontrar los espacios adecuados para ella. No tiene galería en Madrid, porque no acaba de encontrar el sitio, pero todo llegará para su obra y planteamientos. A las galerías españolas, salvo excepciones, les falta proyección internacional, clave hoy en día para el arte.

III Congreso Internacional de la Asociación Española de Críticos de Arte (AICA Spain / AECA)

Arte Urbano y Audiovisual. En los márgenes de la ciudad, del arte y de la crítica

Zaragoza, 24 y 25 de septiembre de 2016.Organiza: Observatorio Aragonés de Arte en la Esfera Pública; Asociación Aragonesa de Críticos de Arte; AICA Spain / AECA.


El objetivo principal que se persigue con este evento es reflexionar en torno a las manifestaciones artísticas que podemos considerar en los márgenes, entendiendo como tales aquellas menos convencionales y canónicas, en particular, todas aquellas que pueden englobarse bajo el paraguas del arte urbano y las manifestaciones audiovisuales. El Congreso se estructura en tres grandes bloques temáticos:

  • Un primer bloque en el que podrá contemplarse la diversidad de umbrales urbanos, atendiendo al papel de las manifestaciones artísticas generadas (espacialmente hablando) en las periferias de las ciudades, fuera de los centros y cascos históricos o en lugares a los que habitualmente la crítica más convencional no ha prestado su atención.
  • En segundo lugar, se prestará atención a las propias manifestaciones artísticas en los márgenes del canon dominante, teniendo en cuenta algunas técnicas y prácticas no convencionales como el street art, la performance, el videoarte, el videojuego, el cómic, el cartel, la publicidad, etc.
  • Un tercer bloque dedicado al estudio del papel, trascendencia y repercusión de la crítica del arte en los márgenes, reflexión en torno a la figura del crítico de arte, fenómenos como influencia de la crítica del arte en la promoción de la innovación artística, así como la visión por parte de la crítica de los artistas “en los márgenes”, discusiones críticas en los medios, la trascendencia de la crítica en la generación de la opinión pública siempre en el campo del arte urbano y el audiovisual.
Libro de actas

Premios AECA en ARCO 2016

Manoli Ruiz – AICA Spain / AECA


Premio a la mejor galería de Arco 2016: Galería Rafael Pérez Hernando, por su montaje y su contenido, sobrio y preciso, obras papel y esculturas, de Susana Solano.

Premio al mejor artista español vivo: Ignacio Llamas, por su instalación en la Gale-ría Pilar Serra.

Premio al mejor artista internacional de Arco: Iris Schomaker, por su obra expuesta en la Galería Thomas Schulte de Berlín

Rafael Pérez Hernando inició su andadura en un sótano de la calle Claudio Coello, de Madrid, 1996, donde hizo tres grandes muestras: “Anton Lamazares”, 1997, un homena je a Fraile. “Bonifacio”, 1998 y Manuel Hernández Mompó, 199-2000.

En 2004, se traslada a Orellana 18, donde continúa con sus exposiciones periódicas,  ade más de asistir a Ferias Internacionales, como ARCO. La Galería Rafael Pérez Hernan-do se distingue, más que por su línea expositiva, por su forma de hacer, con montajes ex quisitos y determinantes. Ha expuesto a figuras como Bonifacio, Mompó, Hernández Pijuan, Griffa y destellos deslumbrantes de Javier Calleja, La Griega, Finkenauer.

Ignacio Llamas, Toledo 1970, licenciado en Bellas Artes por la UCM, comenzó cons-truyendo ámbitos para resguardarse, que se convirtieron en ostugos para pensar y en ico -nos estéticos, que han terminado en epidermis horizontal fotográfica donde escribe el alma sus sentires mojando en la niebla y en el sueño. En ARCO tenía una instalación mínima, un conjunto de brevísimas piezas, que engrandecía su sobriedad y su intimidad.  

Iris Schomaker, Stade 1973, vive en Berlín. Ha logrado construir un lenguaje donde la figuración expresionista, el papel y el color iluminan un icono, dramático, hermoso y conmovedor. Sus formas esquemáticas, el carboncillo sobre papel y los contrastes de color dan vida a una expresividad asombrosa. El dibujo, los barnices y los gestos determinan una obra existencial y ontológica. Expuso en Distrito 4 de Madrid, en 2012, y está representada en prestigiosas colecciones alemanas.

Los galardones fueron entregados por Tomás Paredes, Brane Kovic, Blanca García Vega, Juan García Sandoval, Antonio Domínguez Rey, Julia Saéz-Angulo, Benito de Diego, Satoru Yamada, Linda de Sousa, Juan Jiménez, A. Calderón, entre otros.

II Congreso Internacional de la Asociación Española de Críticos de Arte (AICA Spain / AECA)

España-Japón. Arte Hoy

13-15 noviembre de 2015. Valladolid. Asociación de Castilla y León de Críticos de Arte. AICA Spain / AECA. Centro Asia Universidad de Valladolid.


Las relaciones entre España Japón en el arte de hoy, a pesar del recién terminado año dual España-Japón, no suele recibir la debida atención por parte de los críticos de arte, ni en las revistas especializadas, ni en las páginas culturales de la prensa generalista, que normalmente dedican su atención a las novedades expositivas en museos y galerías. Hay casos excepcionales, pero curiosamente es poco conocida la actividad artística que se está haciendo en la actualidad, tanto por parte de artistas japoneses residentes en España como a la inversa. Por eso, se hace necesario concienciar a los críticos de arte sobre la atención que merece esta creciente interrelación.

Japón despierta en España una gran atracción al ser Oriente el catalizador de la fantasía occidental, porque está lejos, es exótico, ajeno, extraño. Pero ese exotismo con que vemos Japón dificulta la comprensión real de su cultura. Mientras que el pueblo japonés ha sabido apreciar las peculiaridades de la cultura española, a los españoles les resultan extrañas muchas de las tradiciones japonesas, cuando no le son totalmente desconocidas.

En ese cada vez más necesario acercamiento de España al entendimiento de la cultura y la estética del pueblo japonés, más allá de la admiración que causa, es muy enriquecedor llevar a cabo la iniciativa de reunir en diálogo un grupo de artistas japoneses y españoles que, desde la vanguardia artística a la que pertenecen, muestren su forma de hacer y pensar con la puesta en valor de la importancia creativa, utilizando técnicas sumamente apreciadas en la cultura japonesa por parte de creadores españoles. A la inversa, será igualmente muy interesante escuchar a artistas japoneses que se han establecido en España para dar un nuevo enfoque a su trabajo al conectar con las técnicas y presupuestos estéticos del arte de nuestro país.

Homenaje a Genevieve Barbé Coquelin de Lisle

Madrid, 23 de Junio de 2015

La vida de Geneviève Barbé-Coquelin de Lisle ha estado dedicada al estudio y difusión del arte y del patrimonio histórico cultural hispanoamericano. La Asociación Española de Críticos de Arte, el Consejo Superior de Investigaciones Científicas y la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se unen para rendir un sentido reconocimiento a la hispanista francesa.

Un conjunto de conocedores del legado intelectual de Geneviève Barbé-Coquelin de Lisle, se dieron cita para ensalzar las cualidades y virtudes de esta historiadora del arte e hispanista francesa, que ha sabido enriquecer la bibliografía y el conocimiento sobre un amplísimo acervo cultural iberoamericano. La arquitectura renacentista hispana y de América latina, los Siglos de Oro, el mudéjar, el 98, Picasso, Regoyos, Solana, han sido los objetos esenciales de su investigación y sobre ellos ha esparcido una luz particular.

Toda la información en: http://www.realacademiabellasartessanfernando.com/es/actividades/cursos-y-conferencias/homenaje-a-genevieve-barbe-coquelin-de-lisle

«Arte Político», publicado el libro del Congreso de AICA Spain / AECA celebrado en el Museo Reina Sofía

Julio Sáez-Angulo – AICA SPAIN / AECA / AMCA


“Arte Político” es el título del libro que recoge el Congreso de la Asociación Española de Críticos de Arte AICA Spain celebrado en el Museo Reina Sofía. Tomás Paredes, el presidente de AICA Spain abre el volumen con un amplio texto introductorio.

El libro acoge las cuatro conferencias sobre el tema de Arte Político, seguido de las mesas redondas y numerosas comunicaciones leídas o enviadas al Congreso por distintos miembros de la Asociación Española de Críticos de Arte AICA Spain o diferentes profesores de Universidades de distintos países.

El libro publicado por AICA Spain tiene 516 páginas y va ilustrado con fotos en blanco y negro. Al final del libro figuran las Conclusiones del Congreso. En la edición colaboran la Asociación Madrileña de Críticos de Arte (AMCA) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. ISBN 978-84-606-6283-9.

Las cuatro ponencias publicadas son: Todo Arte es Político, del pintor Rafael Canogar; La condición política del Arte: dimensión insoslayable. Voluntad dialéctica. Perversión estetizante, del profesor titular de la Complutense, Jaime Brihuega; Beetween art and ideology: somepoliticalaspets in contemporary art, de Brane Kovic; The meaning of “political” in Central-Eastern art after 1989, de Andrzej Szczerski. The becaming of art/The decommissioning of art. A case study, de Liam Kelly.

En las mesas redondas estuvieron como directores de las mismas: la catedrática Carmen Pena, que habló sobre La marca España, identidad, política y arte español; Wifredo Rincón, sobre Arte y Política. Arte y Artistas del siglo XIX; Blanca García Vega, sobre Arte y propaganda, o GenevièveBarbé-Coquelin De Lisle, sobre Severo Sarduy: la cubanidad y Paris, de la escritura a la pintura.

Son casi medio centenar el número de comunicaciones que se recibieron en el Congreso sobre Arte Político y por citar sólo alguna de ellas: Arte, política y espacio social, de Miguel Viribay; Arte y discurso político: acciones en el espacio urbano, de María Dolores Arroyo Fernández; El diseño urbano de Boulogne Billancourt en el período de la Colonia de Artistas (años 1920-1930): una expresión política en la Banlieue Oeste de París, de Pilar Aumente; Cine, arquitectura, ideología. Un episodio de la España autárquica, de Miguel Ángel Chaves Martín; El engaño en el engaño: una escena en el arte político, de Alfonso González-Calero; “Turba sin Dios”, del pintor Soria Aedo, Cuadro comprometido y “exiliado” por avatares políticos en la España de 1936, de Elisa Sáez-Angulo; Arte político y política sin Arte, de María Oropesa Toral; ¿Un arte político? Oposición al franquismo y compromiso en las Exposiciones Oficiales Internacionales (1958 -1963), de la historiadora Genoveva Tussell, o Artes político. Artistas españoles en la República Dominicana del dictador Leonidas L. Trujillo: Vela Zanetti, Manolo Pascual, Juan Alcalde, Ricardo Zamorano y Manuel Ortega, de Carmen Valero Espinosa.

Premios AECA en ARCO 2015

Manoli Ruiz – AICA Spain / AECA


La Asociación Española de Críticos de Arte, AICA/Spain, entregó la tarde del sábado del 28 de febrero de 2015, los Premios Internacionales AECA, que viene otorgando desde hace más de dos décadas durante la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, ARCO.

ARCO 2015

Después de la Asamblea General Ordinaria de AECA, los críticos visitaron los dos pabellones de ARCO e hicieron sus valoraciones. En las votaciones intervinieron numerosos críticos de arte de distintas Autonomías: Madrid, Aragón, Castilla-León y Murcia.

Tras el escrutinio, llevado a cabo por el Secretario General de AECA, profesor Miguel Ángel Chaves, en presencia de numerosos miembros de AECA, se concedieron los siguientes galardones:

Mejor Galería de Arco, el stand de la Galería Cardíde Milán. Con un espacio impecable, muy limpio y montado con excelente buen gusto, con obras de Lucio Fontana, Michelangelo Pistoletto, Enrico Castellani, Piero Manzoni, Turi Simeti, Giulio Pao lini, Agostino Bonalumi o Pino Pinelli.

Cardi Gallery, con sedes en Londres y Milán, abierta desde 1972, está especializada en arte de postguerra y contemporáneo, teniendo entre sus expositores y fondos nombres como: Carla Accardi, Gilberto Zorio, Ettore Spalletti, Getulio Alviani, Salvatore Scarpitta, Giuseppe Penone, Giovanni Anselmo, Luciano Fabro, Kenneth Noland, Paladino, Burri, Fausto Melotti, Louise Nevelson, Pier Paolo Calzolari

La distinción a la mejor obra o conjunto de obras de un artista internacional vivo ha sido para Julian Opie, por su individual en el stand de Mario Sequeira, galería portuguesa de Braga que desde 1994 viene siendo un foco de atención del mercado, en ARCO, con grandes autores internacionales o pintores portugueses de gran interés como Pedro Cabrita, Helena de Almeida, Luis Coquenao, Manuel Caeiro y otros como Kiefer, Frans West, Julian Opie o Axel Hütte

ulian Opie, Londres 1958, es un artista pop que forma parte de la imagen de la nueva escultura británica y es uno de los referentes actuales del retrato. Sus criptogramas sobre colores planos conviven con cabezas gigantescas, instalaciones de video y paneles LED, con hombres caminando. Su stand en ARCO es abigarrado, pero intensamente atractivo.

La mejor obra o conjunto de obras de un artista español vivo fue a manos del escultor Gregorio Peño, por las obras que exhibe en el stand de Michel Soskine, que defiende un proyecto peculiar y exquisito con obra de Ángel Alonso, Cartier-Bresson, Bevan, Antonio Crespo, Eduard Steinberg o Gregorio Peño, a quien ha hecho una individual.

Goyo Peño Velasco, Villafranca de los Caballeros(Toledo), 1983, más conocido por Peñoes un joven escultor con material cerámico que viene de la tradición de varias generaciones dedicadas a ese hermoso oficio, en el que Peño el joven ha dado un salto de calidad y ha conquistado los palacios de invierno de la creatividad plástica. Con sus Formas abatidas, Floraciones, Surcos, está desarrollando un lenguaje intimista, intenso, que ha obtenido diversos galardones, a pesar de su juventud y de la dificultad intrínseca. Es Premio Aurelio Blasco, Premio Especial de la Bienal Internacional de Cerámica de Vallauris, P. Nacional de Cerámica…Y ahora ¡Premio Internacional AECA en ARCO!

Los premios fueron entregados a sus destinatarios por Tomás Paredes, Presidente de AECA, acompañado de Miguel Ángel Chaves, Blanca García Vega, Julia Sáez-Angulo, José Alberto Bernardeau, Rafael Botí, Concha Pelayo, Linda de Sousa, Juan Jiménez, Alfonso González-Calero, Satoru Yamada y yo misma.

Pedro Monje. Poética del símbolo y la materia (Montserrat Acebes)

El libro Pedro Monje. Poética del símbolo y la materia. Editado por la Excma. Diputación de Jaén, en colaboración con el Ayuntamiento de Lopera. Consta de 238 páginas en las que se analiza la trayectoria humana y artística de Pedro Monje Lara (Lopera, Jaén, 1945-Valladolid, 2012).

La autora, Montserrat Acebes de la Torre, doctora en Historia del Arte y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, ha estructurado la obra en tres apartados.

En el primero, plasma un detallado estudio biográfico; en el segundo analiza la temática y rasgos estilísticos que definen a Pedro Monje en los campos en los que se manifiesta su expresión plástica: pintura, grabado, cerámica y escultura; en el tercero reúne un catálogo con 367 obras documentadas con sus correspondientes fotografías que se suman a las 187 ilustraciones de los diferentes capítulos.

Su carrera artística se ha desarrollado prácticamente en la ciudad de Valladolid, donde ha quedado su impronta en la conocida Fuente de los Colosos, ubicada junto al Palacio de Correos. Además, el libro recoge una amplia bibliografía sobre el artista que pone en relieve el interés que ha despertado su obra.

Territorios sentimentales. Arte e Identidad (Carmen Pena López)

Tomás Paredes – AICA SPAIN / AECA


Territorios sentimentales. Arte e identidad (Tapa blanda) · Libros ...

Con fecha de publicación de 2012, Editorial Biblioteca Nueva, colección Ensayo, llega ahora a mis manos este volumen de la autoría de Carmen Pena, catedrática de Historia del Arte de la Universidad Complutense y miembro de AECA/AICA.

Desde mi óptica, se trata del texto de un espíritu liberal, con una mirada antropológica, que sin batahola, desmonta las rancias ínfulas de un arte nacional y todas sus colgaduras, como la veta brava, la raza, “el carácter español del arte español” y esa parafernalia iberocasticista que ha festoneado el arte español en los dos últimos siglos, incluido los años anteriores a la segunda República española, durante ésta y el franquismo.

El hilo conductor de la investigación ha sido su imperturbable idea de deshacer tópicos, cuestionando las ideas recibidas y proponiendo una lectura, sosegada y límpida, poniendo el foco y la claridad sobre nacionalismo e identidad, pintura de paisaje e ideología, centro y periferia, incidiendo en Benjamin Palencia y la Escuela de Vallecas, así como en la invención del arte español. Y todo ello realizado desde el análisis concreto, apoyándose en fuentes fidedignas, en imágenes y obras que refuerzan sus conclusiones.

Estudia las tensiones que generan el enfrentamiento entre renovadores y tradicionalistas y expone, con solvencia, como algunos estereotipos y tópicos se han ido transmitiendo bajo el manto de la progresía, como sucede con esa visión de un Greco españolizado, sublime, que ya defendieron los institucionistas o el costumbrismo de Casas.

Se agradece, sobre manera, que no se trate de un refrito de intervenciones heterogéneas, sino de un libro con unidad, con una estructura equilibrada desde la introducción al epílogo. Y escrito con una fluidez, que exalta su amenidad. Y esa aparente facilidad esconde pensamientos complejos y bien armados, que, en alguna ocasión, te hacen retroceder a lo que acabas de leer, para no tergiversar el sentido.

Un texto, no sólo para especialistas, que limpia, fija y da esplendor a la presencia en el arte y los pastiches y falsarios de la originalidad. Sus análisis de la Dama de Elche, icono de españolismo; su defensa de la modernidad de Goya, su crítica al regionalismo y sus disparates, a Sorolla y Zuloaga, Gustavo de Maeztu; las visiones republicana y católica del Cerro de los Ángeles; su debate sobre la España negra y la España en negro, su conocimiento del noventayocho y el veintisiete, hacen de este volumen, de 223 páginas, un caudal de oro, que infunde convicciones al lector.

El nacionalismo se cura siempre con formación e información, como la estulticia y la ignorancia. Este es un libro con tesis meridianas que ayudan a la orientación, una reflexión desde la razón y el pensamiento. No es un libro de entretenimiento, sino que fustiga y despierta; pregunta, contesta y orienta. Arriesgado y duro, con los que se aferran al inmovilismo; hermoso para los que se aventuran a vivir el arte sin requilorios.

A Marañón le gustaba que los libros exhibieran una imagen del autor con una síntesis de su trabajo, a mí también. A pesar de la magnífica contra del maestro Antonio Bonet, falta una pincelada existencial y bibliográfica de la autora, experta en este espinoso ámbito en el que se mezclan sentimiento e identidad con un territorio, simbolismos atrofiados y la ambigüedad. ¡Magnífico ensayo de una mente ordenada y decidida!.

I Congreso Internacional de la Asociación Española de Críticos de Arte (AICA Spain / AECA)

Arte Político

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 6-8 Noviembre 2014. Organizado por Asociación Madrileña de Críticos de Arte (AMCA) y AICA Spain / AECA.


Dando continuidad a los Congresos Nacionales que con periodicidad bianual viene celebrando la Asociación Española de Críticos de Arte llegando a su XIV edición el pasado año 2013, AICA Spain / AECA ha organizado, en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, su I Congreso Internacional centrado en el tema “Arte Político”.  Los objetivos que se persiguen son: debatir, ensayar y definir, en la medida de lo posible, el concepto “arte político”. Buscamos aclarar, concretar, qué se entiende y qué queremos decir con el concepto “arte político”.

El artista no ofrece soluciones, pero es notario de su época. El arte traduce las angustias de su tiempo y por eso seguirá existiendo, con los perfiles que lo consoliden. Partimos de que arte político es aquel que genera conocimiento y pensamiento, cuestiona las ideas recibidas del mundo en el que nace y difunde las nuevas formas de relación social entre los individuos y los grupos, entre otras acciones. El hecho de realizar este Congreso Internacional en colaboración con el MNCARS fija los términos temporales de la reflexión y los debates en el arte contemporáneo.

Programa

Libro de actas

Manuel Sánchez Oms: El collage, historia de un desafío

Manuel Pérez-Liziano Forns – AACA / AICA SPAIN / AECA


El collage: Historia de un desafío PENSAMIENTO DEL PRESENTE ...

El collage. Historia de un desafío, con 183 páginas y editado, en junio de 2013, por Erasmus Ediciones de Barcelona, se desprende del cuerpo teórico de su Tesis Doctoral sobre el collage, que comprendía 1.800 páginas. Libro que con leer el índice es suficiente para comprender su exhaustiva mirada analítica sobre los precedentes del collage, ya desde y con la revolución industrial, y su trascendencia en el ámbito artístico hasta ser admitido como expresión creativa.

Precedentes con la incorporación de filósofos atentos al arte vía estética, por ejemplo Hegel, el psicoanálisis para reforzar la teoría y el minucioso análisis de historiadores y críticos de arte, desde principios del siglo XX, que abordaron la relevancia del collage, sin olvidar a poetas, artistas plásticos desde Picasso y Braque, los constructivistas rusos y los grandes pintores futuristas italianos. Un Hegel enlazado, por ejemplo, con Walter Benjamin y Marx, pues no olvidemos que muchos de los surrealistas, ya desde Andrè Breton, vivieron el comunismo como algo propio.

 Movimiento surrealista analizado con absoluta visión independiente por criterios propios, siempre demostrando con argumentos vía riguroso análisis. De referencia ineludible la «muerte del arte» y las apasionantes discusiones entre artistas sobre arte, muchas publicadas en revistas con reproducciones de obras para avalar el ámbito teórico.

Todo ampliándose con lo popular, el cartel y lo fabricado por la industria, desde luego partiendo del siglo XIX, como factores revolucionarios plásticos, junto con las imprescindibles citas de las exposiciones más relevantes en torno al tema que nos ocupa. Mucha atención porque para Sánchez Oms, con el que estamos de acuerdo, el collage ni de lejos se limita a cuatro papelitos de periódico pegados sobre un lienzo. Ahí están lo popular, la industria, los carteles, los cuadros, el objeto, las esculturas o las fotografías. Para el recuerdo la exposición de collages en la galería Goemans de París en 1930 o la celebrada en Nueva York, año 1961, bajo el título Art of Assemblage. Sanchez Oms, para concluir, también sugiere lo que interpretamos como la muerte del arte hacia otro arte. Veamos lo que afirma, al respecto, en su última página.

Hoy el collage forma parte de toda nuestra realidad y prosigue su camino hacia su constitución orgánica y alquímica, aunque ahora por cauces numéricos y genéticos. En realidad, siempre perteneció a este mundo exterior antes que a cualquier recinto cerrado, por ejemplo el arte embriagado con su propia sacralidad. Lejos de asistir a una derrota de la utopía, cabe la posibilidad de que a nuestras espaldas, del mismo modo que la materia se desenvuelve despreocupada de las inquietudes de nuestras conciencias, el arte se haya extinguido y la poética se haya liberado para dar paso imprevisto hacia un desarrollo completo de formas de conocimiento superior y hasta el momento insospechadas.

Informe de mi participación en el Consejo de Administración de AICA, en París, 15.III.2014

Tomás Paredes – AICA SPAIN / AECA


Como estaba previsto, asistí al Consejo de Administración de AICA, 15 de marzo de 2014, en París. Tuvo lugar en la sala de conferencias de Ecole Nationale Supèrieure des Beaux Arts, 14, rue Bonaparte, 75006.-PARIS. Desde las 9 horas a las 13’30 horas. La cita comenzó con algún retraso. La documentación que se presentaba, aparentemente estaba en tres idiomas, pero en la carpeta del español, sólo había un texto traducido, que era el informe del Presidente. El resto estaba en el inglés. Asistieron en torno a 24 secciones y seis delegaron el voto. Era difícil saber con exactitud, porque algunos presidentes estaban acompañados, por lo que las votaciones eran un tanto confusas y en más de una ocasión hubo que volver a contar y recontar las manos alzadas en señal de voto.

Insisto en el tema de las lenguas. Sigo creyendo que una institución como la nuestra pue -de costearse, dos veces al año, dos traductores. Hubo varios miembros que no entendieron bien toda la sesión, porque era evidente que algunos traducían al francés, algunas consideraciones. Y si uno no se entera bien, ¿qué valor tiene el voto? No creo que la UNESCO justificase esta conducta, ya que las lenguas oficiales de AICA son: francés, inglés y español.

La sesión se desarrolló espartanamente en inglés por lo que perdí algunas fases de los informes y muchos matices de los debates. El orden del día constaba de 9 puntos, de los que sólo se trataron cuatro y algunas referencias a otros dos más. Como siempre, no hubo tiempo para las Secciones Nacionales, con la importancia que tienen, porque AICA está conformada por ellas, por encima de la junta que la dirige.

En primer lugar, se informó de la Asamblea de Bratislava, temas tratados, nombramientos de cargos y modificaciones. Allí, ha propuesta del Presidente, se aprobó el nombramiento de Raphaël Cuir, presidente de AICA Francia, como Secretario General Adjunto y la finalización de la relación laboral de Anne Claude Morice y Akiko con AICA.

A continuación el informe del Presidente, único documento en español, en el que volvía a referir estos acuerdos, así como los problemas que ha ocasionado el despido de los dos secretarias, que han tenido que ser indemnizadas con miles de euros. Ni una palabra res-pecto a la responsabilidad de quien corresponda en esta operación que pienso ha estado mal gestionada.

Marek Bartelik agradeció a Marjorie Althorpe-Guyton su trabajo en la preparación del Congreso de Corea, durante octubre próximo, así como a la sección de AICA Corea. Informando de los beneficios de sus viajes a Pakistan y a Taiwán, donde percibió la necesidad de una AICA bien representada en Asia, África y Medio Oriente, donde estamos claramente subrepresentados”.

Anuncio la fallida colaboración con Art in America y la colaboración con la publicación Brooklyn Rail, en un acto que se desarrollará a finales de abril de 2014 en el Instituto Cervantes de Nueva York. Finalizando con  elogios a la publicación del libro La invención de la distancia de Ticio Escobar, coeditado con Fausto Ediciones y AICA Paraguay, que está a la venta, pero sin saber el resultado de la operación.

A continuación, informó Brane Kovic, Secretario General de AICA, quien entre otros asuntos, refirió su visita a Madrid y su participación en la Asamblea de AECA, así como su participación en la entrega, durante ARCO, de los Premios Internacionales de AECA. Pidiendo una colaboración de AICA para nuestro Congreso Internacional sobre “Arte Político”.

Tras su intervención, le agradecí su visita a Madrid y su participación en nuestra Asamblea y dije al Presidente lo importante que es esta relación con las Secciones Nacionales. Le invité a participar en nuestro Congreso de “Arte político”, cuya propuesta tuvo mucho éxito, porque fueron varios miembros de AICA los que me pidieron participar, como Liam Kelly, especialista en arte político. También invité a participar en ese Congreso Internacional a Andrzej Szczerski y al profesor Poinsot, que me dijo no era su tema favorito, pero que lo pensaría. Aunque advirtiendo a todos que había un Comité Científico, que es el encargado de admitir o rechazar ponencias y comunicaciones. 

A continuación intervino la Tesorera, Efi Strousa, quien presentó las cuentas, muy perjudicadas por las indemnizaciones a las personas que trabajan en la oficina de Paris, a las que se había aprobado despedir. Explicó en líneas generales los gastos e ingresos y manifestó que algunas secciones no habían ingresado sus cuotas, pidiendo disculpas por algunos desajustes y retrasos en el funcionamiento de la oficina de París por estos acontecimientos señalados.

Como punto 3º, se debatió la nueva estructura de la oficina de París, en la que ahora trabaja Alma Saladim a tiempo parcial y aquello se hizo  interminable con propuestas y disquisiciones no siempre bien pensadas. Tanto que se convirtió en el monotema de la reunión, con algunas intervenciones de la comisión de la página web, pero volviendo constantemente a este asunto, luengo enlazado con un absurdo debate sobre las funciones del Secretario General, cuya votación se postergó a Corea. Los Estatutos indican las funciones de cada miembro de la Junta y los miembros del comité deberían conocerlos.

Es evidente que la reunión no se había preparado de antemano y que la improvisación y las largas y reiteradas intervenciones se comieron el tiempo de tratar temas más interesantes para AICA. 

La reunión se levantó sin acabar el orden del día fijado. Informó el Presidente de los próximos Congresos que serán en Suecia y, con toda probabilidad, en Cuba o Estados Unidos, Los Angeles. Creo que si se propone el de Cuba, de forma definitiva, tendrá muchas objeciones. No se fijó la fecha de la próxima reunión en octubre. Ni se me invitó a formar parte de la Comisión de Lenguas, como había prometido en Bratislava el profesor Poinsot.

Mi sensación es que se comienza a tener en cuenta a AECA y si se confirma la colaboración de AICA en el Congreso Internacional “Arte político”, será una prueba contundente de que ello es así. Creo que la asistencia a los Comités y a las Asambleas es fundamental y que tenemos que seguir con ese esfuerzo.

De otra parte, animo a todos los miembros de AECA, que no sean ya de AICA, a presentar su candidatura para ser admitidos. En AICA no entienden muy bien que haya miembros de la Asociación Española que no quieran ser de AICA y se extrañan de esta actitud. Mi idea es que estemos presentes en AICA, cada vez más: en comisiones, comités, asambleas, participando en sus congresos. Y que cada día más miembros de AECA lo sean de AICA. No podemos consentir que grupos minoritarios manejen a su antojo, a esta prestigiosa entidad, que necesita de todos los profesionales miembros. 

Nuestros miembros de AICA deben saber que para el acceso a la información de AICA, el login es: aica-member, y la contraseña: 20SEUL14.

Tenemos ya a disposición de nuestros miembros, que deseen pertenecer a AICA un formulario a rellenar. Deben enviarlo a AECA, una vez cumplimentado, para remitirlo a AICA sin esperar mucho tiempo. Hay más detalles que podrían apuntarse, pero por el momento no puedo ser más explicito.

Premios AECA en ARCO 2014

Manoli Ruiz – AICA Spain / AECA


aeca en arco

La Asociación Española de Críticos de Arte, AICA/Spain, entregó en la tarde del sábado 22 de febrero de 2014 los Premios Internacionales AECA, que viene celebrando desde hace más de dos décadas durante la Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, ARCO.

En las votaciones intervinieron numerosos críticos miembros de AECA, procedentes de diversas autonomías españolas, con la presencia, en el escrutinio y entrega, del Secretario General de Asociación Internacional de Críticos de Arte,AICA, Brane Kovic.

A las seis de la tarde, acompañado de Brane Koviv Carlos Urroz, director de ARCO, Tomás Paredes, Presidente de AECA, y otros miembros de la Junta Directiva entregaron los siguientes galardones:

Fue distinguida como Mejor Galería de Arco, el stand de “Parra & Romero”.

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La mejor obra, o conjunto de obras, de artista internacional vivo: Gerhard Richter, por su “Abstraktes Bild”, presentada por la Galería Michael Schultz, Berlin, Seúl y Beijin.

La mejor obra o conjunto de artista español vivofue a manos del joven Albert Pinya por las piezas, que conforman la instalación “Pinya’s Friends”, exhibidas en Pelaires de Palma de Mallorca.

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Como finalistas en estos premios estuvieron los nombres de las galerías Hans Mayer, Vermelho, Nogueras Blanchard, Isabel Animat, Espace Meyer Zafra, Forum Box…Y entre los artistas se barajaron los nombres de Julio Le Parc, Ville Anderson, J.Ma Sici-lia, Joana de Vasconcelos, Julien Opie, Jaume Plensa, Juan Correa.

Partitura delante, de Carmen Pallarés

Tomás Paredes AICA SPAIN / AECA


Todos creemos conocer a Carmen Pallarés, poeta, crítico de arte, escritora, pintora…, ¡qué sé yo lo que se esconde bajo ese ramo frágil de niebla dorada o de flores desecadas! Enteca, tímida, mínima, como si nada fuere siendo tanto. Camina ausentándose, escapando, ínsita en su cosmos, que suena como un gran coro silente, accesible a oídos querenciosos. Sonríe, se disculpa, se zafa como una sombra luminosa juanramoniana. Estuve presente, en Ra del Rey, con sala abarrotada, el día de la presentación de su poema largo, el 20 de diciembre. Pero, o no supe valorar lo que se dijo o no percibí el valor de lo que se anunciaba. El caso es que hoy, tras escuchar el Réquiem en Do menor, KV 626 de Mozart, en las versiones de Karajan y Karl Bohm con preferencia ésta, me he puesto a leer el libro y estoy maravillado, seducido, contagiado, agradecido, endeudado.

 ¡Cómo ha crecido en este libro Carmen Pallarés! Es un poema didascálico, explicativo, de cómo ella se adentra, como intérprete en el coro de voces del Réquiem; mas, cómo lo cuenta es fascinante. ¡Qué ritmo, qué brío, qué fuerza, que fluidez, qué música!

 ¿Qué es la poesía? Lo dijo Lezama Lima, “Un caracol nocturno en un rectángulo de agua”. Todonada, la presencia imprescindible que no sirve para nada, la indescifrable belleza de que hablaba Ungaretti. Esto que leemos en Partitura adelante es poesía, sobre todo, en algunas estrofas, que incendian el ascetismo de la autora: “Soñaba con que el beso del misterio/ modulara, tensara y mantuviera/ notas de sal, mercurio y alto azufre/ durante unos instantes: imploraba  que la gracia, el kairós, la maravilla,/ como el dulce tejido de la aseda/ le prestara sus alas, y entendiera/ la clave de la bóveda y lograra/ cantar con el color de los vitrales…

Anáforas, imágenes, metáforas y, sobre todo, movimiento, tropel de palabras que vuelan como bandada de papemores y bulbules. Asíndeton, aliteraciones, hipérbatos, hipálages, enálages, dan una tremenda brillantez a sus versos con un trepidante aliento rubeniano. 

Es la historia de una iniciación, cuando se integró en  la Orquesta y Coro de San Jerónimo el Real, para vivir el aprendizaje de la rotunda obra de Mozart. Un reto que le descubrió no sólo la obra mozartiana sino sus posibilidades y carencias. Conocerse cura y fortalece y postula y hermosea. 

…con una altanería de esmeralda…se alejó de mi paso el falso empaque,/ perdí el armiño y descendí desnuda….entre las sombras de mi atardecer…El mineral celeste de la obra/ amaba, concertaba, tutelaba, añoraba…distribuyendo el brío y la fatiga entre quemantes fauces de leones…Para cerrar el proceso con “En concierto”: “en que mi voz can -taba entre dos mundos,/ erguida, vigilante, alerta, viva/ y extrañamente adormecida a un tiempo/ entre los pliegues de su paraíso,/ sintiendo las dinastías etéreas/ y el tacto fraternal de los acordes….    Cuesta detener la cita, pararse, pues el vértigo sereno, inexcusable, te arrastra hacia el clamor del canto en medio de la emoción del Réquiem. 

Carmen Pallarésha sido distinguida con los Premios José Paz, Villafranca, Esquío y accésit Adonais. Tiene publicados once libros de poemas, desde 1979. Pero en esta Partitura adelante, IAO Arte Editorial, 2013, Madrid, ha sentido “la belleza del valor”, conduciéndola al valor de la belleza. Al ritmo virtuoso en el que las palabras, como en una cascada impresionante de agua, caen sobre nosotros y nos invaden, nos inundan, nos enriquecen con la magia de un caracol nocturno cantando en un rectángulo del mar.

Creatividad y Arte, Nº20 de la revista Creatividad y Sociedad con artículos de María Dolores Arroyo y Miguel Ángel Chaves

Creatividad y Sociedad, Revista de la Asociación para la Creatividad (ASOCREA) ha sacado a la luz su número 20, correspondiente al mes de septiembre de 2013. Este monográfico dedicado a Creatividad y arte, dialógica de una lectura interpretativa del arte, ha sido coordinado por el profesorJuan Gabriel Morales Quesada de la UCMy en él se han publicado artículos de Miguel Ángel Chaves y María Dolores Arroyo, socios de AMCA, AECA, AICA. 

La creación del espacio expositivo moderno es el título de Miguel Ángel Chaves Martín (profesor de la UCM, departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad II), que comparte autoría con Ángeles Layuno Rosas (Escuela de Arquitectura. Universidad de Alcalá de Henares). El resumen de su artículo se expresa así: «La creación del espacio expositivo moderno fue una consecuencia de los avances técnicos y estéticos del arte y arquitectura de vanguardia unidos en un proyecto estético  colectivo influido por las ideas del pensamiento filosófico y científico de las primeras  décadas del siglo XX. Sobre estas premisas se analizan las aportaciones de algunos proyectos de Mies van der Rohe y Le Corbusier al debate sobre el contexto espacial del arte, quienes canonizaron diferentes soluciones que se convirtieron en paradigmas de la museografía moderna más allá de la revisión del Movimiento Moderno. Algunas de las fórmulas del museo funcional y sus derivaciones actuales ensayan una metodología en que la investigación estética aportada por los planteamientos de las artes plásticas trasciende a los objetivos de la mera funcionalidad».

El artículo, Arte, mass media y ámbito urbano: Correspondencias, interferencias y comunicación, firmado por María Dolores Arroyo Fernández (profesora de la UCM, departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad II), «… expone distintos argumentos y reflexiones sobre las relaciones, convergencias y diferencias, entre la creación artística y los mass media. La ciudad ha favorecido el crecimiento de los medios de comunicación a la vez que impulsado un aumento demográfico potencialmente receptor: el público de masas. Se plantea que a pesar de la democratización y la presencia masiva en los eventos culturales, no siempre se corresponde con una verdadera comprensión del nuevo arte. (…).  La obra de arte soporta la pérdida del aura por la equivalencia que ha ido adquiriendo con la misma realidad, o por su inevitable convergencia con el mundo mediático».

 Pueden consultar todos los artículos completos de este número en el enlace de la revista: http://creatividadysociedad.com/creatividad-y-arte

Homenaje centenario Juan Antonio Gaya Nuño

6 junio 2013. Centro Cultural Gaya Nuño, Plaza de San Esteban 2, 42002 – Soria / 7 junio 2013. Salón de actos de la Consejería de Empleo, Turismo y Cultura de la Comunidad de Madrid, Calle Alcalá 31, 280014 – Madrid


Comité científico:
BLANCA GARCÍA VEGA, Catedrática de Historia del Arte, Universidad de Valladolid.
MANUEL PARRALO DORADO, Catedrático de Pintura, Universidad Complutense de Madrid

CARMEN PENA LÓPEZ, Catedrática de Teoría e Historia del Arte, Universidad Complutense de Madrid
CARLOS PÉREZ REYES, Catedrático de Arte Contemporáneo, Universidad Complutense de Madrid


Comité organizador:
TOMÁS PAREDES ROMERO
LOURDES CERRILLO RUBIO
MIGUEL ÁNGEL CHAVES MARTÍN
MANOLI RUIZ BERRIO

Al conmemorar el centenario de Juan Antonio Gaya Nuño (Tardelcuende, Soria 1913 – Madrid, 1976) estamos reconociendo a una figura señera en la historiografía hispana, sensible crítico y eminente conferenciante, escritor inclasificable y amigo de artistas; vicepresidente de AECA, miembro de AICA, perteneció a la Hispanic Society y al Instituto de Coimbra. En palabras del recordado Julián Gállego era imagen naturalmente expresionista, de largas facciones talladas en nogal bajo la aureola blanquísima del pelo, los ojos negros y vivos, la boca de fuerte belfo, por el que resbalan con cierto crepitar de erres, cataratas de apasionados comentarios, y como Júpiter tonante, siempre atento altavoz a la actualidad de la creación plástica (Texto presentación de Carlos Pérez Reyes).

XIV Congreso Nacional de la Asociación Española de Críticos de Arte

La mujer en el arte

Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 22 y 23 de marzo de 2013.


La mujer ha estado marginada, sojuzgada, alejada de la actividad pública cultural en el pasado y todavía, cuando no sólo intervenía, sino que, en muchas ocasiones, era ella el motor de la creatividad. Poco a poco ha ido ganando el protagonismo que le es natural, aunque no deja de haber problemas respecto a su liderazgo, por parte de un hábito m achista, que nadie abandera, pero que está ahí, com o una consigna sin dueño. Algo que aún la hace invisible.

Para analizar esa realidad, la Asociación Española de Críticos de Arte, con el concurso de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, organizó su XIV Congreso Nacional La mujer en el arte, en el que se informó, debatió e investigó, desde diferentes puntos de vista y consideración, el pasado y presente, de la intervención de la mujer en el mundo de la cultura -enfocando su relación con el arte- y de la dinámica de su acceso a los puestos de decisión y control.

Tríptico

Libro de actas

Antología de Ángel Azpeitia. Exposiciones de arte actual en Zaragoza, 1962-2012

Manuel Pérez Lizano


Una antología monumental de la trayectoria como crítico en el Heraldo de Aragón de Ángel Azpeitia, Exposiciones de arte actual en Zaragoza. Reseñas escogidas, 1962-2012.

Si nuestra publicación, Ángel Azpeitia: Historiador y Crítico de Arte. Intensidad racial: 1932-2012, abordaba la biografía del Dr. Ángel Azpeitia y se enriquecía con testimonios de muy variadas personas, junto con sus numerosas publicaciones excepto las críticas de arte y otros textos en Heraldo de Aragón, el presente libro se centra en una amplia selección de críticas y reseñas en 738 páginas incluyendo el imprescindible índice y la muy abarcadora introducción de Jesús Pedro Lorente que, al mismo tiempo, ha tenido a su cargo la edición y la selección. Dos publicaciones que completan la ingente tarea del Dr. Ángel Azpeitia como profesor, director de tesis de licenciatura y tesis doctorales y escritor sobre muy dispares disciplinas artísticas y épocas, de modo que estamos ante una figura excepcional que ha dejado un positivo rastro, muy vigente, en dispares ámbitos del Arte. Libro editado por Prensas de la Universidad de Zaragoza, con diseño de la cubierta de Inma García, y la siguiente colaboración para su publicación: Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, Instituto de Estudios Altoaragoneses, Institución “Fernando el Católico”, Asociación Española de Críticos de Arte, Observatorio Aragonés de Arte en la Esfera Pública y Heraldo de Aragón.

La imprescindible introducción de Jesús Pedro Lorente, que comprende diez muy analíticas páginas, enfatiza de forma más que abarcadora en diversas singularidades como crítico de arte y su evolución a lo largo de tanto tiempo, mucho más compleja de lo que podía captarse en la época, pues en su lectura pasaban los años y se perdían aquellos primeros puntos de referencia, sin ver con claridad su permanente evolución mediante la riqueza del lenguaje especializado, el ámbito de criterios intelectuales de muy alto nivel y el cambiante enfoque según fuera el artista. Introducción completada con un apartado de agradecimiento en las personas de Manuel Sánchez Oms, que escaneó los textos, y de María Luisa Grau Tello, en la revisión editorial, así como a Prensas de la Universidad de Zaragoza y las instituciones citadas.

En la selección de textos el lector interesado, ni digamos para futuros trabajos sobre Arte, tiene la garantía de un espléndido banquete por su variedad, más el gozo de captar la muy positiva evolución de un auténtico intelectual. La primera reseña se titula Luis Berdejo en la Sala del Palacio Provincial, 15 de mayo de 1962, y la última se titula La Prendería, B+B=3B: Nada menos que quince creadores, 7 de mayo de 2012. Entre medio se capta la presencia de múltiples artistas de Zaragoza, del resto de España y extranjeros, con la singularidad que desde 1962, hasta 1975, estamos en plena dictadura y pueden constatarse las muy cambiantes, numerosas y excelentes exposiciones de dispares artistas, para seguir en plena democracia con artistas que avalan su increíble número y variedad de planteamientos creativos. Todo, por supuesto, en Zaragoza como aval de una incesante actividad.

Publicación, en definitiva, de obligada referencia, de auténtico gozo, para los artistas vivos que están incorporados, ni digamos, tal como se indicaba, para los futuros historiadores de Arte o para los que están embarcados en la fascinante aventura de una próxima publicación.

Reseña publicada en AACA Digital (http://www.aacadigital.com/contenido.php?idarticulo=792)

Premios AECA en ARCO 2013

Manoli Ruiz – AICA Spain / AECA


Gran Premio AECA a la mejor obra o conjunta de piezas presentadas en ARCO por un artista internacional vivo, para los dibujos y pinturas de la polaca Aleksandra Waliszewska.

Tras la votación de decenas de críticos, miembros de la Asociación Española de Críticos de Arte, y el subsiguiente escrutinio, el sábado 16 de febrero de 2013, a las 17 horas, se proclamaron los siguientes galardonados:

Premio AECA a la mejor obra o conjunto de ella de un autor español vivo, para la escultora Cristina Iglesias, donostiarra radicada en Madrid.

Premio AECA a la mejor galería de ARCO, a DAN Galería de Sao Paulo.

Sería injusto no mencionar los finalistas que compitieron con los galardonados, entre los que se encontraban: Max Neumann, Jaume Plensa, Joana de Vasconcelos, Juan Uslé, Rafa Macarrón, Ampudia, Iris Schomaker, Alejandro Corujeira…Y entre las galerías: Altxerri, Thomas Schulte, Guillermo de Osma, Espacio Mínimo…

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Aleksandra Waliszewska, Varsovia 1976, se exhibía en las galerías LETO & Local 30 de Cracovia y Varsovia respectivamente. La obra de Waliszewska, en formatos breves, a caballo entre el dibujo y la pintura, tienen un perfume surrealizante que imbrica elementos pop con fuerte atractivo plástico. Viene de imágenes del medievo, de autores flamencos y franceses vistos con ojos irónicos, incisivos y actuales. Es una obra inquietante, inteligente, sugerente, enganchada a la tradición y al sueño. El conjunto que pre-sentaba en ARCO mereció la atención de la crítica, pese a su tamaño,  por su fuerza, originalidad y polisemia. Veinte individuales y varios libros ilustrados consolidan su lenguaje.

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Cristina Iglesias, San Sebastián 1956, escultora y grabadora, Premio Nacional de Artes Plásticas, es uno de los nombres españoles internacionales y su actual exposición en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía informa de su trayectoria y su brillante ac-tualidad. En ARCO había varias obras suyas, pero el conjunto más importante lo presen -taba la Galería Elba Benítez de Madrid. Empezó articulando cemento y cobre con una gracia infinita, luego derivó hacia estructuras arquitectónicas y hoy es nuestra escultora más valorada, con obras publicas como las puertas de la ampliación del Museo del Prado. Centenares de exposiciones avalan su prestigio.

DAN Galería, Rua Estados Unidos 1638, 01427-002 – Sao Paulo,  fue elegida mejor galería de ARCO, por una amplia diferencia, por la belleza de su contenido y por el montaje de su stand. Es una galería fundada en 1972 por Peter Cohn Claudia S. Cohn, que difundieron el Modernismo brasileño de Tarsila do Amaral, di Cavalcanti o Cicero Días. Cuando Flavio Cohn se unió a la dirección propuso una línea más fría, entre lo geométrico y lo concreto, que ha hecho de la galería paulense una referencia mundial. La elección de los miembros de AECA, más que con su historial, tiene que ver con la elegancia y exquisitez con las que se mostraba su stand en el pabellón 8 de ARCO.

Cristóbal Ruiz, su obra y su tiempo (1881-1962). Miguel Viribay Abad

Tomás Paredes – AICA SPAIN / AECA


Miguel Viribay Abad, ilustre pintor y académico, miembro de AECA, acaba de leer su discurso de recepción de Consejero de Número del Instituto de Estudios Giennenses, con el título que se indica ut supra, contestado por el Consejero Director del mencionado ateneo, Pedro Galera Andreu. 

Miguel Viribay Abad se ha construido una brillante personalidad en el mundo del arte, que se bifurca en la teoría y la práctica. Como teórico, aborda varios caminos, todos ellos surcados con esplendidez, como es la escritura de libros, el ejercicio de la crítica de arte en diarios y revistas y la docencia. La práctica la desarrolla en su labor de pintor, reconocido, expuesto y valorado, no sólo en el ámbito andaluz, sino más allá. Todo ello le ha proporcionado distintos galardones y puestos de relieve formando parte de institutos culturales como el de Estudios Giennenses, Real Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias de Granada y Asociación Española de Críticos de Arte.

Ha escrito miles de artículos de crítica, catálogos, libros sobre Zabaleta, Manuel Ángeles Ortiz, Cristóbal Ruiz, Fabián de Castro… Jurado de los premios más prestigiosos. Catedrático, polemista avezado, y un apasionado del arte en todos sus ostugos. Su pintura cuando une olivar, paisaje, tradición y máscara, resulta asombrosa, genuina y mágica.

Aunque es numerario desde hace cuatro lustros, sólo ahora ha leído el preceptivo discurso de recepción, sobre la obra y el tiempo de Cristóbal Ruiz, cono dice su rubro, el azoriniano pintor jaení, nacido en Villacarrillo.El discurso es una joya, más por su contenido, que por sus querencias tipográficas. El análisis exhaustivo de la vida del pintor, la descripción de las diversas escenas socioculturales en las que vivió y el análisis riguroso de la obra, lo convierten en una obra definitiva en torno a Cristóbal Ruiz.

Un libro es importante por los saberes que atesora y por cómo están expresados esos conocimientos. Ahí radica su dimensión: en enseñar deleitando, algo que adoro, que me esfuerzo en practicar e intento conseguir. Datos, sugerencias, conclusiones alcanzan una claridad meridiana y un exquisito grado de belleza. Cristóbal Ruiz (Villacarrillo 1881- México1962) pintaba con seda y sensibilidad, mojaba el pincel en la magia del misterio y su alma tendía hacia él, como quería el poeta al que retrató con reiteración: Antonio Machado. La esencialidad, la sencillez, la humildad franciscana laica, la hermosura de la bondad, son elementos que coinciden en el icono de este artista del exilio y la España peregrina, de estética del veintisiete y talante institucionista.

Valgan estas líneas para anunciar el acto y difundir este discurso-libro: «Cristóbal Ruiz: su obra y su tiempo (1881-1962)», IEG, Jaén 2012, que es un gozo y un descubrimiento del que los amantes del arte no se deberían privar. Libro denso, diáfano, decidido, subjetivo, esplendido, en el que el autor se orienta por su amor a la pintura. Viribay,en este lúcido ensayo, hace verídica aquella enseñanza de Maurice Maeterlink:«No hay vidas pequeñas: cuando las miramos de cerca, toda vida es grande». 

Homenaje a Ángel Azpeitia

Jesús Pedro Lorente – AICA SPAIN / AECA


Foto: Ángel Azpeitia, tercero por la izquierda, junto a los premiados en la entrega de Premios de la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte 2012, acompañado del Director General de Patrimonio y del presidente de AACA Manuel Pérez-Lizano.

El 27 de diciembre de 2012 a las 12h. del mediodía tuvo lugar en el salón de actos del IAACC Museo Pablo Serrano, una ceremonia presidida por el Director General de Patrimonio, Javier Callizo, quien dio la bienvenida al numerosísimo público que abarrotaba la sala, y felicitó a la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte (AACA) por la doble celebración para la que nos habíamos reunidos.

Efectivamente, el acto público tuvo dos partes, la primera de las cuales consistió en la entrega de los premios AACA 2012. El presidente en funciones de AACA, Manuel Pérez-Lizano, fue llamando al estrado a cada uno de los premiados, explicando las diferentes categorías de nuestros premios anuales, consistentes en un diploma diseñado por nuestro compañero el pintor y crítico de arte Fernando Alvira:

La joven Gema Rupérez Alonso recogió de manos de nuestra vicepresidenta en funciones, Desirèe Orús, el Premio al artista aragonés o residente en Aragón menor de 35 años más destacado por su proyección artística, por su exposición en la Casa de la Mujer en Zaragoza.

Carmen Aguaroz recogió, en nombre de Rafael Ordóñez, el Premio a la mejor publicación sobre arte contemporáneo de autor o tema aragonés, otorgado al catálogo «Aransay, maneras de pintar», publicado por el Ayuntamiento de Zaragoza con motivo de la exposición homónima en la Lonja. Le entregó el diploma Fernando Alvira, tesorero en funciones de AACA. Alberto Andrés recogió el Premio a la mejor labor de difusión del arte aragonés contemporáneo, al certamen y feria CERCO de Cerámica Contemporánea, organizados en 2012 por gran diversidad de espacios de Zaragoza, Muel y Teruel. Le entregó el diploma nuestra vicepresidenta en funciones, Desirèe Orús. María Jesús Buil recibió el Premio al mejor espacio expositivo sobre arte contemporáneo, a la galería de arte La Carbonería de Huesca. Le entregó el diploma Fernando Alvira, tesorero en funciones de AACA. Y finalmente nuestro presidente en funciones, Manuel Pérez-Lizano, entregó a Pilar Moré el Gran premio al más destacado artista aragonés contemporáneo objeto de una gran exposición, por su exposición retrospectiva en el Museo Ibercaja Camón Aznar.

La segunda parte fue un homenaje a nuestro presidente-fundador, Ángel Azpeitia Burgos, con motivo de sus cincuenta años en la profesión de crítico de arte. Para celebrarlo, se presentó al público un libro titulado Ángel Azpeitia: Historiador y Crítico de Arte. Intensidad radial: 1933-2012, publicado por la editorial Aladrada, con la colaboración económica de muchos de sus amigos.  Habló en primer lugar Carlos Serrano, en nombre de la editorial, agradeciendo la iniciativa del artista Paco Rallo, de quien partió la idea, la organización del proyecto y el diseño del libro. Luego intervino el autor, Manuel Pérez-Lizano, quien comentó la estructura del libro, definiéndolo como una labor coral, puesto que además de su propio estudio reúne textos-homenaje de muchos autores. El homenajeado, Ángel Azpeitia, dio las gracias a todos con palabras emocionadas, señalando el mérito de los artistas, compañeros críticos, familiares y público en general por haberle distinguido con tantos homenajes y pruebas de cariño. Por último, Javier Callizo, Director General de Patrimonio, cerró con su intervención este acto público.

(Información publicada en revista AACA, Diciembre 2012)